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Valérie Lemaître

Nadine Pochez — 2008-06-04T12:04:50Z

Valérie Lemaître souhaite une revalorisation des productions artistiques belges. Tant mieux ! Notamment : ll Cortile au ZUT en juin, les festivités cannoises, un projet de série télé alléchant, une résidence au Public…

Valérie Lemaître souhaite une revalorisation des productions artistiques belges. Tant mieux ! Notamment : ll Cortile au ZUT en juin, les festivités cannoises, un projet de série télé alléchant, une résidence au Public…

Vous assurez la mise en scène de Il Cortile au ZUT du 5 au 27 juin. « Une carte blanche à la jeune création », mentionne le flyer. D'où vient le projet ?

En novembre 2007, SteveDriesen me contacte pour me faire lire une pièce afin de m'en proposer la mise en scène au ZUT. J'avais déjà eu l'occasion de voir Il Cortile aux Brigittines en 2004. La mise en scène était alors assurée par l'auteur et sa compagnie. C'est un texte tellement magnifique que même sans un salaire, j'ai accepté l'engagement.On travaille gratuitement. Nous disposons de 1500 euros pour réaliser une scénographie et des flyers. Nous gagnerons de l'argent à la participation. C'est un projet qui se fait avec le cœur et non pas pour l'argent. Il Cortile raconte superbement l'histoire de 3 hommes abandonnés par la société. Echoués dans une cour [1] pleine de déchets et d'immondices, Pepe (Steve Driesen), Tano (Nicolas Ossowski) et Untel (Youssef Khattabi) – vont ressasser leurs souvenirs et leurs rêves.
Le monde extérieur est complètement perdu. Ces 3 hommes vont s'accrocher à ce qui reste de l'Humanité. Parler, se souvenir, exister, c'est probablement tout ce qui leur reste.

L'auteur, Spiro Scimone est sicilien. Comme moi, il est auteur et comédien. Son univers est très contemporain.
D'abord parce que sa langue s'adresse au plus grand nombre de façon poétique et universelle, ensuite parce que les êtres qui peuplent ses pièces sont pour la plupart des exclus, des laissés pour compte, des êtres sacrifiés, bafoués par la famille, par les patrons ; des petites gens dont personne ne se soucie et que la société a mis de côté parce qu'ils ne cadrent pas avec l'idée matérialiste et consommatrice de notre époque.
Dans le travail nous avons exploré la condition des SDFS qui peuplent nos villes. Pour moi c'est la première image très forte qui se dégage de ce texte. La survie dans la rue, la recherche de nourriture, la faim, les coups, la pénurie, le froid, le regard des autres, la saleté, les maladies, la solitude extrême, l'humiliation, la pitié, le vieillissement prématuré…

Avec ses répétitions, ses silences, son rythme, ses situations surréalistes qui renvoient au réel, ses alternances tragi-comiques, et finalement son souffle terriblement humain, l'écriture de Spiro Scimone est une excellente « matière à jouer ». D'instinct, je l'ai traitée comme une comédie italienne parce que je pense que la pièce est écrite comme cela ; Scimone est un acteur et il a le rythme des mots dans la peau. Son intention est, je crois d'utiliser le rire pour ne pas tomber dans le pathétique d'une situation qui finalement ne nous ferait pas plus réagir que les nouvelles terribles qu'on apprend le matin à la radio. Le rire a plusieurs vertus : il déplace les foules et il est terriblement corrosif quand il peut. Il aide à la prise de conscience en restant actif, il facilite la lecture des images et des situations tragiques.
L'alternance tragi-comique reste pour moi la meilleure des représentations de notre condition humaine.
La traduction du texte par Jean-Paul Manganaro est excellente. Elle sent encore l'Italie, la Sicile.
Le spectacle dure une heure et j'espère pouvoir apporter aux spectateurs une prise de conscience, si infime soit-elle, sur la condition humaine...

Aviez-vous déjà travaillé au ZUT ?

Non, c'est la première fois. J'ai pu voir certaines de leurs productions et leur démarche me plaît beaucoup. Malgré l'enthousiasme des critiques par rapport à son travail, Georges Lini ne dispose d'aucun moyen financier. Il Cortile sera leur dernier spectacle dans le lieu originel du ZUT. Ce qui est symbolique par rapport au thème de la pièce : un lieu abandonné des hommes. La saison prochaine, le théâtre s'établira au 210.

Vous êtes une comédienne polyvalente. Vous pratiquez la danse, la mise en scène, l'écriture au théâtre comme au cinéma, et même l'enseignement.

J'aime beaucoup l'enseignement. Mais, je préfère le pratiquer de façon sporadique. La matière enseignée aux élèves provient de ce que j'apprends sur le terrain. Je trouve judicieux, tout comme pour la mise en scène, de pouvoir exercer des deux côtés. L'enseignement au sein de Parallax me convient donc car il s'agit de modules de trois mois à chaque fois.
J'aime aller et venir dans les différentes disciplines. Mon parcours est atypique : j'ai commencé l'Université et le Conservatoire simultanément. Très tôt, j'ai eu la grande chance d'être engagée au théâtre. Parallèlement, j'avais repris des études au Centre d'Études Théâtrales à Louvain-la-Neuve. La danse contemporaine a toujours fait partie de ma vie. Enfin, à 27 ans, j'ai commencé l'écriture. Les histoires des gens et du monde me fascinent. J'aime les raconter sous des formes humoristique et surréaliste. Ma première pièce fut Kontainer Kats
Pour le cinéma, j'ai coécrit un scénario de court-métrage avec Martine Doyen, et enfin, un long-métrage Komma
[2], coécrit avec elle encore.
J'ai toujours senti qu'exercer le métier de comédienne uniquement, ne me suffisait pas.

Vous avez une activité de prédilection ?

Non, car j'aime à faire des allers et retours dans ces différentes disciplines. Jouer fera toujours partie de ma vie : c'était mon premier rêve de gamine. Mais, je suis une boulimique de travail. Quand je ne crée pas, j'ai l'impression de ne pas exister. Le métier de comédien est fait de moments de creux. Multiplier les tâches m'est toujours apparu comme la solution.

Vous avez œuvré avec Pietro Pizzuti, Patrick Descamps, Frédéric Dussenne, au Rideau, au Varia, à Villers-la-Ville,…. Vous avez également tourné en France l'an dernier avec le spectacle Ladycrackers au sein duquel vous dansiez et chantiez… Dans vos multiples expériences de scène, quelle est celle dont vous garderez un souvenir impérissable ?

J'ai eu la grande chance de jouer dans Le Quatuor d'Alexandrie au Festival in d'Avignon en 2002 sous la direction du metteur en scène Stuart Seide.
. C'était un grand moment. J'admire le travail de cet homme et donc j'avais envie de tout donner sur le plateau. Ensuite, j'aimais l'idée de jouer en dehors de mon pays, de rencontrer d'autres personnes, d'autres lieux.

Je garde également un excellent souvenir de mon rôle de premier plan dans le film Komma. Je suis en demande de Caméra. Mais, c'est compliqué car les places s'y font encore plus rarissimes qu'au Théâtre. J'adore l'image. Avec mon compagnon, Michelangelo Marchese, nous écrivons le scénario d'une série télévisée : Motel. Actuellement, nous réalisons ce que l'on appelle dans le jargon cinématographique « une bible ». C'est un développement de toutes les intrigues qui se dérouleront dans les 13 épisodes. C'est également les notes d'intentions à propos de la série, son concept… Nous avons la chance, sur ce projet, d'avoir un producteur flamand et un producteur francophone qui nous soutiennent. Avec cette bible, les producteurs pourront démarcher auprès des différentes télévisions. Cette série est un vieux rêve : nous sommes tous deux des enfants de la télé. C'est un média que je ne rejette pas, même si parfois il véhicule beaucoup de conneries.

Que raconte Motel ?

C'est un thriller fantastique qui se déroule dans un motel au fin fond des Ardennes. Ce motel a été bâti sur une ancienne pierre sacrée datant de l'époque celtique. L'histoire commence le 29 octobre et se termine le 3 novembre. Cette période est, pour les Celtes, l'occasion de la « Fête de Samain ». Elle célébrait le moment où l'Autre Monde rencontrait la réalité.

Je pourrai y jouer ?

(Rire) Oui, oui pourquoi pas ?!! L'objectif de cette série est également d'exploiter davantage le potentiel artistique belge. À mon sens, nous nous sous-estimons et nous sommes sous-estimés.

À Cannes aussi ?

Il y avait en tout six films belges présents cette année, parmi lesquels : les frères Dardenne que nous connaissons tous (Le Silence de Lorna), Bouli Lanners (Eldorado) et Joachim Lafosse (Elève Libre). Je trouve que la presse francophone belge ne les mettait pas assez en valeur. Hugues Dayez, l'animateur radio sur la Première ne parlait pas suffisamment des deux films belges sélectionnés à la Quinzaine des Réalisateurs
Par contre, dans la revue de presse internationale, un journaliste allemand titre « La Belgique, terre du cinéma » ! Les productions belges essaient de se calquer sur ce qui se fait en France. La Belgique doit se revaloriser. Nous devons être fiers de ce que nous faisons, parce que ce que nous faisons est de qualité. Nous avons des acteurs en Belgique d'un niveau bien supérieur à bon nombre d'acteurs français. On est très à la mode en France, mais on n'est toujours pas à la mode chez nous ! C'est la mentalité belge ! Mais ne perdons pas courage ! Il faut préserver notre identité et continuer à créer comme nous l'entendons. Nous sommes exagérément conditionnés à produire avec deux francs cinquante, à penser la création avec deux francs cinquante et à voir les portes se fermer sur notre nez !!! Les choses doivent changer !

Vous regardez les séries télé ?

Oui, avec Michelangelo, on en a regardé beaucoup : Les Sopranos, Nip /Tuck et Heroes sont des séries géniales ! Ma série-culte reste Twin Peaks de David Lynch.
J'ai vu également tout récemment une série flamande magnifique que je recommande à tout le monde : Matrioshki. Cette série anversoise s'est vendue dans le monde entier et les comédiens y parlent un patois flamand ! Eux n'ont aucun problème avec leur identité ce qui n'est pas le cas des francophones.

Vous aimeriez travailler avec David Lynch ?

(Rires) Ben oui ! Oh oui alors, évidemment !!!

Quels sont vos futurs projets ?

À partir du mois de septembre 2008, je serai pendant cinq ans en résidence au Public. Une fois par an, j'aurai la chance de pouvoir créer dans ce lieu. Je commencerai en jouant dans le nouveau texte de Yasmina Reza : Le Dieu du Carnage en novembre et décembre 2008. C'est l'histoire de deux couples qui se rencontrent afin de régler un problème de bagarre entre leurs enfants respectifs. La situation va bien vite dégénérer. En 2009, je mettrai en scène Mister Beats, l'un de mes textes.

Qu'est-ce qui vous ferait plaisir ?

Jouer davantage derrière une caméra. J'ai également une passion pour la tragicomédie car c'est le moyen de ne pas s'apitoyer sur notre sort et, à la fois d'être pertinent. Shakespeare est l'un de mes auteurs favoris : ses textes sont riches de situations fortes, de respirations comiques et de moments d'émotions. C'est ce que j'essaie de viser dans mon travail d'écriture.

Que peut-on vous souhaiter ?

Être complètement libre par rapport à mon travail, que tous les employeurs me fassent des tas de propositions, que je n'aie plus qu'à choisir (Rires) et, que, parallèlement à tout ça, j'aie les moyens de créer !

Propos recueillis par France Pinson, le 22 mai 2008
Crédits photos Il Cortile : Pierre Bodson©

Retrouver Valérie Lemaître OÙ, QUAND, COMMENT ?

Zone Urbaine Théâtre – Rue Ransfort, 81 -1080 Bruxelles
du 5 au 27 juin à 20h 30 : Il Cortile (mise en scène)
Réservations : 0498 109 440 info@zoneurbainetheatre.be

Théâtre le Public – Rue Braemt, 64-70 -1210 Bruxelles
du 12 novembre au 10 janvier 2009 : Le Dieu du Carnage (comédienne)

et déjà pour la saison 2009-2010 - septembre 2009 : création de Mister Bates (auteure)
.

[1] cortile en italien

[2] Résumé : Peter DE WIT, la cinquantaine, se réveille au beau milieu de la nuit et constate avec effroi qu'il est dans la chambre froide d'une morgue.
Comment en est-il arrivé là ? Il ne s'en souvient pas, ne veut pas s'en souvenir…
Sous l'identité d'un cadavre dont il a dérobé le portefeuille, Peter décide de prendre un nouveau départ, de s'inventer une nouvelle vie.
Sa silhouette de businessman mature erre dans les quartiers de la ville, glissant avec plus ou moins de brio dans la peau d'un personnage qu'il improvise au gré des situations ; Lars Erickson, un énigmatique homme d'affaires suédois de passage à Bruxelles.
Un soir, il tombe sur Lucie, une jeune artiste névrosée qui semble avoir perdu la mémoire.
Presque sans y penser, par un effet de vases communicants, la mythomanie de l'un comble l'amnésie de l'autre et Peter s'offre une place de choix dans la vie de la jeune femme…

Carmela Locantore

Nadine Pochez — 2008-05-20T14:45:06Z

Carmela Locantore a une passion - le théâtre - et un projet personnel - UNE PASSION - qu'elle jouera à La Clarencière et au Off d'Avignon. Comme l'Héloïse d'Abélard qu'elle incarnera, elle se penche sur son passé.

Pourrais-tu te présenter ?

Je m'appelle Carmela Locantore ☺ et je pratique le métier d'actrice depuis que j'ai 14 ans… ça fait un bout de temps !

Comment ça a commencé ? Tu es venue d'Italie à quel âge ???

Je suis née en Belgique au beau pays de Charleroi. Dans ma famille, la langue maternelle était un de ces nombreux dialectes des Pouilles, la sonorité de la langue change de 10 km en 10 km. Avec mes frères et sœurs, nous nous exprimions en français. Nous écoutions chaque jour la radio. Et j'ai dû considérer à l'époque que la juste connaissance de la langue française était un atout d'intégration, un accès à l'extérieur, une espèce de conquête du pays d'accueil. Je me souviens encore du jour où, pour la première fois, j'ai appris une poésie à l'école. Je devais avoir 6 ans. Immédiatement je me suis sentie en confiance avec le monde, ça m'a massé l'âme et consolée de me sentir toujours si différente des autres filles. Le dimanche, j'allais à l'église, j'aimais bien ça. J'y allais seule, sans qu'on m'y oblige. C'était encore le temps de la messe en latin. Je connaissais tout son déroulement et répétais les mots avant le curé, mais quand il lisait les évangiles en français, j'estimais qu'il ne les faisait pas comprendre, qu'il ennuyait plutôt. Dès que j'ai appris à lire, et que j'ai su lire, je trouvais que je lisais mieux que lui !!! Je suppose que c'est de cette prétention à envier sa place de prêcheur qu'est née ma vocation d'actrice. Mais peut-être qu'elle viendrait aussi des après-midi que je passais avec ma mère et ses amies émigrées italiennes dont certaines habitaient carrément la même rue qu'elle dans son regretté village. C'est en les écoutant parler, se rappeler avec nostalgie leur cher sud que j'ai peaufiné ma connaissance des différents dialectes : napolitains, siciliens etc.. J'apprenais des chansons, je répétais leurs expressions d'adultes, elles riaient et applaudissaient. Peut-être se sentaient-elles tout à coup moins isolées, moins étrangères dans ce sombre pays de terrils à Marcinelle, puisqu'une enfant était capable de les comprendre, de les divertir et de parler comme elles : j'étais déjà le clown de service ! Ma mère, elle, orgueilleuse et fière, fâchée d'être là, n'a jamais voulu apprendre le français, elle ne s'exprimait même pas en italien. C'était sa manière à elle de faire sa révolte contre l'immigration.

Actrice depuis tes 14 ans ?

Un jour, à l'école, au réfectoire, à midi, une fille a récité un très beau poème : Sous le pont Mirabeau coule la Seine et mes amours… et je lui ai demandé où elle avait appris cela – Ah, mais je vais au Conservatoire, bla, bla, bla.. ! Comme si ça n'appartenait qu'à elle – J'ai bien écouté, pris tous les renseignements, et en septembre, – j'avais 13 ans – j'ai dit à maman que j'aimerais bien aller au Conservatoire les mercredis et samedis après-midi. Bah, si tu fais la poussière et que tu nettoies partout, tu peux faire tout ce que tu veux, même te pendre ! C'est ainsi que j'ai été au Conservatoire de Charleroi. J'avais des travaux à faire à la maison et tous les jours j'étudiais une poésie et en même temps je prenais des cours de littérature.
Et puis, quand je montais sur le plateau, mon professeur, Yvonne Garden disait : Mon Dieu, quelle présence… mais quel tempérament ! (rires) et moi je ne savais pas du tout ce que ça voulait dire : ON me regardait et ON trouvait des choses à dire… À la maison, j'étais la 5ème des six enfants un point c'est tout, mais là, tout d'un coup, j'étais quelqu'un qui avait « de la présence… et du tempérament !!! » (rires). Bien après j'ai compris qu'au théâtre, avoir de la présence et du tempérament …

… c'était un atout !

