Demandez Le Programme

« Après la Peur » : La joie

F.V. — 2015-10-08T10:59:03Z

Demandez Le Programme a eu l'opportunité d'assister à l'intégralité des spectacles proposés dans le cadre du projet « Après la Peur », du 29 septembre au 3 octobre au Théâtre les Tanneurs. Reportage.

« Bonjour, je voudrais voir le spectacle Après la Peur, en entier si possible. »
« Aucun problème mais il vous faudra venir au moins trois fois. »
« C'est d'accord ! »

Et voilà comment l'on se retrouve à assister à une dizaine d'heures de théâtre et à vivre simultanément une et douze aventures, dans une multitude de lieux, transporté par mille émotions et presque autant de rencontres.

Après la peur from Théâtre Les Tanneurs on Vimeo.

Aux origines du projet

Au départ, il y a « La Peur », création d'Armel Roussel montée au Théâtre National à Bruxelles en février 2013. Ensuite, il y a l'envie d'Armel Roussel d'un "après" « La Peur » et son souhait de remanier le spectacle et d'en proposer une nouvelle version, en utilisant différemment l'espace scénique. Enfin, il y a ce voyage à Montréal en septembre 2012, durant lequel Armel Roussel a rencontré les auteurs canadiens Gilles Poulin-Denis et Sarah Berthiaume. Ils y proposent ensemble « On the road », une rencontre entre les auteurs et le public sous forme d'un trajet en minibus dans la ville.

Les trois artistes décident de prolonger l'expérimentation menée avec « On the road » et commencent à imaginer un road-trip théâtral. Armel Roussel prend alors conscience des résonances entre ce projet et celui de l'Après-La Peur qu'il avait imaginé... Les deux projets se rejoignent finalement pour ne faire plus qu'un : « Après la Peur ». Les trois artistes mettent en commun leurs idées, réflexions, créativités et imaginations : ils délirent joyeusement sur des situations possibles évoquées par la rencontre entre leurs deux projets.

« Après la Peur » est ainsi un spectacle road-trip, avec la ville comme terrain de jeu et plusieurs véhicules comme scènes, à l'intérieur desquels spectateurs et acteurs sont rassemblés dans une aventure commune. Le projet se compose en spectacle douze « mini-spectacles » distincts, chacun écrits par l'un des auteurs participant au projet, tous issus de l'un des pôles de la francophonie. Un atelier a également permis aux Bruxellois et aux Montréalais de participer à la construction du projet.

L'aventure au jour le jour en quatorze étapes

Première soirée et première étape

Tu es d'abord invité à aller chercher le billet qui te permettra de choisir tes spectacles. Une heure avant, la queue de ceux qui espèrent des places s'allonge rapidement. Je propose à une personne arrivée un peu tard de m'accompagner si elle accepte de me partager ses réactions à chaud et d'offrir un autre regard. Marché conclu.

Tu reçois ensuite le programme dans lequel tu vas devoir choisir ce que tu veux voir. La plupart des spectacles n'accueillent que quelques personnes à la fois, parfois seulement trois ; il va te falloir du flair, de la chance, et accepter que les choses ne se passent pas forcément comme tu voudrais… Au bout du compte tu en auras vu quatre sur les douze, ce qui peut surprendre.

Nous sommes alors invités à entrer dans la salle : la scène et les sièges ont disparus, il n'y a encore que peu de monde mais la voix d'un homme en monsieur loyal, Armel Roussel, nous invite à sa rencontre pour recevoir les billets magiques pour notre première « chambre ». En sortant de là, nous pourrons revenir pour chercher notre second billet. « Prévoyez un choix large » prévient Armel, « car vous ne serez jamais sûr des places qui seront encore là lorsque vous arriverez. »

Le choix de ma complice du soir se porte sur la chambre une ; je préfère la surprise et ne cherche pas à savoir pourquoi. Six places. Nous sommes parmi les premiers. Nous recevons les sésames et allons rejoindre la table d'attente pour notre chambre. En quelques minutes, les douze tables sont remplies et l'on y parle déjà de ce que l'on aimerait voir après et des chances d'y parvenir. Le ton est à la fois amusé, curieux et inquiet. Chacun devient acteur sans toujours bien s'en rendre compte, pour la première fois de la soirée...

Seconde étape

Embarquement pour Queen Kong . C'est nous ! Selma Alaoui y assure tout, de la conception au jeu. Lauréate du prix de la meilleure découverte aux Prix du Théâtre en 2007, elle n'a cessé depuis d'être récompensée pour ses mises en scène. Nous voilà entre de bonnes mains.

