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Passion cours de bio remodelé sur la reproduction des orchidées (et des humains)

Marion Hermet — 2020-02-12T22:36:00Z

De la sexualité des orchidées est un décadent cours, pour ne pas dire forcément pièce de théâtre classique. Une proposition de Sofia Teillet qui sort, dans le bon sens, des sentiers battus.

Lorsque nous entrons dans le théâtre du Atelier 210, la ressemblance avec une classique salle de classe est flagrante. Sur scène, un bureau, une diapositive avec une orchidée affichée sur grand écran et Teillet sur scène, attendant l'arrivée des spectateurs – ou élèves – pour une éventuelle leçon de biologie. « Imaginez que vous avez eu Mlle Vincent comme prof à 12 ans » lance au début la comédienne et auteure de la pièce, bien prête à dépoussiérer ce foutu cours de biologie sur la reproduction.
Le cobaye en question ? Les orchidées. Cette classe d'une heure et quelques minutes tend davantage à un conférence-spectacle, sous un ton décalé et rempli d'exemples communs où tout le monde se retrouve. Le rythme est soutenu, sans temps mort. Ce qui rend le cours – pardon la pièce de théâtre – plus ludique et drôle à digérer.

D'ailleurs, revenons en à nos orchidées et à notre nature reproductive. Sans livrer d'éventuels spoils, « où l'insecte fait n'importe quoi, en déposant des débris de jambon dans le combiné de la reproduction des orchidées », quelques putchlines sont trouvées judicieusement. Petit à petit, l'histoire décadente de cette reproduction florale dans son environnement naturel, se déplace lentement vers celle des humains, où l'atmosphère est modifiée sans cesse par telle personne, telle action, tel lieu qui agit sur nous et vice versa.

Au delà de l'idée de présenter un cours de biologie loufoque dans une enceinte hors des bancs de l'école, Sofia Teillet éclaire la notion de la biodiversité humaine, à petite ou grande échelle, un sujet qui reste trop peu souvent mis en lumière. À la sortie de ce « cours », non seulement nous aurons appris des choses oubliées de nos cours de biologie de Mlle Vincent mais aussi rencontré le temps d'une soirée un petit vent de fraîcheur sur la scène théâtrale actuelle.

« Nous revisiterons ensemble les cours de biologie que nous avons eus enfants, tout en les approfondissant, et avec la joie de conscientiser ce que la plupart d'entre nous a oublié : quand on offre une fleur à quelqu'un, on offre en fait les organes génitaux d'un individu végétal. » Sofia Teillet

Work utopia has a awful price to pay

Marion Hermet — 2020-02-01T17:45:00Z

Dans une dystopie peu lointaine, la Belgique est devenue une république et les rêveurs n'ont plus de droit de cité, forcés à trouver du travail et à justifier toutes leurs recherches sous peine d'être déportés dans un camp d'assemblage de smartphones.

Certains parents, amis… ont dû peut-être vous dire un jour que les rêves ne seront jamais exaucés et qu'il serait mieux de trouver un job utile, loin des études et souhaits initiaux. Dans une utopie de plus en plus probable malheureusement, où la performance au travail est reine et les personnes sont désormais des séries de chiffres seulement, la Belgique – fictive - a adopté une loi rendant le travail obligatoire et les chômeurs – s'ils ne recherchent pas de job d'une façon hyperactive - blâmés jusqu'au bout, profil Facebook compris, quitte à être envoyé dans un camp de travail dans les Ardennes, à assembler des smartphones et autres appareils ménagers pendant une dizaine de mois et à même y trouver la mort.