Oui c'était un atout, bien que ça me semblait être quelque chose de naturel que tout le monde avait à sa façon. Alors, quand j'étudiais Hermione, dans sa rage, je reconnaissais ma rage d'adolescente…Ainsi, la poésie et le théâtre devenaient vivants parce que je pouvais exprimer des choses qui étaient profondes, secrètes, enfouies en moi ! C'était une espèce d'exorcisme et en plus c'était beau. Alors dès 14 ans, j'ai vraiment décidé que je ferais du théâtre. J'avais été étonnée d'apprendre qu'on pouvait en vivre que c'était un métier. Souvent le soir en compagnie de mon père, on regardait la télévision et je voyais Jacqueline Maillan, Sophie Desmarets, dans les pièces de boulevard que proposait l'ORTF… Robert Hirsch et le Poulain, les acteurs de la comédie Française qui jouaient Tartuffe, j'en raffolais ! Mais surtout Louis Jouvet me fascinait. Alors quand j'ai su que je pouvais si je le désirais vraiment en faire ma profession, mon sang n'a fait qu'un tour et j'ai choisi ce chemin. Yvonne Garden m'avait dit : “Tu fais tout ce que tu veux Carmela si tu veux faire ce métier, mais tu ne travailles jamais en amateur et à 18 ans tu t'inscris au Conservatoire à Bruxelles… … Ensuite, tu ranges ton costume dès que tu as fini de jouer, en respectant ton costume, tu te respectes et tu respectes l'habilleuse et tous les gens autour de toi et tu te démaquilles tous les soirs après la représentation…” . Et ses conseils et recommandations sont restés ancrés en moi : mon costume c'est toujours ma maison.

À 18 ans, je me suis inscrite au Conservatoire à Bruxelles, chez André Debaar en Art Dramatique et chez Suzanne Philip en déclamation. Leurs chargés de cours étaient de magnifiques acteurs en activité : Frédéric Latin, Jules-Henri Marchant, Bobette Jouret, Anne Carpriau
, Eric Pradier … que les élèves que nous étions, pouvaient applaudir le soir au théâtre, l'entrée était gratuite pour nous. Extraordinaire ! Et après nous prenions un verre avec eux. Par leur fréquentation, nous accédions rapidement au statut d'acteur. Il faut dire qu'à l'époque, nous avions la chance d'être engagés avec un contrat, donc professionnellement par des directeurs de théâtre tels que ; Claude Etienne, du Rideau de Bruxelles, Jacques Huisman, du Théâtre National de Belgique, Claude Volter, de la compagnie qui porte son nom… Nos partenaires étaient des comédiens chevronnés qui nous traitaient d'égal à égal. Ne faisions-nous pas tous partie de la même famille, la grande famille du Théâtre ?

Et après le Conservatoire de Bruxelles ?

Comme nous avions déjà joué de petits rôles, pour certains et de grands pour d'autres, dans les grands théâtres de la capitale, le reste coulait de source, il suffisait d'avoir un numéro de téléphone et je ne dis pas que les contrats pleuvaient, mais on nous appelait pour jouer et participer à des créations.
On était mêlé, en tant que jeunes, à des gens qui pratiquaient le métier depuis 10, 20, 30, 40, 50 ans même, et l'on devenait amis avec ces gens qui nous donnaient des conseils, comme Madame Falk par exemple. Nous les jeunes, nous étions très affamés de cela.

Suzy Falk qui dit que tu es sa fille spirituelle…

Oui, c'est tout à fait vrai. J'avais 18 ans quand j'ai rencontré Suzy à Charleroi au Théâtre de l'Ancre. J'avais été engagée pour jouer dans Homme pour Homme de Bertold Brecht. Il n'y a qu'une femme dans cette pièce, et Suzy en était la protagoniste, mais le metteur en scène, Jo Van Ossel avait ajouté 2 rôles féminins… il trouvait que ça faisait mieux 2 filles en plus dans un bordel ! Suzy était magnifique en veuve maquerelle ! La première fois que je l'ai vue dans la salle de répétition, j'ai été surprise de voir une femme qui s'exprimait haut et fort devant une assemblée d'hommes complètement médusés qui l'écoutaient bouche bée, buvant ses paroles, n'osant pas l'interrompre. Et je me disais Je la connais. Pendant un mois, j'ai cherché Qui est-ce, mais qui est-ce ? et un jour, je me suis souvenue ! Elle jouait dans un feuilleton télévisé « Les Compagnons de la Nuit » et chaque fois qu'elle apparaissait mon père disait : Ah voilà la femme à la pipe ! Il adorait ce personnage qu'elle interprétait, nous étions deux. Son physique m'était donc familier, je l'avais connue avant de la rencontrer. Et c'est ainsi que depuis nous sommes liées par une longue amitié.
À cette époque, on avait cette chance de pouvoir rencontrer des artistes, des adultes qu'on admirait grâce à une certaine politique d'engagement qui sévissait alors. Ainsi, Philippe Volter, un ami malheureusement disparu aujourd'hui, m'a permis de rencontrer Jacqueline Bir d'une façon tout à fait incongrue, il m'a dit : Carmela est-ce que tu veux bien aider ma mère. Elle joue au théâtre du Parc Requiem pour une Nonne de Faulkner, elle a besoin d'une répétitrice pour La Voix Humaine de Jean Cocteau qu'elle prépare pour la radio. Tu devras être là pendant une semaine chaque soir à l'entracte. Et bien sûr tu seras payée pour cela. Et voilà que je me retrouve dans la loge d'une actrice qui se déshabille, se démaquille et se recouvre presque entièrement de fond de teint noir devant moi, (elle jouait une femme de couleur au troisième acte) tout en répétant son texte … C'était génial… Et 5 minutes avant la séance et 5 minutes après, elle prenait un peu de temps pour me parler très gentiment… j'étais aux anges ! À cette époque, tu rentrais de plain-pied comme ça dans la profession, très jeune. Je pense parfois aux jeunes d'aujourd'hui qui doivent avoir beaucoup plus de difficultés pour se faire engager dans des théâtres subventionnés.

Tu as eu beaucoup de chance de pouvoir travailler avec des metteurs en scène comme Claude Etienne…

Oui, aussi avec Jules-Henri Marchant, Jacques Huisman, Bernard de Coster et aussi Thierry Salmon, il était lui aussi élève au Conservatoire avant de devenir metteur en scène.

Oui, justement pour commémorer les 10 ans de sa mort, il y a très prochainement un événement aux Halles de Schaerbeek.l [1] C'est d'ailleurs là aussi que je t'ai vue dans cet extraordinaire spectacle Les Troyennes d'Euripide, qu'il avait mis en scène et qui était chanté en grec ancien sur une musique de Giovanna Marini. Raconte-nous cette aventure extraordinaire ; ça a fait combien de représentations ?

Je ne sais pas, mais en tout cas, c'est un travail qui a duré 2 ans. Nous sommes partis en février 1988 et la création du spectacle se faisait en plusieurs étapes : d'abord nous avons commencé à travailler à 8 personnes et plus une 9ème parce que pour Hécube - comme c'est un grand rôle - Salmon l'avait divisé en deux.
On est resté un mois à Gibellina en Sicile, dans ce village qui avait été détruit en 1968 par un tremblement de terre. Le maire de la ville avait alors décidé de faire de cette ville une œuvre d'art, aussi, chaque année on y donne des représentations… Donc on a répété un mois, puis en mars, on a été à Naples [2] et là on a fait la première partie de la création du spectacle à 9. Ensuite, nous sommes allées à Hambourg [3] où nous avons rejoint 9 comédiennes allemandes et nous avons créé un spectacle avec elles et les 9 comédiennes siciliennes du départ.

Et toi tu étais dans tous les spectacles ?

Oui parce que j'étais Hélène. Je faisais partie de ce qu'on appelle les protagonistes, mais les autres personnages qu'on croisait, les filles de Sicile, celles de Hambourg et ensuite les filles de France, c'était plutôt le chœur. Chaque personnage avait son propre petit chœur : il y avait 4-5 femmes attachées à la Reine, 4-5 attachées à Cassandre etc. et les personnages masculins avaient été changés en personnages féminins. Puis on l'a joué à la Chartreuse de Villeneuve-lès-Avignon et ensuite on s'est retrouvées en septembre 1988 à Gibellina pour créer le spectacle avec 32 femmes, c'est-à-dire avec celles de Sicile, de Hambourg et d'Avignon. Ensuite nous avons fait une tournée ; nous avons été à Milan pendant un mois. Pour Thierry, l'espace scénique était le premier acteur. Nous devions investir l'espace et chaque fois recréer un nouvel espace. On a joué aussi à Marseille sur l'île du Frioul [4], à Barcelone et évidemment à Bruxelles aux Halles de Schaerbeek en automne 1989. Malheureusement ça s'est terminé là, je ne sais pas pourquoi. Les producteurs sans doute, mais c'est bien dommage parce qu'on aurait pu faire une tournée internationale et récolter le fruit de notre travail.

Alors que j'étais à Villeneuve-lès-Avignon avec Les Troyennes, Claude Etienne m'a demandé de jouer dans La Maman et La Putain. Les droits venaient de se libérer, Jean Eustache était mort – et il m'a dit : Si tu ne le fais pas, je ne le fais pas ! Il n'avait pas encore le metteur en scène. Après il a demandé à Bernard de Coster de le monter et j'ai joué Veronika avec entre autres Bernard Cogniaux dans le rôle d'Alexandre. C'est un bon souvenir pour moi.

Il y a aussi d'autres metteurs en scène avec qui j'aime bien travailler, par exemple Richard Kalisz, avec qui j'ai fait Les Bonnes de Genet ou Sang de Lars Norén. Ou le Roumain Mihai Maniutiu, qui m'a mise en scène dans La Leçon de Ionesco au Théâtre de L'Ancre à Charleroi.
Une autre belle expérience a été mon tour de chant au Théâtre Le Public, il y a 3 ans. Il y avait 25 chansons et ça s'appelait Accords et Désaccords. Ce projet a vu le jour parce que Gérald Marti m'avait vue lors des « Midis du Rideau ». parce que quand nous étions au Conservatoire, nous avions la chance, d'avoir ce professeur – Claude Etienne – qui avait son propre théâtre et qui nous permettait de créer des spectacles sur l'heure de midi. Même comme élèves, on avait un salaire, on était déjà de vrais professionnels. J'avais alors 19 ans ! Je dansais, je chantais dans un spectacle musical et de poésie et Gérald m'avait dit : Toi un de ces jours, je te mettrai en scène dans un tour de chant ! Et euh… 29 ans plus tard (rires !) on a fait un tour de chant, suivi du Bel Indifférent – parce que de mon côté, je rêvais de faire quelque chose avec ça, d'utiliser en quelque sorte la trame du Bel Indifférent pour ce spectacle. Gérald m'a dit : Qu'à cela ne tienne, tu vas faire ton tour de chant et après tu joueras Le Bel Indifférent.

Alors chaque soir, je chantais mes chansons, accompagnée par mon ami Renaud Grémillon et puis je me retrouve dans ma chambre d'hôtel. Le public comprend que c'est l'accordéoniste qui joue mon amant, lequel, bien évidemment ne m'adresse pas la parole alors que je me traîne à ses pieds après lui avoir fait, je ne sais pas quelle scène. C'était une pièce que Jean Cocteau avait écrite pour Edith Piaf et Paul Meurisse

Qu'est-ce qui est important pour toi ?

Des gens comme Jacques Huisman ou Claude Etienne qui sont de la même famille que mon premier professeur Yvonne Garden quand j'avais 14 ans étaient des gens qui aimaient la langue française. Je t'ai dit que pour moi la langue française est une conquête d'une culture qui n'était pas la mienne. Or ces gens-là, tout comme Louis Jouvet, font partie de la tradition du théâtre, la tradition du beau dire, de l'articulation, et de la sincérité. En cela le théâtre sera toujours moderne. Dès qu'un acteur est sincère, il est toujours moderne. On ne se démode pas si on est sincère. Si on est sophistiqué, on se démode, mais si un acteur joue avec ce qu'il va chercher au fond de lui, qu'il arrive a être en harmonie avec cela… il sera toujours créateur de son personnage, il sera toujours fort. Et moi, j'aime bien travailler avec cette ligne de conduite-là. Donc j'ai eu beaucoup de chance de travailler avec ces gens-là, à une époque où l'on engageait des jeunes gens.

Tu as encore joué dans Sokott avec une pléiade de femmes mûres, mais ce n'est plus toujours évident de trouver assez de travail. Alors tu as mis sur pied un nouveau projet de seule en scène : Une Passion qui te permettra de te produire à la demande, mais qui surtout fait l'actualité aujourd'hui …

Un jour, au Botanique, il y a un type qui m'aborde et que je n'avais plus vu depuis longtemps et il me dit : Écoute Carmela, il faut absolument que je te fasse lire un texte, c'est un texte pour toi, il faut que tu en fasses quelque chose ! Et il m'apporte ce roman de Christiane Singer qui relate la vie d'Abélard et d'Héloïse racontée du point de vue d'Héloïse, mais surtout du point de vue de Madame Christiane Singer, qui a des vues bien précises sur le monde, la nature, l'amour et la spiritualité. Cette femme a une vision tellement amoureuse des gens et du monde, que lorsque j'ai lu ce texte, j'ai eu un choc émotionnel et je me suis dit qu'il me fallait faire partager cette émotion. Pour cela, il n'y avait qu'une seule solution : me mettre au travail et faire l'adaptation théâtrale de ce roman : Une Passion. J'ai appelé ça : monologue pour voix... À 60 ans, Héloïse, une érudite du XIIe siècle, se penche sur son passé. Elle va retracer les éléments de sa vie, mais elle va d'abord se présenter telle qu'elle est, en se souvenant de la petite fille qu'elle était, pleine d'amour pour tout, pour la nature, pour sa nounou, et puis en se souvenant de la toute jeune fille qui tombe éperdument amoureuse d'Abélard et de tout ce drame qui s'en suivit et que l'on connaît surtout par la Ballade des Dames du Temps Jadis de Villon, immortalisée par Georges Brassens.

Ça t'a pris combien de temps ?

La première partie m'a pris 3 mois. En même temps que j'adaptais, j'étudiais et quand j'estimais qu'une phrase était de trop dans le rythme, je la supprimais, quand j'estimais qu'une page était de trop, je la supprimais. Au bout de ces premiers 3 mois, je devais voir si les gens pouvaient entendre cela, comprendre ce que j'avais voulu y mettre. Puis j'ai fait 6 mois de pause et j'ai repris et j'ai encore travaillé 3 mois. Donc en tout ça m'a pris 6 mois pour l'adapter et l'étudier. J'adaptais, j'étudiais, je supprimais tout ce qui était superflu ou qui embrouillait la situation parce que je voulais que le public comprenne et me suive. En même temps, comme Christiane Singer est cette philosophe que l'on connaît, j'avais envie qu'on retrouve de cette philosophie dans mon adaptation. Comment faire ? Comme elle parle à la première personne du singulier, il y a déjà le JE du monologue. Le roman commence par : Voilà soixante fois déjà que j'ai vu l'automne… Et comme je le dis dans ma note d'intention [5], c'est comme si on disait Il était une fois… Quand on dit : Il était une fois, tout le monde écoute en général, et Christiane Singer est une grande raconteuse. Alors je me suis amusée à garder son style tout en étant très respectueuse et fidèle à son écriture et à sa pensée. Parce que pour moi, en tant qu'interprète, ce que j'ai à raconter ne m'intéresse pas. Ce qui m'intéresse, c'est ce que quelqu'un d'autre a à raconter, son style : les points, les virgules, comment il les met, son souffle lorsqu'il écrit … il est dans une certaine tension… Et, en tant qu'actrice, c'est cette tension-là que je veux atteindre en respectant la ponctuation de l'auteur et alors, je me dédouble et je deviens quelqu'un d'autre, mais avec moi. Alors mon moi ne disparaît pas complètement, puisque – encore une fois on en revient à Hermione – Hermione était dans une telle rage qu'elle massait mon âme et me permettait d'accepter ma propre violence, avec d'autres mots, c'est Hermione, mais c'est Racine. Donc tu sublimes ce que tu as à l'intérieur de toi quand tu as de beaux textes, comme j'ai la chance de pouvoir le faire avec celui de Christiane Singer. Je n'ai fait qu'un couper-coller … et étudier. Mais j'ai fait selon mon propre goût. Il y a des phrases qui se reconnaissent de partout : Dieu n'a que nos mains pour faire sur terre tout ce qu'il y a à faire. Évidemment, cette phrase-là, tout le monde la choisirait. Et elle est dans le texte. Il y a des phrases que j'ai choisies parce qu'elles me touchent, d'autres qui sont presque des envolées shakespeariennes et que je n'ai pas besoin de déclamer parce qu'elles se déclament toutes seules. Je pense que si cette auteure avait encore vécu, on aurait dû lui demander d'écrire des pièces de théâtre ! Cela dit, elle a laissé beaucoup de romans et il y a peut-être moyen de faire le travail que j'ai fait. Elle a une telle verve, c'est tellement vivant ce qu'elle écrit.
Finalement, j'ai réduit les 128 pages du roman à 12 pages A4 pour faire un spectacle de 75 minutes. J'estime que c'est la bonne durée pour ne pas fatiguer un public à qui l'on demande d'être attentif, parce que le public est participant. L'autre jour, j'ai joué dans une chapelle et le public n'était pas plongé dans l'obscurité, alors, quand j'ai la chance de plonger mes yeux dans ceux d'un spectateur, je le fais. Je crois qu'il y avait 55 personnes, je les ai toutes vues… masque mis à part, c'est un peu comme la Commedia dell'Arte : tu regardes les gens du public, tu t'adresses à eux. C'est la disparition du 4ème mur. Il y a de la théâtralité et il y a aussi de la vie dans ce monologue puisque à travers Héloïse apparaissent dans son récit son oncle le tyrannique chanoine Philibert, sa douce nounou Louisette ou son amant Abélard. Autant de personnages que je peux interpréter avec leurs intonations respectives, mais sans les caricaturer pour autant.

J'ai eu la chance de voir une ébauche de ce spectacle que l'on va donner bientôt à la Clarencière [6] et que tu joueras ensuite pendant le festival off d'Avignon au Verbe Fou [7]. J'ai vu que tout ton décor tenait dans une petite valise. Cela doit te permettre beaucoup de souplesse pour le présenter un peu partout ?