Notre chauffeur nous invite. En voiture ! Six places nous attendent. La suite n'est pas facilement racontable mais certaines émotions, interrogations et réactions le sont peut-être un peu : Et si refaire le monde commençait par refaire son regard ? La ville est une jungle et nous ne sommes pas bien conscients de l'animal que nous y sommes. Et si les apparences sont trompeuses, comment s'y retrouver ?

Trente minutes qui vous accrochent à travers la ville, vous obligent à vous bouger, dans tous les sens du terme, à choisir jusqu'où vous êtes prêts à aller. Et au bout du compte, des réactions enthousiastes, vraisemblablement unanimes…

Troisième étape

Le hasard et les mouvements de foule nous amènent à la chambre 6. Ce n'est pas ce que ma guide avait prévu mais nous rejoignons donc la table d'attente de Sara perche ti amo en trouvant cela plutôt amusant. 14 places. Quarante minutes.

Nous quittons le théâtre et marchons plus ou moins en silence jusqu'à un appartement où nous attend Dany Boudreau ; il souhaite nous parler de son histoire d'amour avec Salvatore, en nous invitant à choisir comment il nous en parlera. Le hasard a bien fait les choses : nous voilà passé de la ville ouverte à un huis clos dont nous serions les bienveillants voyeuses et voyeurs. On sent la patte de Salvatore Calcagno dans la force de la mise en scène et de l'écriture (avec Dany Boudreau).

Sur le chemin du retour, l'ambiance n'est pas à la rigolade ; chacun accuse le coup ; il faudra un moment à mon accompagnatrice pour retrouver la parole. Je la laisse revenir à la surface tout en la laissant choisir le lieu de notre troisième aventure. A ceux qui nous le demandent, nous recommandons la première chambre si l'on veut rêver ensemble ; on nous en recommande d'autres. Ma compagne théâtrale n'a toujours pas trouvé les mots pour parler de ce que nous venons de vivre dans l'appartement de Dany.

Quatrième étape

Cette fois, ma partenaire de voyage reçoit l'un de ses premiers choix : Safari (comme un teen movie) écrit par Armel Roussel, avec la complicité des acteurs Larissa Corriveau et Gilles Poulin-Denis. 6 places. Trente-cinq minutes.

Ce sera son second coup de cœur, parce qu'elle y a trouvé toute une palette d'émotions qui la transportent malgré elle. Et c'est vrai que cette histoire de désir et d'amour « confronté à la drôle réalité du monde tel qu'il est lorsque la réalité se trompe » est véritablement superbe. L'écriture est efficace, le jeu est juste, comme deux funambules sur leur fil. Larissa Corriveau est exceptionnelle et Gilles Poulin-Denis est lui aussi très bon. Ce qui se passe entre eux est secret mais l'on ne se sent jamais de trop. Magique ! Les trente-cinq minutes m'en ont semblé cinq.

Cinquième étape

Pendant la pause, la danse continue de tables en tables ; les spectateurs échangent leurs trouvailles ; il est déjà bien tard et certains quittent les lieux à regrets. Nous sommes invités à terminer la soirée dans une voiture transformée en théâtre radiophonique : Zigzag. Résistance. Question. 8 places pour trente-cinq minutes.

Florence Minder, qui aime bien citer Virginie Despente, est une jeune auteure et actrice suisse engagée à l'humour décalé et dévastateur. Dans cette création réalisée avec Karim Barras et Olivier Girouard, elle interprète tous les personnages, à l'exception des bruitages, omniprésents. On y entendra aussi Gilles Deleuze, à l'état brut. L'ensemble est très enlevé, de la philosophie à l'état sauvage, revigorante.

Il est presque minuit ; ma passagère d'un soir reviendrait bien voir sa suite « D'après La Peur » mais elle n'est pas certaine de pouvoir se libérer demain. Je passe remercier Armel pour le beau début de cette aventure. Il accepte très généreusement de m'aider à voir chaque spectacle dans un ordre à trouver en cours de route. Je serais bien resté plus longtemps mais je décide de garder des forces pour la suite, la tête remplie d'échos et d'images.

Seconde soirée et sixième étape

Je suis tout heureux de revenir ; clairement j'en redemande, mis en appétit, le cœur ouvert. Pour cette seconde soirée, je bénéficie du regard d'un jeune apprenti comédien de parents belge et espagnol. Armel a préparé notre parcours du soir ; mon coéquipier n'a donc pas le choix mais s'y prête volontiers. Nous commençons avec Ghost Songs . 5 places pour trente-cinq minutes. En voiture !

J'ai l'impression d'être au cœur du tournage d'un road movie. L'actrice principale est assise à coté de moi. Je suis comme les autres, un acteur muet. La caméra est invisible mais elle est sûrement quelque part. Je sens la tension monter entre la femme qui parle et le chauffeur qui l'a prise en stop ; je ne serai pas surpris qu'ils en viennent aux mains ; jusqu'à ce que tout bascule.

