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VAYA CASA DE PUTAS !

Julie Lambert — 2015-01-13T11:37:21Z

Hijo de puta, cabron, maruja, a tomar por el culo,… sont autant de mots délicieux qui annoncent la couleur au spectateur et qui le confrontent immédiatement à cette ultime question : « Où suis-je tombé ? ». Eva Perón est un véritable bordel où tout sens (moral) se perd, mais qui a tout de même le mérite, par son surréalisme, de faire sourire les moins capricieux d'entre nous.

Cette pièce fait un portrait noir de la très célèbre Sainte-Evita Perón, au moment où, rongée par le cancer, elle vit ses derniers jours. Elle est entourée de ses proches qui vivent sa mort prochaine comme un banal fait divers.

L'intrigue aurait pu être intéressante : « Cancer réel ou coup d'état ? » si, du moins, elle avait été, un tant soit peu, palpable ! A moins d'avoir lu au préalable le résumé de la pièce, le spectateur n'imagine à aucun moment être le témoin d'une énigme policière mais simplement celui d'une scène de vie familiale. Mais, à vrai dire, il ne recherche même pas une histoire, tellement il est frappé de plein fouet par la sur-agitation sur le plateau et l'excentricité des personnages. Ceux-ci, tous incarnés par des hommes, sont travestis en tenues souvent légères pour les dames et complètement délurées.

Oui, Eva Perón est un véritable bordel !

Tout le monde court dans tous les sens sans raison apparente, pousse des cris stridents, s'insulte, se frappe, se gifle, se bouscule, se trahit. Tantôt Eva parle en français avec un accent espagnol pas toujours au point, tantôt elle parle en espagnol et devient alors subitement incompréhensible pour une partie du public, tantôt elle maîtrise son accent. Les dialogues n'ont ni queue ni tête : on passe du coq à l'âne, de la tendresse à la violence, de l'agonie à la joie de vivre !

Bref, autant de paramètres qui font que le spectateur se sent complètement perdu : « Qui est qui ? Qui fait quoi ? ». Il ne comprend pas. Il ne sait pas où il est et où on l'emmène !
Ce manque de cohérence total laisse perplexe et amène un questionnement en plein spectacle : Pourquoi ce choix de mise en scène ? Pourquoi ce type de costumes, des chansons chantées avec l'original en arrière-fond, ce dénouement ? Le spectateur est confus, il a donc du mal à y croire !

Dans ce genre de situation, deux choix s'offrent alors à lui : soit, il décroche complètement, se condamnant à regarder sa montre toutes les dix minutes et à bailler entre les coups ; soit, il décide, dans sa quête effrénée de sens, de lâcher-prise et de se laisser emporter par cette satire déjantée ! Dans le cas où il opte pour la seconde option, le spectateur se surprendrait bien à sourire de plus en plus et même, à la surprise générale, à ressentir une once de sympathie pour ces personnages aussi hystériques qu'odieux !

En conclusion, pour passer un bon moment, il ne faut pas venir voir cette pièce avec d'immenses attentes : on n'en ressort pas plus informé sur Evita Perón ou l'Argentine, on ne retire aucune leçon de vie, on ne tressaillit pas de suspense ! Par contre, si on ferme les yeux sur le chaos infernal tout en se laissant aller à la folie ambiante, on en ressort, certes interloqué, mais aussi le sourire aux lèvres !

Un divorce émotionnel

Julie Lambert — 2013-11-05T11:46:01Z

Cette pièce de Alan Ayckbourn, mise en scène au Théâtre Royal des Galeries par Martine Willequet, rassemble 6 bourgeois moyens, autour de thèmes aussi joyeux que les frasques du couple ou mort. Le temps d'un après-midi, le spectateur est plongé à brûle-pourpoint dans le vide de leur vie. Le manque se fait en effet ressentir à différents niveaux : « Mariage et conséquences », un vaudeville qui respecte sa définition par son absence d'intentions psychologiques ou morales, mais qui s'en écarte par son manque de grivois rebondissements et de dénouements impressionnants.

Un thème actuel sur les rapports hommes-femmes, un appartement contemporain, une réunion entre amis : le décor est planté et semble annoncer un moment de pur divertissement, frappé d'une intrigue, de coups de théâtre et d'éclats de rire. Mais la réalité risque de tromper les attentes du spectateur.