Anna – jouée par la magistrale et excellente Sandrine Desmet – est une contrôleuse d'emploi totalement asphyxiée par la propagande gouvernementale : selon elle, les chômeurs sont des parasites, qui sont responsables de la crise économique de 2008 entre autre. Qu'en plus, certains méritent de rater leur vie pour faire de la place aux autres qui le méritent davantage. La tyrannie de cette contrôleuse est montrée sur son meilleur jour, quitte à avoir une interaction brutale – mais tellement bien incarnée - avec l'audience. Ce jour-là, après avoir ingurgité une boisson énergisante « infâme », elle doit contrôler Georges – porté sur scène par le très bon Hugues Hausman – un chômeur qui est sur le point de perdre ses dernières étoiles et d'être déporté. Au delà des absurdes idées qu'imposent la startup nation, couvert de bons arguments communicatifs souvent ridicules, les rêves sont mis en pause voire effacés, mais finissent de resurgir à un moment ou l'autre. Anna souhaitait devenir danseuse et Georges voulait une grande carrière dans le journaliste, aucun des deux n'a vraiment réussi à être en orbite leurs projets professionnels. Cela se ressent grandement dans le spectacle, où nous nous retrouvons témoins de scènes loufoques, simples, voire de nombreux flashbacks pour remodeler la destinée de Georges durant son entretien d'embauche. Pourtant, toutes ces scènes sont criantes de vérité : retrouver un semblant d'humanité et d'espoir dans ce monde de plus en plus fou qui ne connaît pas le sens des mots ‘algorithme' ou ‘dictionnaire'.

La pièce permet d'interroger pleinement notre société actuelle sous un socle théâtral, à l'heure où le chômage est devenu, pour un gouvernement, un fléau à démanteler sous toutes ses formes, quitte à rejeter les songes les plus fous de cette classe sociale parce qu'elle n'est pas légitime d'aller se la couler douce en week-end à Paris. Loin des clichés de la comédie sociale, le duo fusionnel sur scène porte bien le récit, voire à transposer la fiction dystopique avec la réalité.

Rwanda 94, une reprise exceptionnelle pour un témoignage de mémoire important

Marion Hermet — 2019-12-06T15:02:37Z

Dans le cadre du festival Rwandafrica au Varia, la reprise de la Cantate de Bisesero de Rwanda 94 constitue un moment fort du festival. Encore plus si nous évoquons la place importante de cette pièce dans le théâtre contemporain.

Plus qu'une simple pièce de théâtre, un immense travail minutieux pour des témoignages historiques ne laissant aucun spectateur indifférent. Au cœur de l'événement, le troisième génocide du 20ème siècle, faisant au Rwanda, entre avril et juillet 1994, entre 800.000 et un million de victimes, principalement des personnes d'origines « ethniques » tutsi et des opposants à cette immense chasse humaine. Dès l'année suivante jusqu'à la présentation de la création au printemps 2000, le Groupov, mené par Jacques Delcullverie, entreprenait cinq ans d'enquêtes et de recueils de témoignages de ceux et celles, qui ont vécu de près ou de loin, au drame.

Jacques Delculleverie était d'ailleurs présent pour introduire la partie live concernant La Cantate De Bisesero, les deux premières parties étant diffusées l'après-midi sous forme de film, à retrouver en DVD. Pour celles et ceux qui n'ont jamais vu le film, nous vous conseillons vivement d'aller y jeter un coup d'œil, aussi bien pour les témoignages de mémoire qui sont tant importants et capitaux pour comprendre le génocide et ses atrocités vécues, que pour la réalisation et la mise en scène de cette pièce, toutes deux importantes dans le théâtre de ces trente dernières années. La séquence d'une survivante, assise devant le public à raconter durant une cinquantaine de minutes, ce qu'elle a vécue : des premiers coups à la mort de sa famille, est un moment très fort, où personne ne sort sans être émotionnellement secoué, où la plupart peuvent ressentir la grande compassion qu'elle porte avec une force inouïe.