L'écriture de Gilles Poulin Denis est efficace et précise, maîtrisée et imprévisible ; superbe. Du dialogue à la Wim Wenders. Adrien Letartre et Vanja Godée sont portés par des situations qui leur permettent de développer une superbe palette de jeu. Adrien se joue de la bipolarité avec une grande maîtrise et Vanja est si impressionnante que je ne serais pas surpris de la retrouver au bord d'une autoroute à faire du stop pour la planète Mars. Le jeune acteur qui m'accompagne est bouleversé lui aussi. « C'était trop court. Dommage ! »

Septième étape

Nous buvons une bière pour nous réchauffer des froids du Grand Nord. Armel nous a remis des tickets pour Banalités d'usage , titre barré et remplacé par un musulman de moins . 14 places pour trente-cinq minutes, verre de vin compris.

Il s'agit du premier spectacle qui ait lieu dans le théâtre même, à une table, où une entrée et un verre de vin nous attendent. De ce moment, la consigne est de ne rien en dire pour ne pas en diminuer l'impact. Écrit par Soeuf Elbadawi, auteur et artiste comorien, il y est question de présence et de représentation, d'accueil et de peurs, de discours et de pouvoir. Un questionnement sur la mémoire et le vécu politique des citoyens que nous sommes tous. Rien que ça ? Oui, je sais… Une nouvelle fois, mon compagnon théâtral et moi sommes d'accord : « Ça marche ! Ça déménage ! Ça interpelle ! »

Huitième étape

Quelques minutes à peine, histoire de reprendre notre souffle, et nous voilà assis face à des écrans, en compagnie d'une quinzaine de spectateurs venus voir comme nous, pendant trente minutes, Comme je descendais des fleuves impassibles .

Écrit et conçu par Dany Boudreault, dont l'histoire d'amour entendue le jour précédent a si fortement marqué les esprits, le spectacle nous relate cette fois l'histoire d'un autre amoureux, fou, lui aussi. Atteint de la maladie d'Alzheimer, le réalisateur canadien Claude Jutra, considéré chez lui comme « leur » Jean-Luc Godard, inscrit sur un bout de papier « Je m'appelle Claude Jutra » et se suicide en novembre 1986 en sautant du pont Jacques-Cartier à Montréal. Quand son corps est retrouvé, le bout de papier l'accompagne toujours. Dans Comme je descendais des fleuves impassibles, un homme, Lui, et une femme, Elle, relatent les trois dernières secondes de la chute du réalisateur avant d'atteindre les eaux du fleuve Saint-Laurent.

Sarah Berthiaume, à l'origine de l'ensemble du projet d'« Après la peur », est elle aussi, dans cette histoire, totalement bouleversante. On aime avec elle, on l'aime avec lui, on a mal avec elle, et tout ce que ni elle ni nous ne pourrions dire… mystérieusement et profondément. Vincent Minne, visible depuis une vingtaine d'années sur un nombre impressionnant de scènes, incarne ce nouveau rôle avec une émotion totalement déconcertante, proche et distant à la fois, lunaire et si doux…

Je ressors totalement enthousiasmé ; mon guide du soir l'est un peu moins ; il s'est senti moins concerné et n'est pas certain que cela soit vraiment tout public. Nous apprenons qu'au Québec, ceux qui connaissent les films du réalisateur sont sortis en pleurs. Culture et génération, allez savoir…

Neuvième étape

Il est environ vingt-trois heures et nous sommes prêts pour notre quatrième spectacle de la soirée, Caméra cachée .

Tout ce que nous savons c'est que l'agent Deblee, relation publique de la police Siv City, sera heureuse de nous recevoir au sein de son véhicule de fonction afin de nous faire découvrir les progrès considérables qui ont été réalisés en matière de protection et sécurité citoyenne.

Et nous voilà partis en plein délire. Humour communicatif, on rit sombre, tendu, tirs continus à balles réelles, et ça fait mal, ça fait peur, ça fait rire de toutes les couleurs.

Ici, l'écriture ravageuse de Jean-Baptiste Calame, Suisse vivant en Belgique, démarre à grande vitesse, servie par le jeu complètement déjanté de Marie Aurore d'Awans, Denis Aujol et Sophie Sénécaut.

On en ressort plus réveillés que jamais. Mon co-pilote de la soirée est tellement emballé qu'il reviendra demain. Moi je traîne un peu de tables en tables ; le vin est bon, ce qui n'arrange rien. Il est deux heures du matin lorsque je quitte le théâtre mais tout va bien, je reviens demain ; serais-je en train de devenir accroc ?