C'est vrai. Après avoir été jouer une fois Une Passion en janvier dernier au Verbe Fou, j'ai fait le pari… un peu fou … de « m'offrir Avignon », puisque je vais aller au Off sur fonds propres…
Et il est vrai aussi que ce spectacle – tel que je l'ai conçu – me permet de le jouer en extérieur comme en intérieur : je l'ai joué dans des salons, dans des chapelles, des musées, l'après-midi, le soir, et je l'ai aussi joué en extérieur au Parc de Bruxelles l'été dernier.
En fait, je n'ai besoin que de mon costume et de quelques accessoires. Mon costume se transforme, et là où je vais, je me crée un décor avec ce qu'il y a sur place. Et, en fonction du lieu, on est soit dans l'intimité soit dans la déclamation, mais moi j'ai toujours envie de dépasser l'acte de déclamation parce qu'en plus de cela il y a de l'incarnation. Quand Héloïse parle d'elle qui a 14 ans, elle se revoit jeune fille, et si le spectateur voit l'Héloïse de 60 ans qui se revoit à 14 ans, je trouve que c'est gagné.

J'espère que tu vas gagner … (elle m'interrompt, enthousiaste)

...le cœur des Avignonnais ! Le Festival est du 10 juillet au 2 août et je joue à 10 heures du matin

Qu'on se le dise !

On espère que cela te donnera des opportunités pour vendre ce spectacle si attachant en Belgique, mais aussi chez nos voisins Français et Suisses. As-tu encore d'autres souhaits ?

Mon grand rêve serait de pouvoir jouer mon spectacle Une Passion sur la Grand Place de Bruxelles avec un micro HF. Tu imagines ? Elle chuchote parce que c'est une femme douce, c'est une abbesse … et il y a toute la Grand Place qui entend cette voix de femme qui dit : Voilà soixante fois déjà que j'ai vu l'automne… Assise seule à la table de ma cellule, je prends la plume......

Merci pour ces moments de bonheur que tu nous offres en incarnant Héloïse !

Propos recueillis par Nadine Pochez le 28 avril 2008.

Crédits photos : Logo : Nadine Pochez, Photos N/B : La Maman et la Putain de Jean Eustache au Rideau de Bruxelles, Daniel LOCUS-1989, 2 Photos : Accords Désaccords avec micro : Cassandre Sturbois

[1] Hommage à Thierry Salmon le 22 juin de 13 à 20 h aux Halles de Schaerbeek

[2] Teatri Uniti

[3] Festival der Frauen

[4] Festival des Isles

[5] Voir le dossier presse ci-annexé

[6] UNE PASSION – Monologue pour voix – à la Clarencière du 28 au 30 mai 2008

[7] UNE PASSION au Verbe Fou – Festival off d'Avignon du 10 juillet au 2 août 2008

Mélanie Zucconi et Hervé Piron

Nadine Pochez — 2008-05-05T10:05:26Z

Pour vous parler de la prochaine production du Groupe TOC début mai au Marni : Les 24 Heures de Tina Pools à la Recherche de son Bonheur, j'ai rencontré Mélanie Zucconi et Hervé Piron.

Entrons dans les coulisses du Groupe TOC et découvrons leur nouveau spectacle : Les 24 Heures de Tina Pools à la Recherche de son Bonheur avec deux membres de ce collectif déjà mythique : Mélanie Zucconi et Hervé Piron.

Hervé Piron :
Après l'INSAS que j'ai terminé un an avant Mélanie en 2001, j'ai travaillé au National dans Froid de Lars Norén et dans Boxe de Jean-Marie Piemme, mis en scène par Virginie Thirion et j'ai fait aussi d'autres choses, mais sinon j'ai un spectacle qui me tient fort à cœur et que j'ai fait avec Eno Krojanker. Ça s'appelle Petit Déjeuner orageux un Soir de Carnaval et on va le présenter aux Doms cet été au Festival d'Avignon. C'est très personnel parce que c'est un spectacle que nous avons écrit ensemble, joué et mis en scène nous-mêmes.

À quelle heure ?

H : 23 heures

C'est une bonne heure. A-t-on aussi la possibilité de le voir à Bruxelles ?

H : Oui, par exemple le samedi 7 juin au Centre Culturel d'Anderlecht

M : Ils l'ont joué à l'L en février dernier et c'est super !

Mélanie Zucconi :
Je viens de France à la base. Je me suis inscrite à l'INSAS et j'en suis sortie en 2002 et puis je suis restée en Belgique parce que j'aimais bien. J'ai un peu travaillé en France, mais je n'ai pas travaillé avec beaucoup de metteurs en scène en Belgique : une fois avec Armel Roussel. Et en dehors du Collectif TOC auquel je collabore pas mal, j'ai un projet qui court avec la Clinic Orgasm Society. Ce projet est une création collective qui sera présentée en mars 2009 au Festival Via à Mons. La Clinic a fait un dossier, on a des pistes et maintenant on doit répéter… Je ne peux pas vous en dire beaucoup plus.

Vous avez donc chacun des activités en dehors des projets du Groupe TOC et, à l'inverse, je vois que vous faites parfois appel à des comédiens qui n'en font pas partie. C'est aujourd'hui le cas pour vos amis de la Clinic : Ludovic Barth et Mathylde Demarez puisqu'ils font partie de la distribution [1] du nouveau spectacle de votre collectif : Les 24 Heures de Tina Pools à la Recherche de son Bonheur. Leur participation me fait supposer que la musique y aura sa place…

Pouvez-vous nous parler de ce spectacle ?

M : On avait déjà présenté au public une première partie de ce spectacle, dans le cadre de la 5ème édition des Giboulées, au Théâtre de l'L en mars 2006.

H : C'était en quelque sorte une ébauche. On l'avait répété 15 jours et on l'a joué 5 fois.

M : Ça a bien marché donc on s'est dit qu'on allait le monter. En janvier 2008, on a fait une autre étape de travail au Prato à Lille et maintenant on travaille depuis un mois pour finaliser ce projet qui sera créé et joué 6 fois à Bruxelles au Théâtre Marni les 8,9,10 et 15,16,17 mai. Comme ce spectacle est co-produit par le Festival Émulation du Théâtre de la Place à Liège, et par le Théâtre de l'Ancre à Charleroi, il est déjà programmé à Liège du 16 au 25 octobre et à Charleroi du 4 au 15 novembre 2008.

Qu'est-ce que ça raconte ?

H : L'histoire – c'est toujours la même chose avec les textes de Marie (Henry) – ce n'est pas le centre de son écriture, mais il y a une histoire aussi, même si la forme est importante dans sa façon d'écrire. Et là, on va dire que c'est une fille – Tina Pools – dont on ne connaît pas l'âge, mais en tout cas, on sait qu'elle travaille dans une banque, qu'elle ne va pas bien et qu'elle va essayer d'aller mieux…

M : Elle va essayer d'aller mieux et elle a une collègue qui a un livre. Un de ces livres comme on en vend, qui peuvent vous amener au bonheur en un an si vous en suivez les conseils jour après jour. Il y a une phrase par jour ou une bonne action par jour. Donc Tina Pools achète le livre, se met à le lire, mais elle décide de tout faire en 24 heures car elle veut être heureuse maintenant et pas dans un an ! Et c'est le début du marathon des bonnes actions, trouver un mec, se faire belle, devenir plus féminine…

H : se réconcilier avec sa famille…

M : Elle fait donc tout trop vite et ça finit assez mal. Donc c'est un peu une métaphore de la société d'aujourd'hui : cette recherche permanente de bonheur, de bien être, manger bio, d'être parfaite, d'être une vraie femme, d'être mince...

H : d'être en harmonie…

Qu'est ce que vous diriez pour inciter les gens à venir vous voir ?

M : Je trouve que, dans ce spectacle, on a exploré vraiment quelque chose de très particulier au niveau de la mise en place des codes du théâtre, de la manière dont on se sert du son, de la lumière et du décor parce que tout cela vit avec les acteurs. Et les acteurs sont à la fois acteurs et techniciens, donc tout est fait à vue : les lumières, la musique en live et aussi le décor… un décor qui participe à la compréhension car il change tout le temps. Au niveau de la construction du spectacle, je ne sais pas comment dire …

H : On disait l'autre jour, un peu en rigolant, c'est un “son & lumières” !

Vous avez eu un tel succès avec Moi Michèle Mercier, 52 ans morte qui a d'ailleurs été présentée aux Doms l'été dernier, qu'il y a beaucoup de gens qui attendent de pouvoir voir Tina Pools. Y a-t-il des différences flagrantes entre ces 2 spectacles ?

M : C'est pas du tout le même univers car ce n'est pas la même personne qui a mis en scène et c'est ça qui fait la richesse du groupe toc, des univers différents qui s'enrichissent les uns les autres ; Anne (Thuot) et moi avons une esthétique différente je pense. Après il y a des choses qui se retrouvent parce que depuis le temps qu'on travaille sur l'écriture de Marie, on a une façon de dire ses textes, de les travailler de les prendre en charge… ça je pense que ça se retrouve dans nos spectacles ; c'est surtout l'univers sonore et visuel qui est différent.

Et ça c'est ton travail ?

M : Oui mais on l'a construit ensemble avec Raphaël Noël qui fait les lumières, Ludovic Barth qui fait le son. Moi j'ai apporté l'idée de base et les directions de mise en scène et ils ont travaillé dessus et puis les acteurs apportent leurs propres propositions sur le plateau, c'est un travail qui s'est fait ensemble petit à petit.

Est-ce que Marie, qui fait partie intégrante de votre collectif joue aussi ?

M : Non. Peut-être qu'elle jouera un jour, mais jusqu'ici non

Pour ce que j'en sais, l'écriture de Marie est assez particulière…

M : D'abord on regarde le texte sur la page. On voit que là il y a un bloc et puis là il y a un trou, puis là un autre bloc avec presque pas de ponctuation, puis un autre trou. Donc ça, ça va déjà vachement déterminer le rythme. Après il y a la ponctuation qu'on respecte. Quand quelque chose est entre parenthèses, on se demande : On le dit ou on le fait ? Quand c'est en italiques, on se dit, il faut traiter l'italique. Donc pour tel ou tel spectacle, on se dit qu'on va choisir tel code pour les italiques : par exemple on va le crier et alors, toutes les italiques de tout le texte vont être criées. Et dans la 2ème partie de Tina Pools, il n'y a pas beaucoup de points, mais il y en a quelques-uns, et l'on s'est dit : eh bien, à chaque point on fait 3 secondes de silence. Ce sont des codes qui sont complètement arbitraires, mais qui mettent en avant, qui soulignent la structure du texte et sa rythmique.

H : Elle est très sensible à la musique du texte. C'est-à-dire que, parfois elle participe aux répétitions – en tout cas dans les phases d'élaboration – et elle reconsidère son texte comme étant une partition musicale. Il y a le rythme et aussi la musique que cela donne.

Elle fait des changements ?

H : Oui, tout à fait. Cela lui arrive. En cours de route, il y a des choses qui peuvent varier, mais en général ce ne sont que des détails : des points, des mots qu'elle enlève… et parfois on se demande même pourquoi tel ou tel mot doit être enlevé ? Mais pour elle, cela a de l'importance du point de vue rythmique et musical.

Oui forcément avec ces 24 heures qui passent…

H : Oui et au fur et à mesure, il y a un rythme très saccadé qui s'accélère de plus en plus surtout dans les dernières minutes des 24 heures dont on parle…

Comme le Boléro de Ravel ?

H : Oui, il y a un truc comme cela, ça tournoie …

M : En fait, c'est le rythme de l'écriture qui mène à la sensation. C'est une écriture physique. C'est vraiment organique. Et quand on est acteur, et qu'on dit des trucs comme ça, il n'y a pas besoin de faire grand chose parce que, au bout d'un moment, le texte amène le corps à jouer ce qu'il doit jouer. Y a pas à s'inventer de psychologie de personnage, de logique interne.

Comment définiriez-vous le Groupe TOC et comment ce groupe conçoit-il ses propres spectacles ?

M : Nous formons un groupe d'acteurs, metteurs en scènes, auteurs, éclairagistes travaillant dans une direction artistique commune. Notre collectif se réunit autour de projets visant à expérimenter de nouvelles façons d'aborder le spectacle vivant. Chaque projet du groupe, même s'il est porté et dirigé par une seule personne, se réalise de façon collective. L'éclairage, le jeu des acteurs, l'écriture, ne sont pas dictés par la mise en scène, chacun assume le rôle qu'il s'est choisi au départ du projet en injectant dans le spectacle son propre point de vue à travers une créativité personnelle et autonome. Nous travaillons à partir de la matière concrète du plateau (texte, sons, corps, lumière) et explorons de nouvelles formes théâtrales par le biais de codes de jeux atypiques et singuliers. C'est de la forme que surgit le sens, non l'inverse, dans un rapport ludique, immédiat et intime avec les spectateurs.

J'ai vu que le Groupe TOC a encore d'autres projets en chantier : Come to me, comme tout le monde et La Caque sent toujours le Hareng.

M : Voilà, pour ces 2 spectacles, c'est pareil car ils ont été présentés à l'L, en mars 2006 en même temps que Tina Pools.
Come to me, comme tout le monde est mis en scène par Cali Kroonen – elle va remettre un dossier à la CAP – et normalement cela va être monté en 2009.
Et pour La Caque sent toujours le Hareng, mis en scène par Anne Thuot rien n'est encore décidé, mais c'est une grande pièce en chantier permanent. Elle n'est pas encore prête à être montée, mais elle le sera par la suite. C'est particulièrement expérimental. Je crois – car j'en ai entendu parler et que je ne suis pas dessus – que cette pièce est écrite aussi pendant les répétitions …

Vous allez reprendre Moi Michèle Mercier, 52 ans morte ?

M : Oui on a 3 dates à Charleroi dans le cadre du Festival bis_ARTS à Charleroi du 30 octobre au 1er novembre 2008.

Et Mon Bras (mobile) ?

M : On va voir s'il y a un moyen de le tourner, mais ce ne sera pas à Bruxelles, je pense.

Une dernière question : Avec-vous un T.O.C. [2] ?

H : Oui j'ai un T.O.C. : je me frotte le nez , je ne sais pas à quelle occasion, mais c'est souvent quand je suis embêté. Et puis, je fais aussi des fois semblant de mâcher du chewing gum en société pour me donner une contenance quand je ne sais pas quoi faire d'autre.

M : Moi, je compte les pavés sur les trottoirs quand je marche et les marches d'escalier quand je monte pour que ça passe plus vite.

Merci. Il ne me reste plus qu'à vous souhaiter de trouver le bonheur avec Tina Pools en plus de 24 heures ☺ – une saison ou deux peut-être ? – et aussi avec vos projets plus personnels.

Propos recueillis par Nadine Pochez le 28 avril 2008.
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Crédits photo : Logo : Nadine Pochez - Visuel/Affiche : Ria Paquée - Spectacle : Anne Thuot.
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Pour plus d'infos sur le spectacle Tina Pools je suggère à nos lecteurs de télécharger et de consulter le dossier ad hoc en cliquant sur l'icône ci-après

[1] Ludovic Barth (jeu/musique), Benjamin Dandoy (son), Mathylde Demarez (jeu), Marie Henry (texte/regard), Cédric Lenoir (accessoires/regard), Raphaël Noël (jeu/lumière), Thomas Noël (décor), Hervé Piron (jeu), Anne Thuot (photo) et Mélanie Zucconi (mise en scène/jeu)

[2] Trouble Obsessionnel Compulsif

Erika Sainte

Nadine Pochez — 2008-04-23T10:01:27Z

On peut la voir dans État Critique au Théâtre Royal des Galeries, ou alors bientôt dans une série TV sur internet : 39 Passage des Anges ... et déjà le teaser sur
http://www.lavraietelevision.com

Erika joue actuellement dans État Critique de Michel Lengliney au Théâtre Royal des Galeries, mais on peut déjà la découvrir dans le teaser d'une série de 13 épisodes de 45 min diffusée sur lavraietelevision.com : Elle est Celia Keel dans 39 Passage des Anges

Tu travailles aujourd'hui avec Adrian Brine, un metteur en scène anglo-saxon. Que penses-tu de votre collaboration ?

C'est le seul metteur en scène anglais avec lequel j'ai travaillé, je ne sais donc pas si ses qualités sont propres à sa personne ou à ses origines mais il est très fin dans sa mise en scène, hyper attentif aux comédiens. Il ne fait pas les choses en gros, il préfère fignoler son travail… C'est très agréable de travailler avec lui !

Quel rôle tiens-tu dans État Critique ?

J'interprète le rôle de la bonne de la famille Hugo. Elle est complètement irrévérencieuse mais la femme de Victor Hugo ne peut pas s'en séparer car elle amuse beaucoup son mari qui, disons, apprécie sa compagnie !

Tu as joué deux fois sous la direction de Lara Hubinont , deux fois sous celle de Jules-Henri Marchant, deux fois avec Elvire Brison et c'est maintenant la seconde fois que tu joues avec Adrian Brine… Ça te plaît de retrouver des metteurs en scène que tu connais ?

Oui, beaucoup ! C'est tout d'abord très rassurant car on se dit que les gens ont apprécié la première collaboration ! Et puis il y a une certaine facilité à retrouver quelqu'un avec qui on a déjà joué, les rapports sont plus simples sans pour autant perdre de leur richesse…Le fait que l'on se connaît nous permet surtout d'aller plus rapidement à l'essentiel.

Tu as fait tes études à l'IAD… C'était ta volonté première ? Ça t'a plu ?

Oui, je n'ai présenté que le concours d'entrée à l'IAD, je ne voulais pas aller ailleurs. Je m'étais renseignée et je trouvais que c'était l'école qui me
correspondait le plus. Je trouvais important de travailler l'aspect physique du métier, même si en tant que fille on me demande rarement de faire de l'escrime ou même de l'acrobatie… Et puis j'appréciais également le fait qu'on ait différents profs, et pas un professeur principal comme dans les Conservatoires. Comme on passait trois mois avec chaque prof, on devait très vite s'habituer à sa façon de travailler, et cette faculté d'adaptation m'a été très utile par la suite…

Avant l'IAD tu avais fait des humanités artistiques… Tu savais donc depuis toute petite que tu voulais devenir comédienne ?

