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Cruel Printemps

Jonas Parson — 2018-04-29T12:14:02Z

Sur un terrain de terre battue, des adolescents se croisent et se confrontent à leurs désirs, leurs craintes et à cette montée de sève qui s'agitent en eux. Armel Roussel propose ici une version vivace et actuelle de la pièce de Wedekind, qui fut censurée dès sa parution. Tous les tabous de la société y sont traités, et si quelques-uns semblent désuets aujourd'hui, la pièce reste d'une actualité brulante. Roussel convoque douze comédiens et deux musiciennes à fouler cette terre, à s'y jeter et à la brasser à la recherche d'une Vie que le théâtre est à même de nous offrir.

Elle est belle, la rage et le désir de cette jeunesse qui en veut plus de la vie, dont la vitalité se fracasse contre la cruelle banalité d'un monde sans espoir. Un élan de jouissance cruelle que la pièce elle-même peine à contenir, laissant déborder des murs du théâtre cette énergie qui embarque le public avec elle. Tout au long du spectacle, les spectateurs ne se sentiront pas en simples observateurs froids et éloignés d'un spectacle qui se déroule dans l'espace séparé de la scène, mais comme au centre d'un fol manège de musique et de cris, de terre et de pluie. Armel Roussel nous fait sentir la pulsion de cette Vie inépuisable qui monte en nous comme une sève explosive à l'éveil du printemps.

Dans le Studio, difficile de savoir ou s'arrête le plateau et ou commence la salle, théâtre et vie s'entremêlent dans une exaltation des pulsions de vie et de mort qui traversent la pièce de Wedekind. Dès l'entrée dans la salle, les spectateurs sont accueillis dans une ambiance de fête par le duo Juicy. Ces deux jeunes bruxelloises, dont le premier album vient de sortir, se sont fait connaitre pour leurs reprises de tubes du hip-hop des années 90, et leur questionnement ironique de la place du corps féminin dans cette culture-là. Elles assureront une trame musicale tout au long du spectacle. En amenant dans la salle une énergie et une ambiance de concert, elles participent à cette fusion entre la vie et le théâtre que Roussel a si bien réussi à saisir dans cette pièce. Les comédiens ne se limiteront d'ailleurs pas au plateau, envahissant autant les sièges des spectateurs que les escaliers tout au long du spectacle. Moritz, Wendla, Melchior, personnages principaux de la pièce, semblent être conscients de n'être que des personnages de théâtre, mais ils en n'en démordent pas. Et quand, à la fin du spectacle, la tombe de Wendla – morte des complications d'un avortement clandestin- et celle de Moritz- qui s'est suicidé, rendu fou suite à son échec scolaire- sont dressés sur scène, les tombes voisines sont celles d'Ophélie- une des martyrs innocentes les plus iconiques du théâtre occidental-, d'Hamlet et de Roberto Zucco, clin d'œil à la pièce de Koltès qui fut la première mise en scène de Roussel.

Représenter l'adolescence sur scène est toujours une affaire délicate. Trop souvent, metteurs en scènes et acteurs adultes projettent une adolescence fantasmée qui rate le coche, proposant rien de plus que des caricatures allant du peu convaincant au carrément grotesque. Roussel et sa belle bande de comédiens taclent cet écueil avec brio, ne se laissant pas tenter par un désir de réalisme condamné d'avance. De l'adolescence, les personnages de Wedekind sur le plateau du National ont gardé l'urgence de cette vie qui s'exprime en eux, ce refus de s'accommoder des vies insatisfaisantes que semblent leur réserver leurs parents et professeurs. Mais aussi cette rage de se demander pourquoi ils sont là, ce besoin de demander des comptes à leurs géniteurs pour l'irresponsabilité de les avoir amenés au monde, alors que celui-ci n'est qu'une farce immonde.

Suicide, viol, avortement, prostitution : les thèmes qui traversent l'Eveil du printemps ne sont pas des plus tendres. Pour autant, ce n'est pas une pièce triste qu'a monté Armel Roussel, mais pour reprendre ses propres mots, « une comédie parcourue de tragique ». Sur scène, les corps s'entrechoquent, se dénudent pour tenter de mieux ressentir cette vie qui bouillonne dans leurs veines, pour mieux tenter d'éprouver ce monde qui s'offrent à eux. Dans le courant du vingtième siècle, un autre auteur, Artaud, rêvait d'un théâtre de la cruauté, un théâtre qui montrerait se sang qui bouillonne dans nos veines. C'est bien cela que Roussel et sa bande nous offrent ici.