Troisième soirée et dixième étape

Retrouvailles avec le Théâtre des Tanneurs et les vingt-cinq acteurs d'« Après la peur » pour le troisième et dernier jour de mon marathon ; et mon guide d'hier est bien là lui aussi. En route !

Armel nous accueille avec un grand sourire. Il nous a préparé l'ordre dans lequel nous visiterons les quatre dernières chambres, mobiles ou pas.

Nous commençons par Démocratie . 6 places et trente-minutes en voiture. Joël Maillard nous propose d'être les protagonistes de la fiction ; il s'agit de définir quelques règles de vivre ensemble, puis de débattre, et de voir ce qui se passe… Refaire le monde en une demi-heure, est-ce bien raisonnable ? Pour l'auteur il s'agit surtout de placer une nouvelle fois l'acteur dans la pièce plutôt que face à la pièce ; de ce point de vue l'objectif est atteint. Il défend aussi une approche naïve des domaines qu'il explore ; c'est très clair là aussi.

Difficile de parler d'une expérience qui dépend entièrement des participants ; notre groupe s'est quitté sans regrets mais un peu avant nous, tous les membres avaient prévus de se retrouver pour dîner ensemble un de ces soirs ; mais ils avaient aussi décidé que l'on avait le droit de mentir. Ayméric Trionfo, en grand modérateur, aurait beaucoup à dire…

Onzième étape

Dog-Jazz , de Julien Mabiala Bissila. Et si le monde était un théâtre radiophonique ? Et si le saxophoniste d'un groupe de jazz était un chien ? Et si le chauffeur du groupe était un militaire qui compte rejoindre l'Afghanistan ? Et s'il y avait un veuf qui aimerait s'expliquer la mort de sa femme ?

Histoire débridée et montage des sons au scalpel. Le contraste est saisissant. Les multiples voix nous entraînent chacune dans leur monde. L'auteur n'en est pas à son coup d'essai : né à Brazzaville, il est l'auteur de plusieurs pièces nourries par ses nombreux combats. Côté spectateur, avec Dog Jazz, tu te laisses aller ou bien tu décroches vite. L'expérience a très bien fonctionné pour moi, mais mon guide du soir était plus réservé…

Douzième étape

Cet homme , de Sarah Bertiaume, créé à partir de rêves récoltés et écrits par le public à Bruxelles, est une chasse à l'homme poétique, un rêve éveillé et déambulatoire aux sens propre et figuré. Les rues comme décor, un récit qui sort de nos écouteurs comme fil rouge, et des repères bleus comme autant de balises dans la nuit.

Nous étions quinze à avancer en drôle d'armée, avec un bonbon en guise de moyen de transport, autant d'énigmes à vivre pendant une demi-heure, hors limites. Nous sommes ressortis sonnés et éblouis, retrouvant lentement les bruits quotidiens et la chaleur du théâtre, comme au petit matin après un long rêve pas totalement parti...

Treizième étape

La fin approche pour moi et mon guide d'un soir, le temps de voir La lune est belle , aventure proposée sur base de textes d'habitants de Montréal, Bruxelles, Limoge et Paris. Il y sera surtout question de la solitude et des manières de la traverser. L'on y passera des moments étonnants dans une chambre pour pleurer ; histoire d'en rire, aussi.

La danseuse et actrice japonaise Uiko Watanabe nous embarque dans sa détresse joyeuse avec un humour violent comme un tsunami, en plus éphémère. Nous en sortons bouleversés, le temps de retrouver le théâtre où l'atmosphère joyeuse et conviviale nous accueille comme un cocon.

Quatorzième étape

Je la ferai brève : si vous m'avez lu jusque là, franchement je n'ai pas grand chose à ajouter. C'était une expérience unique, oui, évidemment. On se plaît à imaginer que ce travail ne soit encore qu'une étape, et qu'un jour, les spectateurs seraient invités à tout voir dans une sorte de marathon festif un peu fou, comme la vie.

Ah oui, j'oubliais : merci à tous d'avoir rendu cela possible. C'était fantastique !

F.V.
(Crédits photo : Nicolas Hubert)

Aimer à en mourir

F.V. — 2015-09-24T10:17:40Z

La Lettre à D., écrite en 2006 par le philosophe, penseur et journaliste André Gorz (de son vrai nom Gérard Horst) est une longue déclaration d'amour à sa femme Dorine. Elle est censée retracer leur vie d'amants, de compagnons, et de collaborateurs. Colyne Struyf et Dirk Roofthooft se proposent de nous faire retrouver l'impulsion qui a donné naissance à cette déclaration.