J'ai fait du théâtre en cours parascolaires jusqu'à ma quatrième année en secondaire, année que j'ai ratée. J'ai préféré changer d'école et d'option et j'ai donc poursuivi mon cursus en humanités artistiques… Nous avions les mêmes cours généraux que les élèves « normaux », seules les options étaient remplacées par des cours de théâtre à l'Académie…

Tu as joué aussi bien au ZUT qu'au Théâtre du Parc … Quelles différences as-tu ressenties entre ces deux structures ?

Quand j'ai joué dans La Terre des Folles au ZUT, on a dû peindre les murs pour pouvoir ouvrir le théâtre ! Evidemment qu'au Théâtre du Parc on ne doit pas aspirer nous-mêmes les fauteuils pour que les abonnés puissent s'asseoir… Il y a donc un investissement et une ambiance différents, je me souviens qu'avec les gens qui bossaient au ZUT il y a trois ou quatre ans, on s'amusait beaucoup car on devait faire vivre ce lieu avec les moyens du bord ! Dans les grosses structures il y a moins de surprises, il ne faut pas comme au ZUT attirer le public, les enjeux sont différents ! C'est donc bien sûr plus émoustillant de bosser dans un théâtre comme le ZUT car il y a cette notion de danger qui fait que tout le monde est obligé de donner son maximum ! Dans les grandes structures, on a tendance à se sentir plus installé, on sait que les abonnés seront là l'année prochaine et on connaît leurs attentes… Après avoir bossé au ZUT, je me suis dit qu'il ne faudrait jamais que je perde de vue cette façon de jouer et de s'investir, qu'il fallait absolument éviter de considérer tout comme acquis…

Es-tu attirée par la mise en scène ?

Pas du tout ! Ça viendra peut-être plus tard mais pour l'instant j'ai envie d'être sur le plateau et de jouer les belles scènes, pas de les diriger ! J'adore jouer en fait ! (Rires)

Est-ce qu'il y a des rôles que tu endosserais avec un plaisir particulier ?

Il n'y a pas de rôles spécifiques que j'ai envie d'interpréter. Là je joue souvent les petites jeunes filles bien jolies et bien gentilles et c'est vrai que j'attends le moment où je pourrai jouer des « vraies » femmes ! Je dois sûrement pour cela attendre que mon corps change ou qu'une nouvelle génération de jeunes comédiennes arrive ! C'est selon moi davantage une question de travail avec certaines personnes plutôt que de rôles bien précis.
Evidemment que j'aimerais jouer des rôles plus consistants mais dans État Critique, j'interprète une petite bonne frivole et je m'amuse super bien ! Je n'ai juste pas envie d'être enfermée dans un rôle…

T'intéresses-tu au théâtre flamand ?

Pas assez du tout. La dernière pièce que j'ai jouée aux Martyrs - Mephisto Forever - a été écrite par un flamand [1] et c'était passionnant de voir les différences entre les deux adaptations [2] Je ne crois pas que je serais capable de jouer en néerlandais mais dans Vincent à Brixton [3], je partageais l'affiche avec un Hollandais qui ne parlait pas un mot de français mais qui jouait en français sans problème ! C'est un manque à combler dans ma carrière car je trouve que la scène flamande est très dynamique et ouverte, par exemple quand elle propose des pièces surtitrées en français….

Ressens-tu une angoisse par rapport aux saisons prochaines ?

Pour l'instant j'ai des contrats jusqu'en mars 2009, donc je n'angoisse pas trop. Et puis on ne peut pas choisir ce métier en niant cette réalité…Je savais très bien que j'aurais l'impression d'être la pire comédienne du monde quand on ne m'appellerait pas pour me proposer un rôle !

Est-ce que tu appelles parfois toi-même les metteurs en scène pour leur dire que tu aimerais travailler avec eux ?

C'est un truc que j'ai super du mal à faire ! Il y a des gens qui vont à toutes les soirées, à toutes les premières et qui n'hésitent pas à aborder les metteurs en scène. Moi j'en suis incapable ! J'ai dans mon agenda le nom de tous les metteurs en scène avec lesquels j'aimerais travailler mais je retarde chaque fois le moment de les contacter… Je trouve ça très dur de se vendre mais il faut le faire, c'est comme discuter ses contrats. C'est une partie du jeu que j'ai du mal à jouer, ça m'impressionne trop !

Tu as déjà un peu d'expérience au cinéma… Ça te plaît ?

Oui, j'adore ça ! C'est rare qu'on propose un rôle dans un long métrage à une jeune comédienne belge et inconnue mais si ça devait arriver je dirais oui sans hésiter ! Ce n'est pas du tout la même façon de travailler qu'au théâtre, mais je trouve ça super gai. Alors je passe quelques castings, mais je n'ai pas envie de m'expatrier à Paris et de prendre un agent pour absolument décrocher un rôle au cinéma…

Un petit mot au sujet de tes projets avec lavraietelevision.com ?

C'est un projet auquel nous tenons beaucoup. Tout est en place et on attend encore, comme toujours ... le nerf de la guerre. L'article paru en janvier dans La Libre explique cela très bien.

En conclusion, trouves-tu qu'il est dur de faire et de vivre du théâtre en Belgique ?

Il m'est difficile de répondre à cette question car pour l'instant j'ai eu beaucoup de chance… Je suis sortie de l'IAD avec deux contrats en poche et ça a continué comme ça… Mais il est évident que quand on voit la qualité des comédiens qui se présentent aux auditions, ça fait peur ! Il y a beaucoup de gens géniaux qui ne travaillent pas car il n'y a pas assez de place pour tous les talents… Je touche du bois car, même si je n'ai pas des dizaines de contrats par an ça va assez bien pour moi !

Interview : Solange De Mesmaeker – 21 avril 2008

Logo : Erika dans 39, Passage des Anges Image : Patrice Michaux

On pourra voir Erika Sainte dans État Critique au Théâtre Royal des Galeries du 29 avril au 18 mai et on la retrouvera avec plaisir du 6 novembre au 6 décembre aux Martyrs dans Les Revenants d'Ibsen.

[1] Tom Lanoye

[2] Alain van Crutgen

[3] mis en scène par A. Brine

Alain Lackner

Nadine Pochez — 2008-04-17T17:34:50Z

Carolo de l'année, Chevalier de l'Ordre de Léopold II, directeur du Vaudeville mais aussi comédien, metteur en scène, ouvreur… Il n'y a pas de sot métier dit-on. Alain Lackner coiffe toutes les casquettes et combine leur couleur pour faire vivre le théâtre du peuple à et de Charleroi.

Suite aux réactions reçues à la rédaction, l'équipe de comedien.be précise encore une fois que le texte des interviews n'engage la responsabilité que de la personne interviewée. C'est particulièrement vrai dans ce cas-ci.

Alain Lackner, vous êtes Chevalier de l'ordre de Léopold II.

Oui, d'ailleurs les comédiens du Vaudeville m'ont offert un cheval de bois qui va avec ☺ Oui, j'ai reçu cet honneur pour tout le travail fait pendant vingt ans au Vaudeville, enfin, à la direction du Vaudeville. Avant j'étais comédien. Je mets aussi en scène mais seulement depuis une dizaine d'années.

Vous avez aussi été élu « Carolo de l'année ».

Oui, c'est un concours organisé depuis trois quatre ans. J'ai été surpris d'être nominé mais je pense que c'est dû au problème que rencontre le Vaudeville cette année : il est exproprié. Donc on sensibilise tout le monde, autant le public que les médias. Je pense que la nomination est un coup de pouce par rapport à cela. Si j'ai été élu, c'est grâce aux spectateurs, c'est le peuple qui vote. C'est plus honorifique qu'autre chose ; j'ai remercié les spectateurs dans un communiqué de presse.

Vous êtes directeur, metteur en scène et comédien. Est-ce tout ? (Ironie)

Non, j'ai aussi fait les décors, je fais la trésorerie, je tiens les entrées…
Quand je suis entré au Vaudeville en 1987, c'était pour jouer dans Les Trois Mousquetaires, cette pièce était, en fait, un pastiche, et c'est là que j'ai fait la connaissance de Jean-Michel Thibault. Il s'est retrouvé ensuite en difficulté car ses décorateurs l'ont laissé tomber et c'est en tant que décorateur et comédien que j'ai commencé. Malheureusement le 6 décembre 1990 il est décédé. Alors la question qui se posait, était de savoir si on laissait mourir ce théâtre ou si on prenait son courage à deux mains pour le faire vivre. Comme c'est une passion chez moi, j'ai décidé de reprendre le théâtre, avec toutes les difficultés que ça comporte. Et vu la situation, je me suis retrouvé à faire beaucoup de choses : balayeur, décorateur, je m'occupais de l'administration et j'allais voir le ministre… C'est une très bonne formation et une bonne leçon de vie.

Le plus dur dans tout cela étant la gestion des comédiens. Dans le vaudeville en général, on construit une pièce autour d'un, deux voire trois comédiens qui sont très bons. Et on les retrouve dans d'autres pièces car il y a un attachement qui se fait entre eux et le public. Il m'est arrivé d'avoir des comédiens que j'ai beaucoup engagé et puis plus car j'ai laissé leur chance à d'autres plus jeunes et une certaine jalousie s'est installée. D'autres se prennent pour des vedettes et me disent que c'est grâce à eux que le théâtre à un certain succès. Je n'aime pas le vedettariat, il faut rester humble. Dans mon théâtre j'essaie de former une famille. Pour moi un premier rôle doit un jour accepter de dire : Madame est servie !

Par ailleurs, quand un vaudeville fonctionne, ça marche aussi au niveau financier. Donc on construit son programme en sachant que telle ou telle pièce va avoir beaucoup de succès et de bonnes retombées financières. Dans la même programmation, je peux ainsi monter autre chose de plus compliqué, de plus difficile, comme La Ménagerie de Verre de Tennessee William même si je sais que je vais rencontrer un public différent et que ça va être un four. Dans la région, il y a un public pour ce genre de pièce, un certain public est demandeur mais cela attire moins de monde qu'une comédie. Financièrement ça va être plus dur. Donc j'équilibre au maximum mon programme.

À partir du moment où vous avez repris le théâtre, vous n'avez pas tout de suite mis en scène. Pourquoi ?

Je ne m'en sentais pas capable. Je jouais, je me donnais des petits rôles en général. Il m'arrivait à l'entracte d'aller tenir le bar même quand je jouais.

Je me suis donné quelque rôle important comme Vol au-dessus d'un Nid de Coucou et certains rôles du répertoire de Molière mais c'était plus rare.

Donc vous avez mis en scène à partir de 1997. Quel a été le facteur déclencheur ?

Le fait accompli. J'avais demandé à quelqu'un de faire la mise en scène et ça ne fonctionnait pas ; je l'ai remercié et je me suis lancé. C'était un vaudeville j'avais peur mais j'avais l'expérience du vaudeville. Par contre après j'ai de suite monté Douze Hommes en Colère de Reginald Rose et cela a été ma première grande expérience.

Vous allez fêter les 25 ans du Vaudeville. Qu'allez-vous faire pour célébrer l'évènement ?

On va marquer le coup en reprenant la pièce Ladies Night [1] . Ça a été un évènement ! On avait même organisé des soirées rien que pour les femmes. Et jouer devant ce public féminin c'était très impressionnant..

Je n'organiserai rien d'autre parce que pour le moment je ne peux pas investir dans des spectacles qui coûtent trop cher vu que notre expropriation nous amènera à couvrir des frais dont on se serait bien passé. Je suis en contact avec le complexe des cinémas Marignan. Si ça fonctionne, cela engagera inévitablement des frais de déménagement et de transformation.
Si on déménage et qu'on se retrouve au Marignan, on fêtera d'autant mieux les 30 ans !

Il reste un « si » parce que le Vaudeville est en concurrence avec le cinéma Le Parc, cinéma d'art et d'essai. La ville s'oppose à mon projet et elle prétend y installer le cinéma Le Parc. Au départ je me disais qu'on pouvait s'installer ensemble, pourquoi ne pas avoir un endroit où se retrouve le cinéma et le théâtre mais je ne suis plus aussi convaincu.

Aujourd'hui soyons concret, il y a un manque de réalité par rapport à la culture à Charleroi. Tout le monde ou presque possède un grand écran et un lecteur DVD et les offres internet de vidéo à la demande sont de plus nombreuses, certains films comme Bienvenue chez les Ch'tis fonctionnent très bien et c'est tant mieux. Mais sinon le cinéma n'a plus autant de succès. D'autant plus qu'ici, ils (le cinéma Le Parc) veulent présenter des films en version originale dans une salle de 340 places. Mais qui ça va attirer ?

Alors qu'économiquement parlant, le théâtre du Vaudeville va attirer 4500 personnes par mois, les retombées économiques au niveau des restaurants et des boutiques vont être bien meilleures qu'avec le cinéma.

Si encore ils voulaient installer le cinéma dans une des deux petites salles dans lesquelles la capacité est de 120-150 places, alors d'accord et créons des évènements spéciaux dans ces salles-là.
Est-ce que la culture à Charleroi doit être faite uniquement pour une population extérieure ? Doit-elle aller à l'encontre du public carolorégien et du populaire ? L'avenir est au théâtre, j'y crois beaucoup

Le Vaudeville : en est-on venu au vaudeville par choix ou parce que le public n'était demandeur que de ça ?

C'est la question effectivement. Quand on porte un nom comme celui-là il faut assumer et les gens viennent ici pour se divertir.

Jean-Michel Thibault avait essayé de programmer autre chose et à sa suite, je le fais aussi. Sans prétention aucune, on essaie d'éduquer le public à autre chose.

J'ai programmé Jean Anouilh, des Molière… Petit à petit les gens y viennent. Ma programmation est donc faite pour leur plaire. Je programme par exemple Tout Bascule d'Olivier Lejeune dans laquelle il y a une bonne mécanique. Par ailleurs je programme la même année Petits Jeux sans Conséquence, pièce qui démarre sur le thème du mensonge ; cela va interpeller le public autrement. Je programme des comédies mais j'essaie chaque fois d'avoir quelque chose de différent.

Si , il y a 25 ans, Jean-Michel Thibault a appelé son théâtre « Le Vaudeville » c'est qu'il y avait une raison à la base…

Oui. Le problème à Charleroi ce sont les opérateurs culturels. Le Vaudeville est venu suite au Théâtre de l'Ancre qui a été fondé par Jacques Fumière, Didier Sustendael et Jean-Michel Thibault.

Au début du Théâtre de l'Ancre c'est Jean-Michel Thibault qui était programmateur et il y avait une association entre le théâtre et la Comédie Claude Volter. Claude Volter est venu jouer La Reine Morte, Long Voyage vers la Nuit, Pour Cent Briques t'as plus rien… À ce moment-là, le répertoire du Théâtre de l'Ancre était beaucoup plus diversifié. Il y a eu de l'engouement pour ce théâtre qui, à l'époque, n'avait pas de lieu propre. À partir du moment où le théâtre a obtenu sa subvention, son contrat-programme, un homme est sorti du lot : Jacques Fumière. Il en a été fini du théâtre de divertissement, il n'y a plus eu que du théâtre contemporain. Le trio n'existait plus non plus.

Ce n'était pas l'option de Jean-Michel Thibault. Il pouvait jouer des drames sans problème, mais sont but n'était pas là. Donc sur fonds propres il a créé le Vaudeville à Charleroi.

Sans vouloir jouer les martyrs, depuis lors moi je n'ai eu que des bâtons dans les roues. Si je dis à la fin d'une saison que j'ai fait 28 000 spectateurs, M. Fumière dit que ce n'est pas vrai ! Mais il n'a jamais mis les pieds dans ce théâtre, il n'est jamais revenu voir. On me dit qu'on fait du théâtre facile. Pour moi le théâtre de divertissement est quelque chose de très important. Je suis là d'abord pour distraire les gens et leur faire oublier leurs soucis. Et on peut faire passer des choses très sérieuses dans l'humour. C'est ma conception des choses et il n'est pas d'accord. Par rapport à mon travail, je n'ai jamais obtenu de reconnaissance. Il n'y a pas moyen d'obtenir un entretien au Ministère de la Culture pour s'expliquer clairement. Il existe une quantité invraisemblable de personnes qui croient que le théâtre contemporain est la meilleure des choses mais ces personnes oublient complètement l'avis du public.

Si Fumière estime que sa façon de penser est la meilleure, grand bien lui fasse. J'ai les mêmes problèmes avec le Palais des Beaux-Arts et avec Pierre Bolle. Je me rends compte que les grands opérateurs de Charleroi vont dans une certaine culture. Je ne dis pas que ça ne doit pas exister, qu'on ne doit pas offrir de théâtre contemporain mais dans le théâtre, c'est comme dans le système de l'enseignement et de l'éducation : tant qu'on n'a pas les bases, personne n'ira jamais voir du théâtre élitiste et contemporain. C'est ma façon de penser. Je pense donc que si Jean-Michel Thibault a choisi ce nom du Vaudeville c'est parce que lui voulait absolument offrir le divertissement, que ce soit un plaisir pour les comédiens mais aussi pour le public.

Comment voyez-vous le Théâtre de la Moutonnerie ? Est-ce un tremplin en attendant que le Vaudeville trouve une maison d'accueil ?

Il faut d'abord revenir sur un épisode extraordinaire de la ville… Il y a 5 ans, le propriétaire de l'espace Trianon — dans lequel se situe le Vaudeville — se retrouve avec des difficultés financières. Il possède aussi les cinémas Paradiso et Marignan et menace des les fermer s'il n'obtient pas une aide de la Ville transmise sous forme de détaxation communale sur les places de cinéma lorsqu'il organise des matinées pour les enfants, le troisième âge… Les commerçants craignent cette fermeture puisqu'ils perdraient des clients.