La troisième partie est pensée alors comme une partie musicale parlée. A cette occasion, un orchestre et un chœur parlé prennent possession de la scène durant près d'une heure, où au delà des témoignages racontés, le récit historique du génocide est raconté d'un point de vue externe. Cette partie est toute autant émotionnelle, tant que nous sommes happés par le récit, les voix portant ce dernier, racontant les drames survenus durant le génocide, tout en pointant du doigt à la fin, des auteurs de cet horrible drame dont certains sont toujours en liberté, sans être jugés de leurs actes. La pièce se referme sur la prononciation du nom de certaines victimes, femmes comme hommes, ados comme enfants. Ces noms, gravés pour l'éternité pour une transmission du drame aux générations futures. Nous sommes sortis de la salle, un peu sonnés par cette heure et le souffle coupé.

Plus qu'un simple exercice de mise en scène colossale et de travail dramaturgique profond, Rwanda 94 est une véritable thérapie. Nécessaire mais importante, où la force des drames historiques sont ornés des témoignages poignants et essentiels dans un acheminement dédié à la mémoire, afin que ce drame et les témoignages évoqués ne doivent être jamais oublié.

Pour prolonger davantage l'exploration de Rwanda 94, nous vous conseillons d'écouter l'émission Une Saison Au Théâtre sur France Culture (7 avril 2019), dédié à la pièce : http://www.franceculture.fr/emissions/une-saison-au-theatre/rwanda-94-reparation-et-rememoration
Rwanda 94, Groupov et Jacques Delcullverie.

Décadence au milieu du vide.

Marion Hermet — 2019-11-10T11:52:14Z

Dans cette pièce décadente et pleine de fraîcheur, nos deux héros venus des temps modernes parlent de la mort d'une manière importante et surtout, touchante.

Les premiers éléments au début du spectacle nous interpellent fortement : des rires enregistrés à l'ambiance Hélène et les Garçons, et une salle allumée grâce à deux grands néons suspendus en hauteur. Et débarquent alors, par la grande porte du fond, Tristan et Marceline. Elle avec sa grande cape pailletée, lui avec sa combinaison de cycliste. Avec pour décor, un espace vide et pourtant, qui fourmille tant de combinaisons possibles pour rendre Char d'Assaut vivant. Et c'est là que l'histoire commence, par une promenade autour du public, en traversant les portes.

La dernière création de Simon Thomas et de sa compagnie La Horde Furtive est un moment partagé entre la gravité de la situation et le rire. Parler de la vie et de la mort au théâtre n'est pas chose simple. Encore moins lorsqu'il s'agit d'inclure des éléments d'humour dedans, avec des variations sur le même ton. Pourtant, l'exercice qui peut être périlleux de base, s'annonce finalement comme une battle entre nos deux héros. Où se mélange tarte au citron au fin fond d'une salle et animal mort. Si, si, on vous le jure. Les deux acteurs portant la pièce au bout de leurs bras - Stéphanie Goemaere et Aurélien Dubreuil-Lachaud - réussissent à évoquer un sujet compliqué sous fond de jeu beckettien.

Un tas de références culturelles s'entremêlent durant l'acheminement de la pièce, qui en une heure, passe comme une lettre à la Poste : nous y notons notamment, au niveau de l'humour, des sketchs des Robins des Bois au podcast célèbre de Sophie Marie Larrouy, "A Bientôt de te Revoir" - qui reçoit des personnalités pour des conservations au parfum hilarant avec une pointe d'absurdité. Nous n'en dévoilerons pas davantage pour vous faire une propre idée, mais cela en vaut clairement la chandelle.

Nous nous fondons direct dans la pièce, dû à son accessibilité et à sa durée tous deux idéales. Ayant un rythme soutenu et sans temps mort, peu de place à l'ennui finalement. Ce qui n'est pas plus mal, puisque cette pièce est à aller voir absolument, même si vous n'êtes pas un-e féru-e de théâtre.

Un three women show inspirant !

Marion Hermet — 2019-10-20T13:29:40Z

Elles s'appellent June, Odile et Nathalie, et viennent d'horizons, de générations et de religions différentes. Un point commun les unit : c'est un trio de femmes badass qui parlent sans filtre de leurs vies quotidiennes.