André Gorz écrit notamment : « Tu vas avoir quatre vingt deux ans. Tu as rapetissé de six centimètres, tu ne pèses que quarante cinq kilos et tu es toujours aussi belle, gracieuse et désirable. Cela fait cinquante huit ans que nous vivons ensemble et je t'aime plus que jamais. Récemment je suis retombé amoureux de toi une nouvelle fois et je porte à nouveau en moi un vide dévorant que ne comble que ton corps serré contre le mien. »

L'auteur du texte, adapté au théâtre pour la première fois, n'est pas le premier venu sur la scène publique. Il est l'une des figures intellectuelles les plus influentes sur la scène internationale des idées de la seconde moitié du XXe siècle. Protégé de Jean-Paul Sartre et fervent défenseur de l'existentialisme, André Gortz a souvent été vu comme l'un des précurseurs de la pensée derrière les événements de 1968, et est considéré comme l'un des principaux théoriciens de l'écologie politique.

Présentée comme une lettre d'amour, la Lettre à D. est aussi un testament adressé à la personne qui mourra volontairement avec lui un an plus tard.

Habitué des grands monologues, Dirk Roofthooft semble s'être volontairement laissé submerger par ses émotions et nous donne l'étrange spectacle d'un homme qui tente de ne pas se noyer. Son jeu en arrive à un tel point de fragilité qu'il devient parfois difficile de ne pas se laisser submerger nous aussi, au risque de s'y perdre un peu.

Colyne Struyf nous explique : « Dirk Roofthooft nous montre le chemin difficile qui consiste à mettre des mots sur ce que nous avons de plus insaisissable à communiquer : nos émotions. (...) Je désire inviter le public à partager pensée, amour, trahison, tendresse… et faire apparaître cet irrémédiable attachement qui lie André et Dorine de leur tendre jeunesse à leur fragile vieillesse. »

Si vous faites déjà partie des nombreux lecteurs enthousiastes de la Lettre à D. et connaissez un peu l'oeuvre d'André Gorz, vous serez probablement touchés par le voyage qui vous est proposé par Colyne Struyf. Sinon, on peut imaginer que cela vous donnera envie de mieux connaître l'oeuvre et le combat de l'homme que le théâtre aurait tenté de mettre à nu devant vous le temps d'un soir.

F.V.

Folie douce

F.V. — 2015-06-09T10:34:12Z

« Nasha Moskva », « Notre Moscou » est la tentative courageuse de mettre en scène toute une série de belles tentatives. Une phrase de Tchékhov semble servir de fil rouge à cette aventure : « Il n'y a pas besoin de sujet. La vie ne connaît pas de sujet, dans la vie tout est mélangé, le profond et l'insignifiant, le sublime et le ridicule. »

Première tentative visible : deux actrices et un acteur, Marie Bos, Estelle Franco et Francesco Italiano, commencent à jouer plus ou moins le texte de la pièce de Tchékhov « Les trois sœurs. Une pièce à douze personnages. » L'une des trois sœurs est jouée par un homme à barbe ; le décor tente à la fois d'être un salon et une salle en milieu hospitalier. Le ton est étrangement burlesque et l'on rit.

Seconde et troisième tentatives avortées qui vont donner le ton : celle de Macha, Olga et Irina, les trois sœurs, de retourner à Moscou sans y parvenir après le décès de leur père ; celle de Tchékhov lui-même d'avoir écrit il y a cent cinquante ans un vaudeville qui aura été accueilli comme un drame lors de la première.

Quatrième tentative : nos trois acteurs jouent aussi trois personnes enfermées dans un centre psychiatrique, Bernard, Edith et Sabine, qui semblent en train de s'emparer des personnages de la pièce de Tchékhov à moins que ce ne soient les personnages qui s'emparent d'eux. Pour Marie Bos, le choix de passer pour trois « fous » aurait à voir avec un désir de naïveté et permettrait de se dégager de présuppositions sur ce que doit être le théâtre aujourd'hui.

Cinquième tentative : inviter l'absurde, celui de Becket, à tisser des liens entre les situations, les personnages, les musiques, et occuper l'espace en maître des lieux.

Sixième tentative : nos trois acteurs tentent de témoigner de la difficulté de faire du théâtre aujourd'hui, de défendre un projet radical et ambitieux ; le résultat d'un travail d'improvisation et de réflexion lucide et approfondi.

Résultats : un étonnant voyage autour des trois sœurs, de la folie, du théâtre aujourd'hui, et de tout ce que votre générosité de spectateur voudra bien y trouver. Francesco Italiano y est émouvant et drôle, Estelle Franco touchante et juste et Marie Bos sait se montrer crispante à souhait et nous offrir d'en rire.