À ce moment, Monsieur Renard, échevin de la culture, et Monsieur Sonnet viennent me trouver car je voulais créer une école privée de théâtre avec une formation complète comme l'étude du corps, de la musique… Mais on a peur que cela se fasse ici à Charleroi, ils veulent la localiser à Mons, Liège ou Bruxelles mais pas à Charleroi. Je ne vois pas pourquoi car les gens sont demandeurs pour ça. Du coup je rentre un dossier et tout le monde finit par être d'accord, on veut bien m'installer au Paradiso et la Commune va me donner de l'argent pour que je la rétrocède sous forme de loyer. J'avais déjà dans l'idée de transformer les 4 salles : 3 salles de cours et 1 salle de spectacle complémentaire. Celle-ci aurait permis de proposer des spectacles très différents par rapport à la programmation du Vaudeville tout en donnant leur chance à des jeunes troupes et en même temps un lieu dans lequel ils pourraient s'exprimer. Finalement, le propriétaire a dit non et a vendu. Donc mon projet est tombé à l'eau. Je suis retourné voir le Bourgemestre Jacques Van Gompel …. Il m'a donné raison quant à mon projet et m'a alloué pour 4 ans une subvention pour mon école. Le bâtiment de la Moutonnerie étant libre à ce moment-là, je l'ai donc loué en me disant que je donnerais mes cours là-bas et que des jeunes troupes y feraient des spectacles. J'ai lancé le projet cette année-ci et même si les conditions de location me font perdre de l'argent, mon but est de le faire connaître et de permettre à des jeunes de créer des spectacles.

Que pensez-vous de la programmation du Théâtre de l'Ancre ?

Il existe des pièces bien plus nécessaires à la vie. Est-il absolument nécessaire de mettre sur scène quelqu'un qui, pendant 2 heures va raconter qu'elle a assassiné ses enfants pour un motif qui lui propre et qui implique les difficultés de la vie… Je n'en suis pas sûr. Pourquoi ne pas programmer des choses classiques comme Oscar Wilde. On peut le jouer de trente manières différentes mais au moins il y a du contenu là-dedans. Parfois on fait jouer des comédiens dans le plus simple appareil et ils se baladent d'un côté à l'autre de la scène, il y a quatre phrases sur toute la pièce. Mais qu'est-ce-que ça raconte, qu'est-ce-qu'ils viennent faire là. Toute leur programmation est contemporaine alors qu'isl pourraient proposer quelque chose de plus classique et en tout cas varier la programmation d'avantage. Je ne dis pas qu'il ne faut pas programmer des choses comme ça, cela doit bien sûr être vu, la question que je me pose c'est : Est-ce que ça va toucher les jeunes ? Est-ce que c'est ça qui va les faire venir au théâtre ?

Je constate de plus en plus que des professeurs de français font la démarche de venir chez nous le soir, pas en matinée scolaire, justement pour ne pas que les élèves se disent que ce sont deux heures durant lesquelles ils ne vont pas au cours. Le soir, en général, ils viennent par petits groupes, pas par classe entière. Ont-ils compris qu'il faut donner aux élèves quelque chose d'accessible afin qu'ils ne se disent pas que le théâtre c'est uniquement de la masturbation intellectuelle et que des choses se disent. J'ai rencontré énormément de difficulté quand les élèves sont venus voir Le Journal d'Anne Frank. Certains m'ont dit que c'était comme un bon film d'action. Alors si ces notions fondamentales ne sont pas acquises, comment vont-ils réagir devant des choses plus métaphysiques, plus pointues ? Quand Patrick Descamps était là, il avait commencé à donner une autre tournure. Il avait programmé une pièce de Jean-Marie Piemme, elle parlait du problème juif avec une tournure qui avait un sens et qui allait vers des choses très sensibles. Et quand il a voulu monter un polar qui était Garde à Vue qui pose des problèmes de relation de couple, Monsieur Fumière refuse et appelle ça le répertoire des Galas Karsenty.

Est-ce valorisant de dire qu'on ne s'adresse pas au public de Charleroi mais à un public extérieur comme le fait Monsieur Fumière ? Qu'est-ce qu'il entend par là ? Que les 4500 personnes qui viennent à mon spectacle sont des imbéciles parce qu'ils viennent voir des choses faciles ? Moi je ne pense pas ça du public de Charleroi et de mes spectateurs. S'ils viennent et reviennent, – certains en famille avec enfants et petits-enfants – c'est qu'il y a quand même quelque chose qui se passe.

Avez-vous entendu parler de l'expo « Mai'tallurgie » ? Elle est créée pour donner une dimension artistique aux quartiers difficiles et changer l'image négative que les gens en ont. Donc c'est pour que Charleroi se tourne vers Charleroi et qu'à l'extérieur, en Belgique on change d'opinion par rapport à ce qu'on sait ou ce qu'on croit connaître de la ville.

J'espère que ça va marcher, que l'impact sera fort et bon. En Belgique on a honte de dire que l'on vient de Charleroi. Et à l'extérieur du pays, aux Etats-Unis par exemple, tout ce qu'on en sait c'est l'histoire de Dutroux. Ils peuvent venir ici au théâtre pour en parler, je veux bien les aider à promouvoir leur exposition dans le théâtre, au sein mon public.

L'invitation est lancée...

En résumé…

Le public de Charleroi est chaleureux, il aime se divertir avec des vaudevilles de qualité, mais il faut toujours le convaincre, le séduire, et même si, a priori, il ne veut pas faire l'effort d'aller vers des choses dures, tristes, si il est ému par l'intrigue, l'interprétation, la scénographie ce sont ses spectacles-là qu'il gardera en mémoire.

Propos recueillis par Sophie Didier le 21 mars 2008.

Programmation au Vaudeville de Charleroi :
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• du 5 au 26 avril : Un Vrai Bonheur de Didier Caron
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• du 17 mai au 7 juin : Un Grand Cri d'Amour de Josiane Balasko.

[1] (Full Monty) une comédie de A. Mc Carten, S. Sinclair et J Collard.

Toni d'Antonio

Nadine Pochez — 2008-04-09T13:56:55Z

L'artiste doit être le témoin de son époque… Ça c'est bien vrai ! Du 10 avril au 17 mai on retrouvera Toni d'Antonio avec un immense plaisir au TTO dans Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ? En attendant, il parle aussi mafias Carolo, affaire Dutroux, écologie et politique… Oui oui rien qu'ça !!!

Qui est Toni d'Antonio ?

Je suis originaire d'Italie, plus particulièrement des Abruzzes, le village de John Fante que j'aime beaucoup (NDLR : l'auteur du célèbre et très bon “Demande à la poussière” !) J'ai grandi à Charleroi. Je suis arrivé au Conservatoire Royal de Bruxelles vierge du théâtre. Je n'avais pas été à l'Académie et l'unique spectacle que j'ai vu, à l'âge de 13 ans, était de Michel Leeb ! Michel de Warzée, qui était mon professeur, m'a avoué, à ma sortie, qu'il choisissait toujours d'accepter un élève qui n'avait rien à voir avec le théâtre. Et cette année-là, c'était moi !
Je me souviens que pendant mes études au Conservatoire, je travaillais comme barman au Théâtre National. Une majorité de jeunes camarades de classe sortaient à l'entracte en démolissant le spectacle. Les jeunes comédiens ont tendance à casser mais sans reconstruire pour autant. Ils sont des critiques très durs mais ont-ils les moyens de l'être ? Je crois que quand on débute il s'agit d'ouvrir grand les yeux et les oreilles sur ce microcosme qu'est le théâtre.
De fait, pendant quelque temps, je suis redevenu maçon parce que j'éprouvais le besoin de me déconnecter. L'été passé, je suis devenu magasinier uniquement pour décanter ce que j'avais appris et pour observer autre chose que les maladies ou les qualités du théâtre. Un comédien pourrait être sclérosé parce qu'il baigne sans arrêt dans son milieu - même si c'est un milieu extraordinaire- . Trop de patates tuent la patate ! Pour parler du monde, il faut pouvoir en sortir.

Du 10 avril au 17 mai, nous pourrons te retrouver au Théâtre de la Toison d'Or dans "Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ?" de Tom Stoppard. La mise en scène est assurée par Olivier Massart et Alexis Goslain. De quoi parle le spectacle et quel est ton rôle ?

C'est un très chouette texte anglo-saxon écrit en 1963 ; un genre d'Agatha Christie absurde. Nous le redécouvrons à chaque répétition. Il y a dans cette pièce un certain humour politique : Tom Stoppard avait une tendance gaucho. Il y a, notamment, deux critiques de journaux qui symbolisent leur époque. Je joue le Critique Numéro 1 qui est Gros Sabot ; un personnage condescendant.

Tu jouais tout dernièrement le rôle de “Toni” dans “Beautiful Thing” de Jonathan Harvey - mise en scène de Georges Lini - au Théâtre de Poche. Tes rôles sont souvent empreints d'humour, non ?

“Beautiful Thing” et “Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ?” sont deux pièces d'auteurs anglais, mais qui n'en demeurent pas moins fort différentes. Le sujet de “Beautiful Thing”, même si il est traité avec humour, n'a rien de léger. “Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ?” est un divertissement intelligent.

On me dit souvent que j'ai un capital-sympathie assez élevé. En général, c'est vrai que mes personnages sont assez grotesques, absurdes, décalés ou encore naïfs. Mon image doit inspirer cela.

Quels sont tes futurs projets ?

En juin, je serai avec Flore Vanhulst et Leslie Mannès au Théâtre de La Balsamine [1] dans un projet sur le thème d' “Alice au Pays des Merveilles”. Jasmina Douieb assurera la mise en scène. C'est un spectacle musical et corporel. Il n'y aura que 2 représentations, les 20 et 21 juin à 19:30. Après je pars en vacances et ensuite, pour la saisoin 2008-2009, je jouerai au Théâtre Royal des Galeries “L'Assassin habite au 21” [2] avec notamment Alexandre Von Sivers, Fabrizio Rongione, Freddy Sicx et d'autres très belles personnes.

Au début de la saison prochaine nous reprendrons également “Le Jeu de l'Amour et du Hasard” de Marivaux mis en scène par Dominique Serron dans laquelle je partageais le rôle d'Arlequin avec Fabrizio Rongione. Nous avons joué 150 fois cette pièce donc 75 fois chacun.

Je me souviens avoir beaucoup aimé ce spectacle…

Dominique Serron est une metteur en scène exigeant. Elle sait pertinemment ce qu'elle veut et ce qu'elle ne veut pas. Ce qu'elle fait, elle le fait très très bien, de tout son cœur et de tout son esprit. Donc, elle mériterait de recevoir d'avantage de subsides et d'avoir son propre théâtre. Mais le problème est qu'elle ne revendique pas de couleur politique, exactement comme Georges Lini. Je trouve que c'est aberrant parce que leurs travaux sont reconnus unanimement par la presse et le public. Tous deux n'ont que leur intégrité et leur passion. Une légende urbaine raconte que c'est un ange anonyme qui aurait permis au ZUT de ne pas mourir. Grâce à ce mécène, nous avons eu le bonheur de voir des pièces telles que “Incendies”.

Pourquoi, à ton avis, l'Art et la Politique sont-ils si intrinsèquement liés ?

Je ne m'occupe pas de tout ça car je ne suis pas metteur en scène mais comédien. Mais c'est évident qu'il est difficile de faire quelque chose sans argent. Et ce n'est pas en manifestant devant l'une ou l'autre administration qu'on va changer les choses. Peut-être faudrait-il monter des pièces qui en parlent plus ? J'aimerais adapter au théâtre “Le Pendule de Foucault” d'Umberto Ecco.

Tu as travaillé au Poche, au ZUT, à l'Infini Théâtre, au National, au Rideau, au Public… Selon ton expérience, que manque-t-il au Théâtre belge ?

À Bruxelles, le théâtre est très présent et diversifié ; ce qui me semble une bonne chose. J'aimerais que les directeurs de théâtre, voire même quelquefois des artistes, n'aient pas besoin d'appartenir à un cercle, une confrérie ni d'avoir une carte politique pour pratiquer un art si pur.
Le théâtre devrait également davantage traiter de sujets d'actualité qui nous concernent ; tels que l'affaire Dutroux ou encore les mafias de Charleroi. Cela me touche parce que, selon moi, l'opinion publique est manipulée sur certaines affaires.
Aujourd'hui on fait des guerres à coup de mensonges. Ça me rend fou tout ça ! Il faut être témoin de son époque. Il y a plus de quatre milliards de personnes qui vivent avec moins d'un dollar par jour, pendant que nous, nous gaspillons sans cesse.
Nos dirigeants ne parlent pas assez d'écologie. L'art doit s'en charger. Aujourd'hui, Coluche nous ferait un grand bien. Nous les artistes, grâce à notre fonction, pouvons avoir des propos plus fort que d'autres personnes.

Tu travailles également au Cinéma : “Pas si grave” de B. Rappe ou encore “La Révolte du porte-manteau” de V.Monnet. Ce dernier est tourné en Belgique. Est-ce un travail différent du théâtre ? Que penses-tu du cinéma belge ?

Je n'ai, au cinéma, que de petits rôles. En général, j'interprète des personnages drôles ou mafieux. Je pense que le cinéma est un luxe pour le comédien parce qu'il gagne beaucoup d'argent ; il est dans un confort absolu. Sur un tournage, tout le monde exauce ses moindres désirs. Je trouve également que le travail est beaucoup moins important qu'au théâtre. Il y a rarement des répétitions, alors qu'au théâtre, il faut travailler tous les jours. De même, au cinéma, le réalisateur fait confiance à quelque chose d'éphémère tandis qu'au théâtre, tout est calculé au millimètre !
Je pense que le cinéma belge a plus qu'il n'en faut pour faire du très très bon ! Nous avons d'excellents comédiens, réalisateurs,... Mais, tout comme au théâtre, le problème est identique : c'est l'argent ! Les productions vont davantage faire confiance aux comédiens français car ils sont plus susceptibles de faire vendre le film que les comédiens belges.

Aimerais-tu mettre en scène ?

Oui, mais je reporte ça après 40 ans ! À mon sens, la mise en scène nécessite de l'expérience et de la maturité. Je crois qu'il faut avoir observé beaucoup de choses !

Merci Toni, et à très bientôt au TTO.

Propos recueillis par France Pinson le 1er avril 2008

[1] Festival Danse Balsa Marni XII, du 4 au 21 juin 2008

[2] roman policier de Stanislas-André Steeman ; adaptation théâtrale de Fabrice Gardin

Sarah Flock et Damien Spleeters

Xavier Campion — 2008-03-31T17:14:07Z

Sarah Flock met en scène une pièce de Damien Spleeters avec un titre original : LA PIÈCE. Avec une brochette de 11 comédiens, ils y mettent tout leur cœur et leur jeune enthousiasme !

Sarah Flock met en scène une pièce de Damien Spleeters avec un titre original : LA PIÈCE.
Avec une brochette de 11 comédiens, ils y mettent tout leur cœur et leur jeune enthousiasme !

Bonjour, merci de me recevoir pour me parler de vous, de votre compagnie Les Enfants de Silène et de votre projet théâtral : La Pièce

D'où vient ce nom “Silène“ ?

Sarah : C'est un satyre, le père adoptif de Dionysos. Les Enfants de Silène sont donc les petits Dionysos.

Est-ce la première pièce que vous créez ?

Sarah : La première longue pièce, oui. Avant, il y avait eu des performances. Des performances poétiques plus courtes dans la forme, moins préparées, pas répétées et non interprétées par des comédiens. C'est davantage un vécu, on ne sait jamais où l'on va arriver.
L'envie, maintenant, c'est d'arriver à cela théâtralement. Arriver à faire une pièce de manière purement pratique qui ne se répète jamais, mais se crée à chaque fois.

N'est-ce pas le défi d'une pièce de théâtre ?

Sarah : oui, en effet. Notre défi est d'arriver à chaque fois à une sorte d'ébranlement dans notre propre expérience personnelle.

D'où est venu le thème de La Pièce ?

Damien : Je ne peux pas dire vraiment. C'est venu comme ça. J'ai écrit la pièce La Pièce en deux mois, il y a deux ans, deux ans et demi, pendant les vacances d'été.

J'ai été interpellée par la maturité de certaines scènes. Est-ce voulu ?

Damien : Ce n'est peut-être pas moi qui l'ai écrite…c'est peut-être un moi du futur…

Comment vous êtes-vous rencontrés pour la première fois ?

Damien : Nous sommes entrés en contact par personne interposée. Je cherchais des avis de personnes qui s'y connaissaient en théâtre. J'ai rencontré Sarah et elle a proposé de monter la pièce. Je n'avais jamais écrit pour le théâtre.

Sarah : Le texte a été retravaillé, surtout dans l'agencement des répliques. Quelques scènes ont été totalement réécrites. Il y a eu aussi un travail au niveau des personnages. Certaines répliques, devenues nécessaires pour définir d'autres personnages, ont été redistribuées pour donner plus de poids dramaturgique.

Comment êtes-vous arrivée à la mise en scène ?

Sarah : J'ai commencé des études de comédienne en voulant déjà faire de la mise en scène. L'envie m'est venue comme beaucoup de gens vers l'âge de quinze ans. J'ai eu un parcours très…euh, disons que ce n'était pas un parcours conventionnel : Virée de l'IAD après un an, je me suis inscrite à l'université en langues et littératures slaves. Parallèlement, j'ai suivi les modules proposés par l'espace catastroph', l'académie internationale d'Eté, dont celui de Boris Rabey. Après l'ULB, j'ai étudié les sciences théâtrales et le théâtre à Prague sous la direction d'I. Vyskočil. C'est là que j'ai réellement compris l'importance de la dramaturgie, notamment lors d'entretiens avec O Krejča sur lequel j'écris une thèse de doctorat.
Humainement, ce qui m'intéresse, c'est le plaisir de raconter une histoire, de la mettre en place. Ce qui me plaît le plus, c'est le langage. Depuis toujours. J'ai le plaisir de l'articulation du langage.