Chorégraphie Digitale

Jonas Parson — 2017-12-14T12:54:21Z

A quoi pensons-nous juste avant de mourir ? Avec poésie et douceur, Cold Blood nous emmène dans une rêverie mortelle et mystérieuse, qui mêle cinéma et danse pour créer des tableaux qui feraient pâlir les meilleures équipes d'effets spéciaux.

C'est un spectacle de contrastes, d'abord. Contraste d'abord entre ces décors miniatures et ces mains qui viennent les peupler, y danser le boléro ou les claquettes. Contraste encore, entre la précision minutieuse, le contrôle léché des images projetées sur l'écran qui domine la scène, et la nonchalance et le bric-à- brac visible sur la scène, toute la vie externe aux séquences filmées.

Contraste finalement entre le sujet morbide du spectacle, et la beauté délicate des images qu'il propose.
Jaco Van Dormael et Michèle Ann De Mey unissent ici leurs savoir-faire personnels pour créer un spectacle de danse pour doigts, dansés dans une série de décors miniatures filmés en direct sur la scène, offrant au public l'occasion d'assister à la réalisation d'un film en live. Une véritable chorégraphie digitale, en somme.

C'est ainsi à un double spectacle que l'on assiste, celui tout d'abord des danses des doigts sur l'écran, offrant des images plus belles les unes que les autres, mais aussi le plaisir du « comment ça marche », en observant les artistes sur scène produisant ces images. Les doigts dansent, mais les corps bougent aussi, dans une chorégraphie involontaire mais nécessaire.

Thomas Gunzig signe le texte qui narre la pièce, nous emmenant à travers sept morts, sept réminiscences qui s'imbriquent, se suivent sans se ressembler, le texte appellant les images et les images s'appuyant sur le texte sans nécessairement l'illustrer de manière littérale. Les scènes plus explicites (dans tous les sens du terme, comme la danse des doigts strip-teaseurs) laissent place à des images plus abstraites, bulles d'encres dans de l'eau ou ombres floues de mains qui plongent dans l'eau.

Frisant souvent avec le kitsch, Cold Blood offre une heure et quelques de poésie et d'images saisissantes, avec son lot de trucs amusants et de références bien choisies- une interprétation parfaite du Boléro pour quinze doigts par exemple, ou un ballet en apesanteur aux notes de Space Oddity de David Bowie-, un spectacle beau et bien fait, mais peut-être un petit peu trop lisse et sous contrôle. Un spectacle pour tous ceux qui, enfants, faisaient danser leurs doigts le long des murets en allant à l'école.

Transquinquennal, quel exemple !

Jonas Parson — 2017-12-14T12:45:34Z

Si vous vous cherchiez à une célébration de la vie de Philip Seymour Hoffman, ou une pièce qui capitaliserait sur la fascination morbide liée à la mort de cet acteur culte, alors cette collaboration entre le sémillant collectif belge Transquinquennal et l'auteur argentin Rafael Spregelburd n'est pas ce qu'il vous faut. Vous y trouverez plutôt un jeu habile sur les codes du théâtre, des interrogations sur l'identité, sur les frontières entre la fiction et le réel, dans une pièce intelligente et ludique, featuring Godzilla et le père noël, si si.

Philip Seymour Hoffman, par exemple, fait se croiser dans un tourbillon délirant l'histoire de trois personnes, trois acteurs confrontés à leur image et leur identité. Au Japon, l'acteur Kyoshi Kou découvre dans une quizz télévisé une adolescente qui semble obsédé par lui, au point de connaitre des informations sur sa propre vie dont l'acteur ne se souvenait pas.
Pendant ce temps, Stéphane Olivier (véritable acteur de Transquinquennal), fait une expérience troublante lors d'une audition aux Etats-Unis, où l'équipe le prend pour Philip Seymour Hoffman. En rentrant chez lui, il réalise que tout son entourage le traite comme s'il était en effet l'acteur américain, et que Stéphane Olivier serait un rôle qui l'aurait englouti.
Finalement, le « vrai » Hoffman commence le tournage d'une saga
nanardesque, basée sur une histoire de bombe disparaissant dans la machine à rayon-x dans un aéroport, avant de se faire approcher par un groupe d'escrocs pour le coup du siècle : se faire passer pour mort, et se faire de l'argent sur la vente des images de synthèses dont le studio aurait besoin pour pouvoir continuer la saga…