« Nasha Moskva » apparaît comme une audacieuse proposition théâtrale, parsemée de fortes trouvailles musicales et scéniques qui portent un récit entre délire maitrisé et mise en abysse de la détresse, de la folie… et de l'espoir. Le projet prend aux tripes et saute au visage plus d'une fois sans préavis. Les acteurs semblent en ressortir complètement sonnés sous les applaudissements, libérateurs pour tout le monde, d'un public qui semble avoir trouvé ce qu'il était venu chercher.

F.V.

Faire chanter Kafka

F.V. — 2015-05-22T17:26:10Z

« Kafka, les années Felice » est une œuvre musicale et un objet théâtral basé sur l'œuvre et la vie de l'un des auteurs mythiques de la littérature mondiale : Franz Kafka. Aujourd'hui, taper « Kafka » sur Google, c'est 22 millions de résultats en moins de 3 dixièmes de secondes, dans toutes les langues, de tout le monde, pour tout le monde. Mais faire chanter Kafka, personne n'y avait pensé. « Kafka, les années Felice » est une véritable réussite tant musicale que théâtrale, servie par une distribution éblouissante et une succession de pépites dénichées dans le monde sans fond de Franz Kafka ; c'est l'arrivée d'un spectacle qui devrait faire date.

Il faut bien dire que l'on ne voyait pas à priori ce qui aurait pu justifier une telle démarche. Xavier Mouffe, qui se définit lui-même comme un touche à tout, pensait initialement écrire une comédie musicale sur Kafka en allant chercher dans l'œuvre de l'écrivain de quoi composer des paroles. Son projet : démystifier Kafka « en le dépouillant de ses oripeaux néfastes » et rendre hommage « à un être sensible, humain, à la personnalité attachante, et dont les difficultés à aimer rendent l'être tellement universel et proche de nous » - le tout en musique.

Première réussite : le Kafka que nous avons finalement devant nous est effectivement attachant. Une réussite que l'on doit aussi et surtout à Anthony Sourdeau, qui semble être né pour chanter et jouer ce personnage. D'ailleurs, durant son audition, avec sa démarche si particulière et son cv si éclectique, il avait déjà conquis tout le monde. Quant à la musique, composée par Léa Petrasso, elle mériterait d'être écoutée pour elle-même grâce à la qualité des inventions que l'on peut y percevoir à de nombreuses occasions, en plus d'être interprétée au piano de mains de maître par Mariano Ferrandez.

Mais revenons au projet de Xavier Mouffe : producteurs et directeurs de théâtre sont intéressés par le projet mais suggèrent que celui-ci devienne aussi bien théâtre que musique. C'est au metteur en scène et réalisateur Alexis Van Stratum que Xavier Mouffe confie la tâche. La correspondance amoureuse de Kafka avec Felice devient finalement le fil rouge qui va guider l'aventure à travers l'œuvre de l'écrivain. « Il est amoureux d'une femme qu'il ne désire pas, il a peur du coït, il veut mais il ne veut pas. Son principal ennemi n'est autre que lui-même. » Alexis Van Stratum y voit « un personnage de fiction fascinant car il pousse à l'extrême et de façon essentielle une part sombre partagée par beaucoup d'hommes. (…) Ce qui est fascinant chez Kafka, c'est que dans ses lettres, il exprime ses sentiments avec la spontanéité maladroite d'un enfant. Il dit tout ce qu'il pense, même s'il ne s'agit souvent que d'une pensée irrationnelle guidée par l'émotion du moment. »

Seconde réussite : oui, on croit à tout cela durant les deux heures de spectacle - deux heures qui passent à la vitesse des ombres… et de la lumière. Et comme le souhaitait Alexis Van Stratum, le spectacle aide effectivement à réfléchir à la partie narcissique propre au sentiment amoureux, en chacun de nous.

Troisième réussite : on se laisse volontiers guider, à travers le monde fascinant de chair et de sang, d'angoisse et de peur, de Franz Kafka - si habilement même que le spectacle comblera aussi bien ceux qui ont lu et relu Kafka que ceux qui en ont à peine entendu parler et seront assez curieux pour venir voir et entendre ce qui s'y trame.