Quel est ton moteur dans ton parcours ?

Sarah : La rencontre. Me laisser emmener quelque part où je ne m'y attends pas, et emmener l'autre là où il ne s'y attend pas. La surprise. Le fait que ce soit toujours inattendu et le fait que la rencontre aura une influence sur mon travail. Le fait d'être ébranlés, de susciter une émotion chez l'autre et chez moi.

Votre démarche serait surtout intellectuelle ?

Sarah : Oui, c'est vrai, et empirique.
Damien : La démarche est proche d'une démarche d'expérimentation. On essaie des choses, on observe et, à la fin, on est toujours surpris du résultat.

Damien, comment es-tu devenu auteur ?

Damien : Je suis écrivain. J'ai écrit deux livres. J'écris de la poésie aussi. Mais je n'avais jamais écrit pour le théâtre. J'avais lu un seul livre, c'était : « TARTUFFE », donc j'ai regardé comment c'était écrit et j'ai appris petit à petit de nouveaux codes.

Et toi, par quoi es-tu animé dans ton travail ?

Damien : J'ai envie que les gens vivent. Je me bats contre la vie sans la vie. J'ai envie que les gens soient amoureux, qu'ils se réveillent, qu'ils soient amoureux, qu'ils se réveillent, qu'ils soient bouleversés, ébranlés, imprégnés, innervés, bousculés, changés.
Aller plus loin que soi-même, se dépasser. C'est cela que j'ai envie de donner aux gens.

Ouvrir leur conscience ?

Damien : Peut être, oui. Avoir conscience de soi en même temps. Comme la phrase de Rimbaud le disait : Je est un autre

De quoi parlent les livres que tu as écrits ?

Damien : C'est un peu une affaire de naissance. Une naissance à soi-même. Comment faire naître la lumière ?

L'univers très épuré des scènes, est-ce voulu ?

Sarah : Oui. C'est une pièce qui se passe tout le temps et partout, elle s'inscrit dans la réalité du lieu dans lequel elle se joue à un moment donné. Elle parle du théâtre, mais est polysémique, et parle aussi de la vie civile, politique, sociale. Un des choix dans la mise en scène a été de ne fermer aucune porte aux thèmes inhérents à La Pièce, en plaçant, il est vrai, l'accent sur le thème de la création libre et de sa poésie. Chaque spectateur fera sa propre lecture de La Pièce, en fonction des thèmes qui trouvent un écho en lui.

Comment avez- vous choisi la troupe qui vous entoure ?

Sarah : Avec Damien, c'était un hasard de la vie, on s'est rencontré et on a commencé à travailler ensemble. Pour les comédiens, on n'a pas procédé par audition, mais par rencontre.

Damien : On a juste passé des annonces, on a discuté avec chaque personne sur ce qu'ils pensaient du texte et par rapport à l'intérêt qu'ils portaient au projet.

Sarah : On voulait savoir s'ils avaient la même envie que nous d'être ébranlés. Si nos univers pouvaient aussi être le leur.

Les comédiens viennent de formations très différentes, c'est un choix ?

Sarah : Non, c'est le hasard qui les a réunis, ils viennent de l'IAD, de Lassaad, du conservatoire et de la Kleine Akademie…

Et toi Damien, tu deviens acteur dans ton projet ? À la base, tu n'es pas acteur, je crois…

Damien : Non, pas du tout. Mais c'est une expérience intéressante…

Sarah : Ce qui est très chouette, c'est de renouer avec un théâtre de vie et non un théâtre de jeu. Nous voulions une pièce qui serait un atelier où chacun participerait au même acte de création, où personne ne sait ce qu'il va se produire. On en revient donc à l'idée de “performance“.

Chacun est mis au même niveau, scénographe, acteur… ?

Sarah : Oui, tout à fait, chaque composante scénique est importante, mais pas nécessairement de manière synchronique. La scénographie, les comédiens, leur partition sonore, la pièce, la lumière, les costumes, la salle… C'est cette combinaison qui crée le spectacle.

Damien : On propose des choses et… si vous voulez une image, c'est comme un fleuve où arriverait une multitude de petits ruisseaux.
Au départ de la pièce, on était parti avec une idée précise de ce que l'on voulait et au fur et à mesure du travail, on a vu que d'autres choses étaient intéressantes, des choses qui ne venaient pas toujours de nous.

On pourrait dire que c'est un peu un travail de danseur ?

Damien : Oui, c'est une belle image.

Sarah : On ne voudrait pas faire du théâtre comme on ferait une tarte, dans un moule.

Est-ce un reflet de la société ?

Sarah : Oui. On pose des questions avec cette pièce. Mais sans jamais leur apporter de réponse. On n'est pas des détenteurs de vérité.

Travailler ensemble, c'est une première ?

Damien et Sarah : Oui, c'est un mariage magnifique. Nous sommes super heureux de ces rencontres, avec toute notre petite équipe. Il s'est passé de très belles choses entre nous, une émulation permanente, une ambiance parfaite de création.

Sarah : Mon rêve secret était de mettre des gens ensemble qui avaient la même idée, qui poursuivaient le même idéal.

Quelles sont les difficultés que vous avez rencontrées ?

Sarah : Des difficultés d'ordre techniques dirons-nous. Le problème était que les représentations arrivaient très tôt dans le processus de création. La prochaine fois, on prendra plus de temps pour faire germer la création.

Damien : Heureusement, on a réussi à transformer ces difficultés en quelque chose de porteur.

Quel est le public cible ?

Sarah : Pour tout public. On veut également aller dans les écoles, partager avec des adolescents, mais aussi dans les prisons, les homes…on veut sortir du théâtre.

Damien : Ce n'est pas facile car nous-mêmes, on se laisse enfermer dans des modes théâtraux.

Quelles ont été vos sources d'inspirations ?

Sarah : Il y en a tant que n'en citer que quelques-unes aurait un aspect réducteur qui fermerait la chose. Scéniquement, la première œuvre qui m'a interpellée quand j'étais petite, c'est : La Mégère Apprivoisée et un ballet de Béjart. Mais il y a tant d'autres choses aussi…

Si vous deviez résumer la pièce ?

Damien et Sarah : Il y a des choses auxquelles on ne pense pas à penser.

Vos noms sont-ils liés à présent ?

Sarah : On adore travailler ensemble. Maintenant, on verra si cela dure.

Avez-vous d'autres projets ?

Damien : ensemble non. De mon côté, je prépare un recueil de poésie, je suis dans un groupe de musique, je fais une performance …pas mal de choses…

Sarah : Je travaille sur une performance pour le théâtre de Charleville- Mézières.

Où sera présentée votre pièce ?

Damien : A la Dolce Vita à Bruxelles. Et sûrement dans différents centres culturels, on attend les confirmations.

Je voulais terminer en parlant des ambiances sonores, pouvez-vous m'en dire quelques mots ?

Sarah : SERVICE SPECIAL a composé les ambiances sonores de la pièce, c'est le projet solo de Sébastien Schmit. C'est une bande originale qui a été spécialement créée pour le spectacle. J'aimais beaucoup sa musique et nous nous sommes rejoints pour ce projet. En plus des ambiances de Sébastien, il y a les souffles et les respirations des comédiens qui amènent la dimension organique de La Pièce.

Y-a-t-il quelque chose que vous aimeriez rajouter ?

Sarah et Damien : On teste des choses, on essaie !

C'est courageux !
Merci vous deux !. Merci pour votre enthousiasme et merci de votre accueil.

Interview de Véronique Perrault

Photos noir et blanc de Karine Barbareau

LA PIÈCE : Atelier de La Dolce Vita – Rue de la Charité 37a – 1210 Saint Josse du 8 au 12 avril 2008

Michelangelo Marchese

Nadine Pochez — 2008-03-26T08:39:06Z

Michelangelo Marchese a souvent joué les démons, épée à la main… puis il a disparu des plateaux belges pour se frotter à la mise en scène avec un vrai Maître ! Attendez-vous à le voir revenir en force

Michelangelo Marchese a souvent joué les démons, épée à la main… et puis il a disparu des plateaux belges pour se frotter à la mise en scène avec un vrai Maître ! Attendez-vous à le voir revenir en force

En 2004, tu as été le 3ème lauréat du Prix Jacques Huisman, ce qui t'a propulsé hors frontières et qui restera, sinon un tournant dans ta carrière, du moins une fantastique expérience.


Prix Jacques Huisman: Sébastien Dutrieux (2003) Marine Haulot (2005) Michelangelo Marchese (2004) et Christophe Sermet (2006)

Oui, dans le cadre de ce prix, j'ai pu passer 2 mois à Londres et tout de suite au lieu d'être simple observateur, Declan Donnellan m'a donné l'occasion de l'assister dans la mise en scène de ce qu'il montait à l'époque The Mandate (Le Mandat) de Nikolaï Erdmann. Il y a immédiatement eu une bonne entente entre nous, une grande complicité et, déjà à ce moment-là, le désir partagé de retravailler ensemble. C'est ainsi que, dès qu'il a eu l'occasion de mettre en scène une pièce en français, ce que Peter Brook lui a proposé il y a maintenant 18 mois pour monter aux Bouffes du Nord, il m'a appelé pour redevenir son assistant sur cette aventure qui continue encore et qui se terminera avec une tournée pendant 2 mois en Angleterre.

Andromaque ?

Andromaque de Racine, oui. Mes amis belges qui sont venus voir le spectacle m'ont dit des mots genre “joyeusement iconoclaste”, “éclairant”, “c'est très révélateur, très neuf, moderne”… C'est un spectacle qui rencontre un grand succès auprès du public et qui, malheureusement, pâtit d'une mauvaise réputation auprès de quelques programmateurs en France, heureusement pas tous ! Il est vrai que dans certains théâtres où l'on va, les directeurs n'aiment pas le spectacle. Ils tapent sur le nom du metteur en scène, mais en définitive, ils sont vraisemblablement heurtés par cette approche chaotique du vers alexandrin, quelque chose qui ne respecte pas cette forme à laquelle on pourrait s'attendre quand on va voir un classique comme celui-là : pas assez figé, pas assez classique sûrement. Personnellement, je trouve que malgré peut-être quelques faiblesses, ce spectacle inspire sérieusement par son approche tout à fait décomplexée de ce qui peut sembler rigide et inaccessible. Maintenant le texte étant ce qu'il est, ce n'est pas toujours facile de rester concentré pendant 2 heures sur une forme poétique assez pointue, même si dans des salles difficiles, comme Wolubilis – c'est vrai qu'au niveau acoustique ce n'était pas évident –, les gens ne passent jamais à côté des intentions ni à côté des enjeux qui sont très importants.

Qu'est-ce que les mises en scène de Donnellan apportent de différent ?


Declan Donnellan

Déjà il aborde les choses avec beaucoup de simplicité, même si les répétitions sont ponctuées de longues discussions, de récits, d'anecdotes, mais ce sont toujours des expériences de vie, des choses en rapport avec le concret de ce que les gens peuvent vivre. Avec le travail que j'ai pu aborder en Commedia avec David Pion par exemple, je trouve que c'est un Monsieur qui aurait pu faire de la Commedia. Ce sont des principes qui sont assez techniques finalement et qui font que ce qu'on veut est toujours chez l'autre… C'est un jeu résolument tourné vers l'autre, basé sur la réaction. Declan dit que l'action en elle-même n'existe pas, mais qu'on réagit toujours à quelque chose… et ça, c'est un principe de base de la Commedia dell'Arte. Et si Declan est assez intéressé par ce théâtre, je crois que ce n'est pas innocent. Entendons-nous bien, il ne monte pas Racine comme on monterait de la Commedia, mais il instigue le travail toujours sous le jour de “Qu'est-ce que MOI je veux changer chez l'autre ? Qu'est-ce que l'autre a à M'apporter ?“ Donc c'est un jeu qui est toujours centré sur les acteurs, qui est toujours dirigé vers l'extérieur, vers l'autre. Finalement c'est assez concret, parce que les enjeux se trouvent chez l'autre, c'est ça la vie. Parce qu'en ce moment où je te parle, j'essaye de te convaincre et si je vois que ton œil part, je vais encore préciser ma pensée et la pensée qui est passée est déjà morte, parce que la suivante est meilleure. C'est en ça qu'il n'y met pas du tout de psychologie, pas d'intellectualisme. Et ça fait du bien…

Comprendre dans un regard ce que l'autre perçoit c'est de la psychologie, non ?

Oui, mais il recherche la réaction instinctive et non pas quelque chose d'analytique qui doit d'abord passer par mon filtre pour être compris, Comment Moi je comprends ce que l'autre veut, c'est de l'ordre de la survie, plus animale et instinctive qu'intellectuelle. Il ne pousse pas vers un jeu psychologique du Qu'est-ce que mon personnage ressent et comment dire ce texte d'après ce qu'il ressent ! C'est parce que la réponse est chez l'autre. C'est ce que l'autre ressent. Quelle sera la meilleure chose à dire maintenant pour faire adhérer l'autre à Mon idée, à Mon objectif ? Pour prendre l'exemple d'Andromaque, comment Oreste convainc Pylade d'enlever Hermione ? C'est en lui donnant des arguments qui vont faire que l'autre voie en lui-même, donc en s'ouvrant. C'est un truc de l'instant, de l'instinct… et jamais sur le ressenti de l'expérience intellectuelle propre. C'est en cela que je dis qu'il ne pousse pas à un jeu psychologique.

Donnellan a-t-il été lui-même comédien ?

Declan a joué un petit peu au tout début de sa carrière – dans le cadre de l'Université – avec Nick Ormerod, son scénographe depuis toujours et actuellement son mari.
Il a d'ailleurs écrit une méthode inspirée de sa propre expérience en tant qu'acteur mais surtout metteur en scène : The Actor and the Target (édité en français L'Acteur et la Cible Éd. L'Entretemps). C'est aussi un mix de plusieurs choses.

Et tu as envie de devenir metteur en scène ?

Oui, ça fait partie des choses que j'ai envie de faire, mais je ne voudrais pas devenir exclusivement metteur en scène, parce que ça me plairait de pouvoir encore jouer…

Pour en revenir à tes débuts avec Declan Donnellan ?

Il se trouve que notre collaboration a été plutôt étroite en montant The Mandate puisque Declan s'est dit que du moment que j'étais dans la salle de répète, je ne serais pas QUE observateur comme le Prix Jacques Huisman le proposait … (Voir rapport de stage)

Et il n'y a eu aucune autre collaboration entre Le Mandat et Andromaque ?

Non, entre temps j'ai joué en Belgique et en novembre 2006, il m'a rappelé pour Andromaque. On a commencé à travailler en juin 2007 et les répétitions ont commencé en août 2007. On vient de faire 3 représentations à Bruxelles, 3 à Namur et la tournée continue

Vous reviendrez encore le jouer en Belgique ?

Probablement pas, ce n'est pas prévu

Comment peux-tu concilier ces longs passages à l'étranger avec ta vie familiale ?

Ce n'est pas facile. C'est vrai qu'au début pendant plusieurs mois, je revenais une fois par semaine, mais l'absence est quand même là. En 6 mois revenir une fois par semaine, ça fait 30-40 jours à la maison ; ce n'est pas énorme. Et c'est d'autant moins facile que je suis assez casanier, mais à partir du moment où je suis dehors c'est très agréable. C'est très gratifiant d'avoir des responsabilités comme celles que Declan me confie. Je travaille avec les techniciens, les autres responsables artistiques. Nous sommes les garants de la sauvegarde des principes qui ont été élaborés pendant les répétitions, donc c'est une magnifique responsabilité… c'est très emballant, c'est très très chouette… Mais c'est vrai que ce n'est pas facile de revenir et de pouvoir consacrer du temps à la maison, parce que l'esprit est un peu ailleurs quand même. Donc je profite un maximum du temps que je passe à la maison – très peu – et ce n'est pas facile pour ceux qui restent non plus : mon petit garçon (Matteo– 9 ans), ma femme (Valérie Lemaître). Je suis heureux que ça s'arrête un peu : on va maintenant avoir 5 semaines de pause et ça va nous faire du bien !

Tes projets ?

Malheureusement j'ai dû refuser du travail pour pouvoir me consacrer à Andromaque. J'ai donné ma parole à Declan sur le suivi du spectacle.

Tu es là à chaque représentation d'Andromaque et lui aussi ?

Moi oui, mais lui non. C'est bien pour ça qu'il veut que je sois là à sa place. Je ne suis pas obligé de regarder chaque représentation, mais au moins de mettre chaque chose en place pour les premiers jours, faire les corrections éventuelles pour le lendemain et suivre le spectacle d'assez près. Suffisamment pour garder ses principes même si les acteurs jouissent d'une grande liberté sur le plateau, mais pas trop près non plus pour éviter de ne plus rien voir, car regarder le spectacle quotidiennement ça peut user. Et effectivement, le temps que je vais consacrer à cette tournée l'année prochaine ne me permettra pas de faire certains spectacles : j'ai dû refuser un truc au Public, au Varia aussi, alors que je n'y avais jamais travaillé et donc ça aurait été bien … Je me dis parfois que je risque d'être un peu oublié… j'ai sans doute un rapport privilégié avec des gens qui me sont très proches comme Michel Kacenelenbogen… Marcel Delval m'a aussi rappelé : Qu'est-ce que tu deviens, je monte un Corneille, est-ce que tu es libre ? Il y a 7-8 mois de travail que j'ai dû refuser. J'espère être encore suffisamment dans les esprits pour pouvoir encore travailler en Belgique, parce que j'aime ça ! … mais les 2 choses sont difficilement conciliables, je vais me retrouver avec des grands trous l'année prochaine.

Ton prochain projet c'est Le Bossu ?