Pièce tant acclamée durant la saison dernière au Théâtre de la Toison d'Or, c'est avec plaisir qu'on la retrouve pour une nouvelle série de représentations cet automne. Sisters, un three woman show drôle et calé dans notre époque, est littéralement un moment indispensable à aller (re)voir de toute urgence. Durant une heure trente, c'est un tourbillon sans complexe et sans filtres que nous propose le trio de choc, composé par Odile Matthieu, June Owens et Nathalie Uffner. Un tourbillon qui commence dans la meilleure des situations : se mettre en place pour un spectacle lambda, dans la décontraction la plus totale possible. Et dès lors, trois dialogues différents s'imposent.

Trois versions, remplies de références de la pop culture, allant de Greta Thumberg aux réfugiés. Chaque monologue est une invitation à découvrir la vie quotidienne de chaque héroïne. Nathalie, la juive, évoque son mari qui est à cheval sur la religion, et même un concert d'Enrico Marcias dont elle est a assisté avec ce dernier, par exemple. Odile, est une catholique bourgeoise qui accueille des réfugiés chez elle, pour occuper les nombreuses chambres secondaires. June se définit comme musulmane et lesbienne, et parle sans problème de la stigmatisation de sa religion avec un troisième degré assumé. Cette dernière quitte le plateau brusquement, mais « The show must go on ! », la bande se retrouve rapidement pour une fin style comédie musicale, au beau milieu d'une conversation sur les règles.

Les textes sont écrits par un trio – également – de choc : Myriam Leroy, Mehdi Bayad et Albert Maizel. Des récits bien montés, qui nous happent rapidement, tant au ton abordé qu'à l'humour 2.0 bien ficelé. Rapidement saisis par le jeu époustouflant des comédiennes, Sisters passe à une vitesse de croisière, indispensable pour passer un bon moment. Littéralement, c'est un spectacle qui donne une grande bouffée d'air frais, loin de l'actualité étouffante et des débats sans fond ni forme. Petit détail qui mérite d'être souligné : une playlist 100% girls, diffusées avant et après le show.

En soit, un three-women show nécessaire dans un monde morose, ultra féministe et même inspirant pour tous.

Les Envies Sauvages ou l'itinéraire fatal d'un couple moderne

Marion Hermet — 2019-10-14T13:07:00Z

Alice et Romain prennent le fou pari d'aller vivre durant un an dans une cabane au fin fond du monde, coupés de toute civilisation moderne. Une promesse qui ne tient finalement… pas.

Le synopsis est pourtant prometteur : un couple bruxellois décide de tout plaquer – boulot, entourage, vie quotidienne – pour aller vivre en Thaïlande, dans une cabane. Sans lien avec le monde extérieur, ni les réseaux sociaux.
Un tour de l'Asie en auto-stop –comme annoncé aux proches – transformé en un an dans un petit nid douillet. Conscients de leur amour et de cette opportunité, la relation entre Alice et Romain est pourtant remise en question maintes fois dans ces septante cinq minutes.

Elle – Sarah Dupré – est perfectionniste, adorable mais bien trop tranquille. Il – Thibaut Packeu – est très chiant, s'énerve vite, vraiment attaché à sa célébrité numérique grâce à sa chaîne YouTube.
Starification dont il compte bien profiter en filmant son aventure, accompagné de tutos pour être un bon survivant perdu au milieu de nulle part. Malheureusement, l'un de ses tutoriels va être perturbé par un promeneur en forêt... ce sera le début de la longue mais douloureuse chute pour les deux protagonistes, entre quelques instants de répit.