Mais que serait l'œuvre de Kafka sans sa relation à ses proches ? Et c'est là qu'advient la quatrième et magistrale réussite, collective, de ce spectacle : le choix des personnages, leur distribution, et bien sûr leurs interprétations tant jouées que chantées. On imagine en effet mal comment Antony Sourdeau en Kafka aurait pu être mieux entouré : Nicole Colchat, dans le rôle de sa mère, est criante de vérité et d'émotion, de tendresse et de possessivité exacerbée... de tristesse aussi. Paul Gérimon, avec son incroyable voix de basse - qui lui a valu pendant des années d'être soliste au Théâtre Royal de la Monnaie - est époustouflant dans le rôle du père. Il incarne la terreur qui s'ignore et l'impuissance qui veut tout figer autour de lui. Joseph-Emmanuel Biscardi en Max Brod, l'ami et confident, celui qui fera publier tous les textes de Franz après sa mort malgré l'ordre qui lui avait été donné de tout détruire, nous emporte par la justesse de son jeu et la réelle intensité créée avec Kafka. Il nous donne l'impression de le comprendre, de l'accepter, de le conseiller, et de l'aimer sans le juger là où nous nous en sentirions bien incapable. Et puis il y a les deux femmes de Franz, après sa mère, sans qui l'histoire n'aurait pas lieu : Léonor Bailleul, en Felice, qui arrive à rendre sympathique et touchant un personnage qui n'est pas censé l'être vraiment, sortant du rôle de la victime consentante pour nous offrir une palette de sentiments allant du burlesque à l'émotion la plus pure ; et l'autre femme, qui semble devoir représenter à la fois toutes les femmes que Franz n'aura jamais et peut-être aussi la seule femme qu'il aura connu bibliquement sans qu'elle ne soit une prostituée, interprétée avec brio par France Renard.

Au Théâtre de la Vie, le spectacle se joue à guichets fermés tous les soirs mais vous pouvez tenter la liste d'attente. Vous ne le regretterez pas. Serait-il fou d'imaginer « Kafka, les années Felice » devant des milliers de personnes, pendant des semaines, et des adaptations dans le monde entier ? Oui peut-être, mais peut-être pas...

F.V.

À fleur de peau

F.V. — 2015-04-30T11:05:51Z

Le Théâtre des Martyrs annonçait « L'homme qui mangea le monde » de Nis-Momme Stockmann, mis en scène par Georges Lini. Georges venait aux répétitions en vélo. Il s'est fait renverser par une voiture. Ce n'est pas du théâtre. « La Maison Éphémère » a donc été invitée à reprendre la pièce créée il y a deux ans et l'on comprend aisément pourquoi.

Lorsque deux hommes de théâtre se rencontrent, l'un camerounais d'une trentaine d'années, François Ebouele, et l'autre belge de plus de dix ans son aîné, Guy Theunissen, chacun arrive avec ses valises et son regard, son passé et ses clichés, ses espérances et ses combats. « Celui qui se moque du crocodile, n'a pas traversé la rivière », c'est la belle histoire d'une amitié, mise en scène par Brigitte Baillieux et Yaya Mbile Bitang.

Découvrir l'autre sans l'envahir, le respecter en ne passant pas tout son temps à se regarder dedans, c'est aussi une aventure initiatique, celle de la découverte de l'homme et de son continent, au fil de l'histoire avec un grand H et de toutes les autres aussi.

Autobiographies à fleur de peaux noires et blanches, au fil des sensations qui rapprochent et qui éloignent, des coups de gueule et des coups de cœurs. Découvrir et respecter la fragilité au fil des regards et des mots. Frotter nos différences pour s'y réchauffer un peu.

Si vous avez envie d'assister à une rencontre belle et vraie, généreusement humaine, ce spectacle est là pour vous, jusqu'à fin mai.

F.V.

Aimée à la folie

F.V. — 2015-04-24T13:31:01Z

Franchement, il y a quelque chose qui m'échappe. Créé il y a deux ans, Joséphina a eu du mal à être présenté par ici. Pourtant hier soir, aux Riches-Claires, c'était ovation debout.

Et cet accueil enthousiaste, est ce parce que l'on est d'emblée invité dans un monde où chaque geste banal parvient à nous surprendre ? Serait-ce plutôt parce que l'on passe du mime au cirque et du cirque à la poésie et de la poésie au mime dans un enchainement léger et jubilatoire ? Ou bien est-ce pour la générosité et la profondeur du regard sur le couple, au passé antérieur, au futur et au conditionnel, et toutes les émotions tendues à bout de corps, à coups d'échos et de cris, de petits murmures et de grands silences ? Est-ce parce que le rythme soutenu jusqu'au bout ne nous laisse pas une seconde de répit ?

Quelle que soit la raison, il doit bien en y avoir une qui vous donnera envie de vous rendre aux Riches-Claires le plus tôt possible et d'en parler autour de vous ; en tous cas je vous le souhaite. A découvrir jusqu'au 9 mai.

F.V.