Oui, il y a 2 mois où je peux participer à ce spectacle à Villers-la Ville sur un texte de Paul Féval adapté par Eric-Emmanuel Schmidt, et encore une fois, j'ai un rôle de méchant : le méchant Prince de Gonzague. C'est mis en scène par Pascal Racan et ça commence à répéter début juin et l'on joue à partir du 9 juillet. C'est emballant parce que c'est un spectacle de cape et d'épées.

Ça tombe bien puisque tu es également maître d'escrime…

Je fais de l'escrime depuis l'école, mais je ne suis pas maître d'armes. C'est un truc qui me plaît bien. J'ai été l'assistant de Jacques Cappelle de nombreuses fois et ici c'est lui qui va chorégraphier les combats. C'est super de retravailler avec lui et aussi avec Racan, parce que je n'ai jamais travaillé avec lui comme metteur en scène. Ce sont 2 personnalités avec lesquelles j'avais fort envie de me frotter à nouveau, et ça m'a fortement motivé.

Et avec Philippe Résimont dans le rôle du Bossu !

C'est fait ? Tu me l'apprends ! J'adore cet acteur ! Si c'est lui, ça va me faire plaisir de retravailler ensemble… C'est génial.

Et donc, tu n'assisteras pas Jacques Cappelle pour régler les nombreux combats, cette fois !

Non, cela me paraît inconciliable, quand Rési ne sera pas sur scène ce sera moi, voire les 2 ensemble et l'on va être suffisamment occupés au jeu proprement dit, pour vraiment s'investir ; je ne dis pas que je n'aurai pas à porter ses sacs (rires) mais de là à …

Et Mathieu Moreau ?

C'est peut-être bien lui qui va faire l'assistanat. J'ai entendu parler de ça, oui, mais je ne sais pas où ça en est.

Tu fais du doublage aussi ?

Oui, j'en fais beaucoup. Quoi que … depuis un an avec Andromaque, je n'ai plus pu en faire. On a maintenant réglé des problèmes, ils ont signé une convention entre les comédiens-doubleurs et les patrons sur les tarifs … Donc on sort d'une grosse crise, que j'ai complètement ratée, et quand je pourrai recommencer, j'aurai passé à côté de tout ce que ces bons et chers camarades acteurs combattants ont fait pour en arriver là.

Et c'était quoi cette crise ?

Les tarifs des comédiens-doubleurs n'avaient pas été revus à la hausse depuis 25 ans. Il y a une dizaine d'années, ou un peu plus maintenant, le marché français a été bloqué par une grève des acteurs là-bas, et beaucoup de projets sont arrivés ici, beaucoup de boîtes se sont ouvertes, ce qui a été l'occasion pour les comédiens belges de faire énormément de doublages. Ensuite, pour pouvoir récolter plus de contrats du marché français, les patrons ont tellement cassé les prix que finalement les salaires n'ont jamais été revus à la hausse, donc il était grand temps qu'une revalorisation salariale ait lieu, car on partait travailler pour un demi service, c'est-à-dire 2 heures de travail pour à peine 2 € de plus qu'au chômage… Si en plus de cela tu comptais ton essence, cela ne valait pas vraiment la peine.

Entre temps, il y a eu quelques boîtes qui se sont cassé la figure …

Oui, et puis certaines boîtes se sont fait racheter par les mêmes qui se sont encore cassé la figure. Ce ne sont pas des œuvres de charité non plus, c'est du business quoi.

Tu pourrais aussi me parler de l'écriture, puisque je sais que tu travailles à cela avec ta femme.

Justement, avec Valérie Lemaître, ma chère compagne depuis 12 ans maintenant - on a pris une décision importante. Valérie écrivait déjà. Elle a écrit plusieurs pièces de théâtre [1] , elle a écrit des courts-métrages et co-écrit son propre long-métrage avec la réalisatrice Martine Doyen : Komma, avec Arno, et ce film a été sélectionné à la Semaine de la Critique à Cannes en 2006. [2]

Écrire est un désir que j'avais déjà depuis longtemps, mais moi qui suis plus théâtre, je me disais qu'il y a déjà tellement de choses écrites pour le théâtre… Maintenant la décision est prise et nous avons créé notre société de production.

Il y a un site ?

Non pas encore. Il y a d'abord une série qui s'appelle MOBILE et qui est inspirée de l'univers des Playmobil ® et là, en l'occurrence, on voit des personnages dans un univers un peu surréaliste, habillés et animés comme des Playmobil, des personnages avec des préoccupations actuelles de société, comme l'environnemental par exemple… On a déjà fait deux épisodes pilote de 3-4 minutes chacun, qu'on peut aller voir sur YouTube.

Et qui sont les comédiens ?

Valérie, Pierre Pigeolet et moi, avec l'idée – si le projet se développe – de faire rentrer dans la danse une grande partie des comédiens de ce qui fut la Compagnie Jean Bertoche : Pierre Pigeolet, Marie-Hélène Remacle, Aylin Yai, Philippe Résimont, Nicolas Buysse

C'est à ça que vous travaillez à présent ?

Non, nous avons laissé ce projet-là un peu de côté, parce qu'à présent, nous sommes passés à un projet d'une série-TV de 13 épisodes de 26 minutes qui s'appelle MOTEL. Grâce à la SACD qui nous a sélectionné pour présenter ce projet au FIPA [3] – le Cannes de la télévision – (4) nous avons eu l'occasion de présenter notre projet devant un parterre de producteurs. Deux producteurs français se sont montrés intéressés et nous leur avons remis un dossier complet avec description des personnages, note d'intention et 2 épisodes écrits : on attend des nouvelles. Jusqu'à maintenant on a 4 épisodes terminés.
Pour le pitch : toute l'action se passe dans un motel. C'est un thriller fantastique sur fond d'enquête policière, inspiré de séries que l'on connaît. Comme Twin Peaks, un peu par la situation – c'est un motel qui se trouve dans les Ardennes, dans une forêt de sapins, un peu éloigné de tout – ou encore comme Six Feet Under pour le lien qui se fait entre morts et vivants… L'ouverture du motel coïncide avec une fête ancestrale celte, où le royaume des morts, le royaume des ombres, s'ouvre au royaume des vivants, avec des morts qui reviennent chez les vivants, des vivants qui une fois au royaume des morts ont du mal à en revenir, et des vérités sur ces personnages qui seront révélées petit à petit

Une autre personne intéressée par notre écriture c'est Luc Wijns qui vient de Flandre ! Faut le faire, non ?
Luc Wijns est un BV [4], il a une carrière de 25 ans derrière lui : il écrit des one-man-show, il produit lui-même ses spectacles, il les joue – il est la voix néerlandophone d'Astérix ! –, il est aussi réalisateur, il fait de la pub radio et TV... En plus de tout cela, il a aussi envie de déborder de son environnement flamand, et par amitié, il nous a déjà aidé pour tourner chez lui les 2 épisodes de Mobile qui sont sur YouTube. Et notre nouveau projet l'intéresse beaucoup.

Après ce tour d'horizon, mise en scène, jeu, doublage, écriture… une dernière question peut-être : à partir de quand es-tu de nouveau sur le marché ?

Comme cela se dessine avec Andromaque, aux mois de novembre, décembre, janvier, je suis totalement libre. Il faudra que je m'investisse un peu dans mes projets personnels, mais cela ne m'empêche pas de travailler en même temps sur d'autres choses. Et dès avril 2009 je serai de nouveau totalement libre sur le marché du travail en Belgique pour jouer et peut-être mettre en scène s'il y a des projets qui se présentent… J'ai eu tendance jusqu'ici à attendre qu'on vienne me prendre par la peau des fesses et : Vas-y, fais-le ! mais bon, je dois changer mon fusil d'épaule et maintenant que je suis patron, chef d'entreprise (rires), il faudra que je démarche plus pour promouvoir ma propre personne car tant qu'indépendant je n'ai plus droit au chômage.

Maintenant vous avez aussi ce beau projet TV

Oui c'est un beau projet. Espérons qu'il aboutisse… si ce n'était pas le cas, ce serait d'autant plus blessant parce que c'est le nôtre, que c'est nous qui devons lui donner vie perpétuellement, non seulement dans l'écriture, mais aussi dans les contacts, la relance des gens… Et d'ailleurs c'est ce qu'on va faire maintenant vis-à-vis des producteurs.

Votre métier est difficile. Dans son interview, Marion me disait que les comédiens ne doivent jamais oublier qu'il ne s'agit pas que de simplement jouer, montrer son beau costume de scène, mais qu'il y a toute une dure partie du métier qu'on ne vous enseigne pas dans les écoles de théâtre.

C'est vrai qu'on n'est pas agent, qu'il y a une grande partie de ce boulot-là qu'on doit faire soi-même et qu'on n'y est pas spécialement préparé. On doit apprendre ça sur le tas. Et en tout cas quand on débute on entend des “Si ce n'est pas toi, ce sera quelqu'un d'autre” entre guillemets… sauf de la part des gens qui ont vraiment envie de travailler avec vous. C'est vrai aussi que du point de vue finances, ce ne sont pas des choses qu'on apprend. En tout cas, ce qui est clair et que doivent surtout retenir ceux qui sortent des écoles, c'est qu'on ne peut pas vivre que de ça !, Ils ne doivent surtout pas s'imaginer qu'ils ne seront QUE acteurs. Il est important d'élargir son horizon le plus possible pour avoir plusieurs cordes à son arc. C'est d'ailleurs en touchant à plusieurs choses qu'on peut tout à coup se dire : “Tiens, je ne pensais pas que ça me plairait autant”, comme pour l'instant avec cette chance inouïe qui m'a été donnée d'avoir pu faire l'assistanat de ce grand Monsieur, qui est l'un des 10 grands metteurs en scène actuels. Il se trouve que cela se passe bien et ce rapport au spectacle me plaît aussi. Ne pas être sur scène, c'est vrai que ça a été un peu dur au début : je vois ces acteurs-là avec une brute de metteur en scène, d'un côté c'est un peu rageant de ne pas être sur le plateau avec eux, mais tant qu'on est passionné et qu'on sait pourquoi on est là … Bon, là je me découvre un grand plaisir de suivre un spectacle de cette façon-là. Voir l'aspect technique des choses : je suis directement impliqué dans les décisions qui concernent l'éclairage, le son… Toucher de nouvelles choses peut révéler des envies nouvelles, même des talents nouveaux… Je reçois beaucoup de compliments

C'est de bon augure. Merci pour l'interview et m…

Propos recueillis par Nadine Pochez le 18 mars.

On retrouvera Michelangelo Marchese :
– Du 11 juillet au 9 Août 2008 dans Le Bossu produit à Villers-la-Ville par DEL Diffusion
– Tournée Andromaque à l'étranger

Et pour ses projets de séries télévisées :
MOBILE : Idée originale, écriture, conception, montage, jeu. 10 épisodes dont 2 pilotes d'une série télé d'un format de 3-4 minutes. Développement en Belgique et recherche de moyen de production et diffusion en France.
MOTEL en préparation : série de 13 épisodes de 26 minutes en cours d'écriture et développement en Belgique, recherche moyens de production et diffusion en France

[1] Kontainer Kats (1997) – Le Point Final (1996) – Emma (2000 éditée chez Lanzmann) – Quand les huîtres se cachent pour mourir (2001)

[2] Le long voyage co-scénarisé avec Philippe Blasband – L'insoupçonnable Univers de Josiane et Komma (co-scénarisés avec Martine Doyen)

[3] Festival International de Programmes Audiovisuels à Biarritz

[4] Bekende Vlaming

Marc De Roy

Joëlle Yana — 2008-03-10T20:34:35Z

C'est un petit moment de bonheur que nous vous proposons de partager avec le comédien Marc De Roy, interviewé à l'occasion de la création de "L'histoire des Ours Pandas racontée par un Saxophoniste qui a un Petite Amie à Francfort" de Matéï Visniec.

Marc, qu'est-ce qui t'a séduit particulièrement dans le projet ("des Ours Pandas") sur lequel tu travailles maintenant ?

C'est d'abord le texte ! Je ne le connaissais pas. C'est Xavier Campion qui m'a téléphoné en me disant « J'ai un truc à te proposer ». Et Xavier, c'est un gars que je croise depuis quelques années mais on n'a jamais travaillé ensemble. Puis, il m'a dit que ça faisait longtemps qu'il avait envie de travailler avec moi. Déjà il me flatte, ce qui est très bien (...rires...). C'est toujours bien de flatter un comédien... Il m'a dit qu'on allait monter cela avec Flore Vanhulst, que je connaissais, parce qu'elle avait été l'assistante de Philippe Vauchel dans un truc qu'on avait joué dans les administrations communales, dans les Ardennes : un truc de fou mais très agréable… Pour en revenir à Xavier, il m'a fait lire le texte de Matéi Visniec : un texte de malade qui parle de… je ne sais pas très bien … la mort, peut-être, aussi de tous des sujets légers qui échappent à la lourdeur de la terrestre vie malhonnête, malsaine,… Donc en résumé ce qui m'a décidé c'est le texte et un peu les flatteries de Xavier. Et aussi, j'essaie de dire non le moins souvent possible à un jeune projet hors grand théâtre.

Si tu devais résumer ta carrière en 5 lignes, ça donnerait quoi ?

J'ai fait énormément de jeunes compagnies qui m'ont appris le métier que j'aime et c'est une chance que j'ai eue même si cela m'a fait beaucoup ramé avant d'avoir un premier contrat professionnel. Dans l'absolu, je souhaite cela à tout le monde : apprendre son métier en jeunes compagnies plutôt que dans des trop grands théâtres.

Un nom de jeune compagnie où tu es passé dans tes débuts ?

Il y en a eu beaucoup. On en a créé une, d'ailleurs : la compagnie « Act-hours » avec Jacques Neefs, Pierre Hardy, Dominique Hermans, … des noms de mon âge. Mais toujours sans argent. Donc, on n'a jamais pu se reposer sur de la technique, du décor ou des costumes. On a toujours dû se reposer sur le texte, sur le jeu et je crois que c'est le meilleur apprentissage.

Tout cela c'était au début... et ensuite ?

Je suis sorti du Conservatoire en 87 et, pendant les quelques premières années, j'ai joué en jeunes compagnies jusqu'à ce qu'arrive mon premier contrat vraiment professionnel au Théâtre des Galeries avec la première Revue en 94.

Comment es-tu entré au Théâtre des Galeries ?

Par audition… Je connaissais 3 ou 4 personnes qui avaient fait la Revue avant moi - des filles surtout, qui à l'époque ne faisaient pas grand chose à la Revue, à part montrer leurs jambes. Et comme je chantais, ces filles m'ont dit : « Pourquoi ne viendrais-tu pas faire la Revue en tant que comédien ou chanteur ? ». Seulement à l'époque, la Revue c'était les comédiens connus qu'on venait voir dans autre chose : Georges Pirlet, Jean Hayet,… On venait les voir faire le pitre, chanter un petit peu. Et quand moi je suis arrivé, cela commençait doucement à changer. Ils ont commencé à chercher des artistes spécialisés : quelqu'un qui chante, quelqu'un qui fait le comique, on a laissé les filles s'exprimer davantage, …. Il y a eu un renouvellement. Quelqu'un aux Galeries à parlé de moi au Directeur, Jean-Pierre Rey à l'époque. Alors, j'ai fait une audition. J'ai été chanter mes petites chansons avec la pianiste… qui était entrée à la Revue comme accompagnatrice. C'est sûrement elle qui a parlé de moi au Directeur…

Depuis, tu participes à la Revue chaque année : quel y est ton registre artistique ?

Des Revues aux Galeries, j'ai dû en faire une quinzaine. Je chante, je fais un peu d'imitations, je danse (je veux dire : je bouge du mieux que je peux). Mais encore une fois, maintenant il y a de vrais danseurs à la Revue, de vrais chanteurs, de vrais comiques et parfois, on mélange ! Il y a d'ailleurs une chorégraphe qui fait des chorégraphies compliquées : ça fait un peu « émissions des années 80 » ou bien, les images qu'on voit à la TV actuellement avec des chorégraphies pour accompagner des chanteurs qui chantent sous de la musique qui bouge.

Qu'est-ce qui te plaît, toi, dans ces spectacles ?

Ce qui me plaît c'est que c'est une très longue série. Deux mois de représentations, c'est très rare dans notre pays... Ce qui me plaît également, c'est le changement de costume tout le temps, le changement de personnages. Et puis, j'adore chanter et je crois pouvoir dire que je chanterais le bottin que cela me plairait encore. Aussi, ce que j'aime énormément c'est de faire rire : j'adore une sale qui rit. C'est aussi le seul spectacle où on est tous partie prenante à un moment sur scène. Si on ne fait pas son boulot hors scène, on ne peut pas réussir son entrée sur scène après… Il y a quelqu'un qui avait cette définition de la Revue à l'époque : « On fait le tour du décor : quand on est sur scène, on chante un tout petit peu ou on joue, et puis on tourne, on se change,… » En fait, on est beaucoup plus longtemps en coulisses à se changer et à courir (se maquiller, se changer, se foutre une perruque, se coller des faux poils,…) que sur scène à faire des sketches. Donc si on rate la coulisse, la scène est ratée. C'est très difficile de tirer son épingle du jeu, de dire : « C'est moi la star ». Bien sûr, on prend une "star" à La Revue pour faire venir du monde- ça a été Steeman à l'époque, André Lamy. Maintenant c'est Richard Ruben. Mais à part cela, on forme vraiment une équipe.

Cette passion pour la chanson, comment t'est-elle venue ? En même temps que le théâtre ?