Nous nous retrouvons nez à nez avec une comédie de situation qui a son charme et sa durée idéale, mais qui possède également d'énormes défauts, et ce pour plusieurs raisons.
Le rythme de la pièce n'est pas forcément soutenu et quelques moments de flottement sont présents.
Les caractères des deux personnages sont souvent irritants, représentant bien une certaine idée du couple au quotidien, entre les moments de bonheur et les engueulades. Dans leur routine, Alice insiste fortement sur l'entretien de la cabane tandis que Romain est davantage concentré sur sa carrière de "youtubeur" nombriliste ou occupé à couper le bois. De manière désespérée, ils tentent de conserver les clichés de leur mode de vie urbain occidental en jouant chacun un rôle bien attribué... mais cela renforce le côté stéréotypé – et fortement cliché - de la pièce.
Bien que l'idée d'être coupé de la civilisation soit principalement représentée, des clins d'œil sont utilisés dans cette pièce pour rappeler que tôt ou tard, la bulle utopique finira par être éclatée. Des messages sur le répondeur venant des proches, des appels du banquier, les infos de journaux télévisés....leur monde les rattrape.

Les Envies Sauvages est un spectacle qui partait avec de belles attentes sur le papier, mais qui ne réussit pas à atteindre cependant ces objectifs. Et ce, malgré les bons points d'une comédie ayant pour morale principale : l'utopie est une idée parfois impossible à atteindre.

Les Envies Sauvages de Céline Scoyer, jusqu'au 25 octobre 2019 aux Riches Claires.

Qui a volé le téléphone du gérant de la station service ?

Marion Hermet — 2019-09-30T22:32:32Z

No One, la nouvelle création de la compagnie Still Life, nous plonge dans une comédie dramatique esthétiquement rétro, entre une pompe d'essence et le distributeur de boissons chaudes.

Aux premiers regards, la scénographie de No One correspond à une certaine étape obligatoire lors d'un départ de vacances : la station-service de l'autoroute. Roland, le gérant qui n'hésite à chanter du Mariah Carey durant son ménage, tient cette affaire depuis de nombreuses années. Or, cette nuit-là, il va vivre une histoire qui va tourner au drame. Un groupe de touristes et leurs accompagnateurs sont victimes d'une panne de bus quelques kilomètres plus loin. En arrivant au magasin, ils tombent dans un endroit quasiment coupé du monde : pas de réseau téléphonique. Juste un téléphone fixe payant, présent dans la boutique. Cependant, l'appareil disparaît sans raison apparente. Le groupe va devoir se résoudre à trouver un coupable, quitte à utiliser les méthodes les plus radicales.

Sophie Linsmaux et Aurelio Mergola, qui sont à la tête de cette mise en scène, ont fait le lourd pari d'en faire un spectacle totalement muet, misant sur la gestuelle et les comportements des comédiens, souvent marqués par l'excessivité. Une promesse bien tenue, mélangeant une situation quotidienne réelle – proche de Strip Tease - à la comédie humoristique. Le rythme de la pièce est fortement soutenu, et la durée de No One – une heure et cinq minutes – se laisse apprécier comme un épisode trouvé sur Netflix. Outre l'esthétisme kitsch des décors, qui nous renvoie directement dans un revival 90s, le groupe de touristes représente le cliché des vacanciers baladés de problèmes en problèmes. Parmi les figurants, une jeune mère, tentant de calmer son bébé, va devenir l'ennemi numéro une de ses camarades de jeu. Au delà de son rôle qui va, au fur et à mesure, devenir important : son interprétation est fascinante, touchant une grande palette émotionnelle afin de survivre dans une situation complètement délicate. Autres personnages qui nous ont marqués : le duo entre le conducteur et la tour manager, gérant le trajet. Une histoire de drague et d'assistance retardée finit par avoir raison des deux salariés et de leurs émotions à fleur de peau.

La succession des scènes prouve l'efficacité à une situation dantesque, résolue de façon dramatique, qui est à la hauteur du synopsis et de nos espérances. Sans être un grand coup de cœur, No One est néanmoins une pièce dramatique à l'humour bien ficelé, entre rires et surprises, qui se déguste sans modération.