« C'est un film du genre Philip Seymour Hoffman, quoi. Tout peut arriver. »
Qu'est-ce qui définit qui nous sommes ? Si ces trois figures se retrouvent chacune dans une crise identitaire qui lui est propre, les trois situations se définissent par l'importance de l'autre dans la négociation de son identité. Ce que l'on considère souvent comme une entité intérieure est finalement le fruit de tensions constantes avec son entourage, l'image que l'on projette, les relations que l'on tisse, au point que l'extérieur peut dès fois venir troubler ce qui semblait être une constante interne, cette identité à soi-même que l'on prenait comme acquis.
Stéphane Olivier, face à ses proches qui le traitent tous comme si « Stéphane Olivier » n'était qu'un personnage qu'il jouait, dans lequel le vrai lui, Philip – à en croire ses amis et sa femme- se serait perdu. Et Stéphane en arrive presque à les croire, tellement sa croyance en sa propre identité est ébranlée par les personnes qui l'entoure. De même, Kyoshi est ébranlé quand il se retrouve confronté à une personne extérieure qui semble le connaitre mieux qu'il ne se connait lui-même.

La pièce joue de cette question de l'authenticité, brouillant les pistes entre les différents niveaux de fictions en jeu sur scène. Que se passe-t- il quand un acteur qui joue son propre rôle côtoie un autre qui représente un personnage qui existe « vraiment », entouré d'autres personnages qui ont été créés spécialement pour la pièce ? Quel est le plus « vrai » de ces personnages, ne sont-ils pas tous des créations, des fictions que nous nous créons pour nous-mêmes, et que d'autres créent sur nous ?

Philip Seymour Hoffman est ainsi invoqué avec une tendresse désinvolte par Transquinquenal et Spregelburd dans cette fable en forme de mosaïque. L'acteur considéré comme l'un des plus grand de sa génération, qui enchainait les rôles dans des films médiocres et se comportait à l'inverse des attentes de la star-system. Tragique et hilarante, la vie et l'œuvre d'Hoffman est à l'image de cette pièce, qui offre aux cinq comédiens du collectif l'occasion de montrer leurs talents tant comiques que tragiques.
Et qui sait, peut-être que Philip Seymour Hoffman a vraiment été jouer le père noël pour
un enfant cancéreux, et qu'il vit en ce moment à Bruxelles, profitant de l'argent généré par ses films en se la coulant douce, sous le doux soleil Belge, par exemple…

Jan Lauwers, encore et encore

Jonas Parson — 2017-11-10T17:58:00Z

We are the people
Who never stop
We say flop and hop and hop and hop
We just go on and on and on and on…

Aller voir un spectacle phare d'un artiste majeur de la scène théâtrale contemporaine, rejoué presque quinze ans après sa première, est toujours un exercice qui remplit d'appréhension. Trop souvent ces spectacles ont mal vieilli, perdant de leur percussion. Ont-ils leur place dans le programme des théâtres aujourd'hui
S'il y a des spectacles qu'ils vaudraient mieux laisser entre les pages des recueils d'histoire du théâtre, La Chambre d'Isabella de Jan Lauwers et le Needcompany n'en fait certainement pas partie. Cette pièce musicale et dansée sortie en 2004 n'a perdue aucune de sa vigueur, à l'instar de l'incroyable Viviane de Muynck, qui joue le rôle central de la pièce. Jouissif, revigorant, grinçant par moments, cette pièce nous rappelle pourquoi Jan Lauwers et la Needcompany jouissent d'une telle renommée.
Isabella ne voit plus. Elle a 94 ans, et seule dans sa chambre, entourée de sa vertigineuse collection d'artefacts africains, elle parle aux morts, revisite sa vie. Celle d'une femme à l'appétit insatiable, dans un monde qui ne lui fait pas justice. C'est une vie de fantasmes et de mensonges, d'ivresses et d'amertume.
Neuf artistes se partagent la scène, entièrement blanche à l'instar d'un white cube de galerie d'art. Cette sobriété est contrastée par le foisonnement des objets de la collection d'objets africains, présentés par Jan Lauwers au début du spectacle comme un héritage de son père Felix Lauwers, mort deux ans avant la création du spectacle. C'est un peu un hommage à ce dernier que La Chambre d'Isabella. Felix, c'est le mystérieux prince du désert, père fantasmé d'Isabella. Il traverse la pièce, sourire légèrement ironique, et mouvements déliés. Un peu plus tard, c'est l'hémisphère gauche du cerveau d'Isabella ou encore sa zone érogène, interprétée par le narrateur du spectacle (« un évènement jamais vu dans l'histoire du théâtre ! »).
Jouant entre abstraction, éclatement et incarnation profonde, la Needcompany propose deux heures en compagnie d'Isabella qui ne laissera personne indifférent. A voir jusqu'au 11 novembre au Théatre National.