Non, j'ai toujours chanté. Il se fait que mon papa chantait lui aussi quand il était jeune. Il chantait dans les homes, par exemple. Il avait fondé une petite chorale, un petit groupe où ils reprenaient des chansons de leur époque qu'ils réadaptaient. Ils ont interprété Brel, Brassens,… Il y a donc toujours eu des guitares à la maison, il y a toujours eu de la chanson française : Brassens, Brel, Ferré, Ferrat, tous les québécois, … J'ai toujours eu ce plaisir-là, même avant de me rendre compte qu'il y avait des guitares à la maison. J'avais eu le premier prix de chant au jardin d'enfants. J'avais une voix claire. Je crois que c'est ça qu'on appelle un don ou un cadeau du ciel. C'est un petit secret mais je devais chanter pour m'endormir (nous étions trois garçons dans la même chambre, ils ont dû me supporter… ). Sur mon oreiller je chantais en faisant aller ma tête de gauche à droite pour battre le rythme.

Qu'est-ce qui fait alors que tu as voulu faire du théâtre ? Pourquoi ne pas avoir continué dans la chanson ?

Alors ça c'est parce que je suis un ancien bègue. Je suis devenu bègue vers 14, 15 ans : une perte de confiance, je ne sais pas quoi… J'ai été voir une logopède qui m'a fait prendre conscience du pourquoi et du comment. Le problème principal était que je voulais dire trop de choses à la fois. Alors, il a fallu apprendre à respirer, à sérier son langage, à analyser sa pensée. Et une des pistes pour prendre confiance, pour apprendre à respirer mieux : c'était de faire du théâtre. Alors j'ai fait un an de diction et de déclamation. C'est en déclamation que je me suis rendu compte que je devais dire les textes des autres. En fait, en tant que bègue, on se rend compte que lorsqu'on dit des textes d'autres, on arrive plus facilement à articuler sa pensée : à avoir confiance en son discours. Et puis, une chose qui a peut-être eu son importance, c'est qu'à la fin de mes humanités, on a monté une pièce à l'école : une pièce policière. Mes parents m'avaient poussé à y participer pour surmonter ma timidité… J'avais tenu un rôle assez conséquent et j'ai senti que j'aimais bien. Mais c'est vraiment suite à la déclamation que ça m'a pris, alors j'ai dit à mes parents : « Je veux faire du théâtre ! ». Ils m'ont répondu : « N'es-tu pas trop timide ? ». Mon père avait aussi, quand il était jeune, une troupe amateur, donc quelque part c'était déjà dans le sang…

Pour en revenir à la chanson : tu es aussi compositeur. Quel genre de chansons composes-tu ?

Ce sont des chansons qu'on appelle à texte mais ça ne se prend pas du tout au sérieux. Il y a des chansons pour faire rire et pour interpréter sur scène des personnages ou des états comiques. Sinon, beaucoup de balades mélancoliques. C'est de la chanson d'un autre temps, me dit-on, par rapport aux nouvelles chansons françaises, que j'adore, en général (Bénabar, Saint-André,…). Moi je fais autre chose : de la chanson « carrée », avec des strophes, pas nécessairement avec un refrain mais avec tout de même un texte bâti. Toujours sans se prendre au sérieux… Cela parle : ou d'un mal-être, ou d'un incident qui s'est passé, ou de quelqu'un que j'ai rencontré et que j'aime beaucoup, ou encore d'une situation que j'ai mal vécue ou qui m'a fait trop rire,… C'est la vie de tous les jours avec beaucoup d'amour : beaucoup chanter l'amour parce que c'est le plus beau thème qui existe.

Et tu as sorti un CD avec tout ça ?

Non… J'ai fait des maquettes et tout le bazar… Cela fait quelques années que j'ai tendance à dire que je ne mourrai pas sans avoir fait un CD. Maintenant, il y a un processus qui est en cours, je ne sais pas combien de temps cela va durer mais j'ai rencontré la personne idéale pour cela. Dans les 2 ans logiquement, il y a quelque chose qui va sortir. Juste pour voir si ça plaît à du monde ou pas.

Pour l'instant, on peut donc t'entendre dans les cafés-théâtres…

Oui. Ceci dit, j'ai eu la chance de chanter au théâtre des Galeries pour mes 40 ans. Pour ma 10ième Revue, le Directeur David Michiels m'a fait ce beau cadeau : un soir, une salle pleine, un lundi de relâche durant la Revue. Comme c'était bourré de lumières, bourré de sons, on en a profité, avec 3 ou 4 musiciens, des copains qui sont venus faire des duos et tout ça… Là, j'ai chanté devant 800 personnes. Sinon, je chante devant 40 ou 50 personnes, dans des salles comme la Samaritaine. J'essaie de faire cela, une fois par an. En fait, la chanson ne me fait pas vivre. Le théâtre me fait manger. Parfois plus, parfois moins… Cela ne m'empêche pas de faire, encore chaque année, des trucs en jeunes compagnies parce que j'adore ça, que c'est vraiment là qu'on ne s'use pas, qu'on ne se rouille pas. En continuant à se confronter à des jeunes, on continue à remettre en question sa manière de travailler.

D'ailleurs, tout récemment, on t'a vu à la Clarencière jouer pour une jeune compagnie…

Cette année-ci j'ai participé au projet de deux ou trois jeunes compagnies. Dernièrement dans deux pièces de Musset « Un Caprice » et « Il faut qu'une Porte soit ouverte ou fermée » sur lesquelles, j'ai travaillé avec Frédérique Panadero dont c'est la première vraie mise en scène professionnelle. Elle se tape Musset, qui n'est pas facile actuellement : ça n'attire pas beaucoup de monde. Mais je pense que si je dis non à cela, je rate quelque chose dans mon parcours. De mon côté, je peux lui apporter ce que j'ai comme expérience, même si ça ne veut pas dire grand-chose car c'est la 2ème fois de ma vie que je joue du Musset.
Il y a ce truc aussi de se découvrir humainement. J'aime bien les gens, les gens gentils…

Les jeunes compagnies, c'est visiblement très important pour toi…

Je pense que si je ne travaillais qu'aux Galeries ou au Parc, je me rouillerais dans un certain système de jeu, parce qu'on le sait bien : dans ces grands théâtres, il n'y a pas le choix, on ne peut pas travailler longtemps. On ne nous donne pas le temps et on ne se donne pas le temps de travailler à fond. Comme il y a 5 ou 6 pièces sur une saison, on ne peut répéter que 26, 27 fois. Alors, à force, cela devient de moins en moins difficile car on sait comment cela fonctionne et on ne nous prend plus que pour un type de rôles-là. Mais aux Galeries, j'ai eu 10 ans de bonheur où j'ai joué plusieurs rôles super intéressants. Maintenant de moins en moins, … Donc, oui, sur 26 fois, on n'a pas vraiment le temps d'entrer dans un texte. Aussi, c'est un théâtre basé sur l'apparence et sur l'humour. Ce n'est pas le théâtre qui est fait pour explorer le fond de l'âme humaine. Il y en a d'autres pour cela… Tous les théâtres sont complémentaires et ils doivent tous exister. Aux Galeries, on ne se prend pas trop la tête, mais j'aime dire, quand même, qu'on travaille beaucoup. Parce qu'on ironise beaucoup autour de la Revue, par exemple. Mais c'est une création chaque année, et qu'on vienne voir le travail que cela représente. Ce n'est peut-être pas l'humour à la mode : ironique ou que sais-je, c'est de l'humour bon enfant, et les gens y viennent en nombre.

Aux Galeries, tu as donc interprété un répertoire classique…

Les Galeries c'est un théâtre populaire : dans le grand, le beau sens du terme. Parfois, dans la saison, ils mettent un truc différent. Par exemple, j'ai joué un super rôle dans Pirandello « À Chacun sa Vérité ». Jamais, il y a 10 ans les Galeries n'auraient fait ça. Mais j'ai joué plus de classiques : Molière, Marivaux, Feydeau, Shakespeare un tout petit peu, bien que pas assez, ... J'ai joué aussi beaucoup de pièces policières : Agatha Christie ,…

Et que penses-tu du théâtre contemporain ?

J'aime tous les théâtres. Il y a des théâtres qui m'énervent comme le National. Avec tout l'argent qu'ils ont, ce qu'ils en font : cela me révulse… Le Varia, j'y vais quand il y a quelque chose qui me plaît. Là, j'ai été vexé (il y a un petit temps de cela) parce que, comme je jouais aux Galeries, je n'ai pas eu droit à l'audition. Je vais voir du théâtre contemporain en jeunes compagnies, chez les amateurs, pour découvrir des pièces… Je vais voir des auteurs de maintenant. J'ai joué dans des trucs que des gens ont écrits pour moi… Par exemple, Fabrice Gardin m'a écrit une pièce qui, j'espère, sera montée à Ittre. J'aime tous les théâtres pour autant qu'ils me racontent une histoire que je comprenne et qui me touche.

Des nouvelles tendances comme le « théâtre-physique » ou le « théâtre-mouvement » te plaisent-elles également ?

Pourquoi pas… D'abord, je suis assez sportif (rires). Au début même, je voulais être prof de gym et puis mon fémur a bougé. On a dû mettre des broches dans la jambe donc on m'a déconseillé de faire une licence en gym.

…Pour notre plus grand bonheur, sinon tu n'aurais jamais fait de théâtre !
Marc, dans quoi n'aimerais-tu surtout pas jouer ?

Dans un film porno, je suppose (rires)… Au théâtre, je refuserais de jouer Hitler dans une pièce qui fait l'apologie du nazisme. Si c'est jouer Hitler pour le ridiculiser ou dénoncer son fonctionnement : oui. Mais autrement, il est clair que je ne jouerais pas dans ce qui prône le contraire de mes valeurs. J'espère rester honnête dans cela jusqu'au bout. Je dois avouer que, comme tous les comédiens du monde, j'ai déjà accepté des trucs qui ne m'excitaient pas ou simplement, pour faire plaisir. Mais c'est un métier, et il faut vivre : donc je dis oui. Je n'en ai pas honte. De tout de façon, j'aime être sur scène…

Quels sont les comédiens, metteurs en scènes, … qui ont particulièrement enrichi ton parcours ?

Il y a eu d'abord mon premier prof de déclamation et d'art dramatique François Mairet qui joue, hélas, beaucoup moins maintenant mais qui fait beaucoup de doublages et de pubs. C'est lui qui a été mon premier guide. Et puis, il y a eu Dominique Haumont qui m'a permis de me dépasser, sortir de ma timidité. Par exemple, il m'a fait jouer dans un opéra rock sur le parvis de la cathédrale Saint-Michel. Il a aussi été co-directeur au théâtre des Galeries et grâce à lui on a pu vivre des choses insensées. Il y a eu Bernard Lefrancq, qui m'a beaucoup mis en scène. Il a un sale caractère, aussi sale que le mien… Avec lui, on a ri, on s'est engueulé. Il m'a donné la possibilité de jouer avec plein de gens, interpréter plein d'auteurs. Il m'a permis de prendre des risques, d'aller jouer en jeunes compagnies. Chaque année, depuis maintenant 12 ans, je fais la tournée d'été du théâtre des Galeries avec lui. Il m'a mis en scène dans des lieux impossibles où l'on doit changer la mise en place tous les jours selon qu'on joue dans une ferme, dans un château,… On joue dehors, dans des lieux qui ne sont pas faits du tout pour le théâtre, dans des lieux où il faut hurler de face parce qu'il y a 600 personnes. Bernard Lefrancq fait beaucoup de spectacles humoristiques au Koek's Théâtre, à la Bouch'rit à Liège, au Comic'art. Et puis, il y a eu Claude Enuset qui m'a permis de jouer Dr. Jekyll et Mr. Hyde, seul. J'ai eu la grande chance également de rencontrer Jean Hayet - Madame Chapeau - qui n'a peut-être rien fait pour moi professionnellement, et encore, je n'en suis même pas sûr. Un être humain magnifique, d'une culture exemplaire mais sans étalage. Jean Hayet était avant tout un grand humaniste ! Voilà, j'espère n'avoir oublié personne. Ce sont toutes des personnes qui ont été des repères pour moi.

Et toi, de la mise en scène, tu en as fait pas mal non plus…

Pas beaucoup. Pour ma toute première, j'ai remis en scène, 10 ans après, ce Feydeau que j'avais joué en début de carrière au Festival de Spa. Puis, avec Pierre Pigeolet, on a écrit et mis en scène un spectacle. Disons que j'ai mis en scène quelques pièces à 2, 3 ou 4 personnages dans des petits lieux. C'est tout ce que je sais faire… Je ne suis pas un vrai metteur en scène : je ne suis pas un faiseur d'images, je n'ai pas une vue d'ensemble immédiate de ce qu'on va faire. J'ai une vue d'ensemble mais au fur et à mesure. Je ne me sens pas non plus créateur d'options fulgurantes pour relire un ancien auteur ou même un nouveau. J'aime bien diriger des comédiens dans la pleine confiance mutuelle et ce doit être dans des thèmes où on parle de relations humaines, des trucs qui me collent de près.

Et le cinéma, ça t'intéresse ? Tu en as fait ?

(Rires). Mais non, je n'ai pas du tout envie de faire du cinéma !! Qu'est-ce que j'en ai à foutre du cinéma ! D'abord, je ne savais même pas qu'il y a du cinéma dans notre pays… Non, sans rire, évidemment que si je pouvais, j'en ferais et je crois même que je serais bien fait pour cela. Moi, je suis plus à l'aise dans les petits lieux que dans les grandes salles. Donc, je me dis que je serais peut-être plus à l'aise dans un petit cadre, une caméra. J'aime bien essayer de retrouver le parler vrai. Je ne suis pas un grand articulateur, je ne suis pas connu pour cela. Je suis plutôt connu pour… pour…au fait, je ne sais pas du tout pour quoi je suis connu…En fait, je ne suis pas connu mais disons que, au sein du milieu, on me reconnaît peut-être une certaine profondeur. Mais donc le cinéma, si on m'en propose, je dirais bien oui. Par contre, je ne pense pas être fait pour la publicité. Mais comme je n'ai pas mon CV dans des boîtes de casting, ni sur des sites internet, forcément les opportunités dans le cinéma n'arrivent pas. C'est un peu de la faute de tout le monde. Je trouve que les « casteurs » devraient venir au théâtre plutôt que de ne réaliser que des castings chez eux, à froid, devant la petite caméra.

J'en reviens encore à ton "impressionnante" carrière puisque tu as joué dans plus de 90 pièces (sans compter les mises en scène) qu'est-ce qui a changé chez le comédien que tu es devenu par rapport à tes débuts ?

90 pièces ! Mais où as-tu trouvé ça… ? 90 ! Ce qui a changé ? J'ai perdu beaucoup de cheveux. Pour être un peu sérieux, je pense que j'ai gagné en culture (à force de faire du théâtre, j'ai lu plein de pièces et parfois j'ai lu des informations complémentaires pour me documenter). Sinon, j'ai cru qu'avec le temps, j'allais gagner en confiance, qu'au fur et à mesure des spectacles, j'aurai de moins en moins de craintes… Mais en fait, c'est encore pire. Plus ça avance, et plus on se sent démuni par rapport à un début de répétition. Cela dit, je crois, quand même, que les choses se font plus vite, que je trouve plus vite le trajet de mon personnage. Et puis aussi, quoi que je dise, j'ai acquis volontairement ou non, une série de trucs qui m'aident dans le cas de metteurs en scène insuffisants. Des trucs qui me permettent dans une grande salle, par exemple, de faire croire que je suis très triste. J'ai gagné ça. C'est pas très beau, mais il n'y a parfois pas le choix. Sinon, je suis persuadé d'avoir gagné en relations humaines, en analyse de l'être humain… Et donc, j'ai moins d'amis qu'avant. Avant, j'aimais tout le monde, maintenant… je n'aime plus tout le monde. Avant je ne me méfiais de personne, maintenant... je me méfie un petit peu plus. Sinon, je ne suis pas meilleur comédien… Enfin, si : je sue moins à la première lecture, je suis moins trouillard. Je ne me dis plus : « Il faut que je prouve… ». Je suis arrivé, en tout cas en jeunes compagnies, à me dire que je n'ai plus rien à prouver, que c'est pour le plaisir et je donne le maximum. J'ai moins de barrières qu'avant, moins de timidité, je suis prêt à aller plus loin parce que je sais que ce n'est quand même que du théâtre et que j'ai moins d'importance que ce que je croyais quand j'avais 20 ans. Mais j'ai quand même bien fait mon chemin, je n'ai pas arrêté. Il faut que je sois sur scène : c'est une drogue qui ne fait pas trop de mal. Mais aujourd'hui, je joue de moins en moins dans les grands théâtres (les Galeries,.. ), par contre, je joue plus en jeunes compagnies. Pour les sous, cela change tout. Je me sers beaucoup plus la ceinture qu'il y a 5 ans, par exemple.

Et cela vient de quoi ?

Peut-être parce qu'aux Galeries, ils font des changements. Peut-être parce que mon caractère est devenu moins facile. Peut-être que je ne corresponds plus à la mode que le directeur veut imprimer à son théâtre. Mais bon, j'ai eu beaucoup de chance de travailler dans ce théâtre pendant 13 ans ; maintenant, c'est le tour des autres. Peut-être que c'est un passage de la quarantaine difficile, que je rejouerai mieux les vieux…

Un tout grand merci à toi, Marc. On te retrouve donc dans « L'Histoire des Ours Pandas racontée par un Saxophoniste qui a une Petite Amie à Francfort » de Matéj Visniec du 12 au 29 mars à l'Arrière-Scène. Ensuite au Koek's Théâtre avec Bernard Lefrancq, pour une création qui s'intitule "Les Faux-Frères", un spectacle d'imitations, de sketches du 21 au 24/5 et du 28 au 31/5. Et enfin, en été, en Avignon, avec les deux pièces de Musset qu'on a pu voir à la Clarencière et deux courtes pièces de Ghelderode.

Interview recueillie par Nathalie Lecocq le 28/02/08

Jules-Henri Marchant

Joëlle Yana — 2008-03-03T14:27:01Z

Jules-Henri Marchant a débuté sa carrière théâtrale au Rideau de Bruxelles en 1958 ; il en devient directeur artistique en 1992, et après 15 ans, passe le flambeau à Michaël Delaunoy.