Ma mère, cette héroïne

F.V. — 2015-04-24T10:52:49Z

Après L'homme du Câble et Toutes nos mères sont dépressives, Gazon, Nève et Cie clôturent leur trilogie maternelle en axant cette fois le propos sur le rapport entre une mère et sa fille. Un délicat moment de théâtre comme on les aime.

Il faut d'abord traverser la salle vide du Théâtre de la Vie et monter un escalier en colimaçon ; on parvient dans un petit salon aux grandes vitres opaques. Il n'y aura ensuite plus qu'à se laisser porter par le récit d'une femme qui nous prend à témoin. Elle a clairement besoin de nous et ça donne envie de savoir pourquoi.

Elle est la fille et sa mère, perturbée et triste, lumineuse aussi ; elle est celle qu'une petite fille appelle maman et qui la laisse appeler. Elle semble bien décidée à s'en sortir mais il faudra encore attendre avant de savoir comment. Son compagnon, le père de sa fille, nage pour deux et nous aide à respirer. Il devient loufoque et poétique lorsque tout semble gris.

Si l'empathie ne vous fait pas peur, si vous aimez passer de la stupeur au rire, vous redescendrez l'escalier en colimaçon sur la pointe des pieds pour ne pas réveiller la petite fille qui vient enfin de retrouver sa mère.

F.V.

Vague et sans remous

Dernier volet de la trilogie de Thibaut Nève sur les relations parentales compliquées. Cet homme multi-talents avait bien commencé avec L'homme du câble dans lequel il était arrivé à transcender la banalité. Avec Terrain vague par contre, on a l'impression de se perdre dans une histoire sans beaucoup d'intérêt où on se sent presque voyeur forcé.

Le tableau n'est quand même pas tout à fait raté. Surtout parce que Céline Peret relève le niveau avec une prestation étonnante de sincérité. Et aussi Quentin Marteau, dans son interprétation libre et très enfantine – presque burlesque - de Blanche Neige.

Pour le reste, on se demande un peu ce qui se passe devant nos yeux. Ca ressemble beaucoup à une tranche de vie familiale relativement plate qui s'étale sèchement, sans effet d'accroche. Ce ne sont rien d'autre que les rapports difficiles d'une fille avec sa mère et par conséquent avec sa propre fille.

Le pathétique social ressort par contre assez fort de cette pièce. Et il est aussi soutenu par une dramaturgie scénique un peu excessive à laquelle on ne doit rien reprocher, faute de quoi on n'aurait rien à se mettre sous la dent.

Peut-être un travail de réécriture s'impose-t-il ? Pour offrir davantage de contenu et d'énergie à une scénographie et un jeu pourtant eux très aboutis.

Samuel Bury

Chanter la politique

F.V. — 2015-04-22T10:30:37Z

Dans le cadre de Toernee General, le KVS et le Théâtre National nous invitent cette semaine à découvrir ce qu'il se passe « de l'autre côté de la frontière linguistique » avec « Revue Ravage » de Tom Lanoye et Josse De Pauw.

Si vous vous êtes déjà demandé à quoi pourrait ressembler un opéra de Shakespeare revisité par Brecht, « Revue Ravage » est fait pour vous, surtout au début. Vous y découvrirez un dirigeant politique en roi vieillissant, dans son environnement « tout ce qu'il y a de pas naturel », et la montée en musique de sa tragédie.

Si vous aimez le côté faussement léger et décousu des revues, vous vous laisserez assez facilement emporter pendant encore une bonne demi-heure par le coté « comédie musicale pour gens sérieux qui se soignent ».

À ce stade, une bonne connaissance de la politique flamande commencera à s'imposer. Si vous ne comprenez pas le flamand, vous vous serez habitués aux sous-titres, sinon vous risquez de vous demander si vous avez bien fait de venir.

Vous pourrez toujours vous accrocher aux numéros musicaux, regrettant qu'il n'y en ait pas davantage, et vous laisser captiver par l'intrigue, ou pas - le fils arrivera-t-il à succéder au père, comment va se comporter la femme, l'amante, le conseiller et le second ? - et la musique - y a-t-il encore quelques bons morceaux ?

À la première représentation au National, le spectacle était joué à guichets fermés mais certains sièges étaient devenus vides avant la fin. En clair, « Revue Ravage » a-t-il vraiment réussi à dépasser la frontière linguistique et s'adresser à un large public comme il le souhaite ? À chacun d'y répondre mais à entendre les réactions après spectacle, il est raisonnablement permis d'en douter.

F.V.

Ma mère, cette héroïne

F.V. — 2013-02-21T12:37:39Z

F.V.

Vague et sans remous

Peut-être un travail de réécriture s'impose-t-il ? Pour offrir davantage de contenu et d'énergie à une scénographie et un jeu pourtant eux très aboutis.

Samuel Bury