Effectivement, le sujet est lancé d'emblée, sans user de subtilité, de sournoiserie, ou de quiproquos, autant d'éléments qui font le charme d'une comédie de mœurs. Le public est directement averti des problèmes qui occupent les personnages : adultère et trahisons. Ceux-ci sont interprétés d'une façon caricaturale et stéréotypée, ce qui enlève à l'histoire une part de réalisme et de profondeur. En effet, l'épouse crie ouvertement ses soupçons à l'égard de son mari. Ce dernier ne dissimule pas son indifférence et son mépris vis-à-vis de sa femme. La maîtresse clame sans gène ses infidélités. Bref, pas d'harmonie de façade ni de comique de situation pour faire passer le message des conflits conjugaux.

Bien entendu, quelques blagues, souvent prévisibles et parfois redondantes, font sourire, mais jamais la porte ne s'ouvre sur la comédie burlesque. Par conséquent, ce manque d'authenticité et de finesse rend difficile l'identification et l'attachement aux personnages. De plus, les quelques longs monologues placent le spectateur, un peu ennuyé, dans l'attente d'un d'un rebondissement qui n'arrive malheureusement pas. Il reste malgré tout en haleine, espérant (mais ce n'est qu'une illusion) une morale à la tombée du rideau.
À tout cela s'ajoute une mise en scène plutôt statique pour une histoire se prêtant pourtant aux claquements de portes, cris et autres des croisements en folie.

Là où nous pouvons quand même parler d'identification réussie est à la sortie du théâtre : à l'image des personnages, le spectateur a passé un moment à la fois de détente, de langueur, de rire, de confusion, mais n'en ressort pas transformé ni profondément touché.

Julie Lambert

Un amusant minestrone

Julie Lambert — 2013-04-27T09:24:44Z

C'est une Italie dans tous ses clichés que l'on retrouve dans la création de Sébastien Ministru : l'accent, le carrelage, la familia, Claude Barzotti, les traditions, la Madone, l'exubérance, la cuisine, tout y est. Cette mise à l'honneur de cette culture unique est interprétée sans complexe par des personnages tous singuliers et saugrenus en leur genre. Bien que nous assistions à une veillée funèbre, l'auteur choisit de faire de cette occasion un doux moment de divertissement !

Le lit de mort, les gerbes de fleurs, les dominances de mauve et de bordeaux, tout laisse croire que l'heure est au recueillement et à la nostalgie. En effet, Ciccio vient de quitter sa famille à la suite d'un arrêt cardiaque douteux. Ses proches, son compagnon, son frère, sa belle-sœur, sa sœur, son beau-frère sont à son chevet pour un dernier au revoir.
Mais très vite, que le spectateur ne s'y trompe pas, les supposées larmes laissent place tantôt au sourire, tantôt au rire.

Effectivement, entre les souvenirs du passé, les blagues à deux sous du beauf lourd et ringard, les secrets de famille, le carrelage Bello, les règlements de compte, l'hystérie de conversion de la belle-sœur homophobe pseudo italo-flamande, les démos de zumba de Silvana ou les crises de larmes de l'homo artiste contemporain frustré, le spectateur n'a pas le temps de déprimer.
Ces quelques lignes laissent d'ailleurs entrevoir toute la mixité, à la fois culturelle et comportementale, des personnages, et surtout leur excentricité. Chacun, à sa manière, participe à l'euphorie du spectacle.
Un coup de chapeau peut toutefois saluer les prestations de Laurence Bibot (Nancy, la belle-sœur) et Frédéric Nyssen (Eric, le beau-frère) qui, bien que singuliers, sont tout aussi déjantés.

L'originalité de cette pièce tient à la place du mort : bien qu'il soit décédé, Ciccio n'en demeure pas moins un personnage principal bien vivant ! A la manière d'un arrêt sur image, il devient l'interlocuteur privilégié du public pour ce qui est des précisions, descriptions, anecdotes.

Toute cette folle comédie tourne autour d'une intrigue liée aux circonstances mystérieuses du décès du bambino ; intrigue qui maintient la curiosité du public jusqu'à la dernière minute.

Dans cette création, Sébastien Ministru aborde en outre des sujets originellement graves tels que la mort, le racisme, l'homophobie mais en faisant le choix d'utiliser un ton léger, drôle et dérisoire, le spectateur retient principalement, de cette soirée, un souvenir agréable !

Julie Lambert

Quand la classe « Celestini » domine le monde du théâtre

Julie Lambert — 2013-04-26T09:39:00Z

Percutant, puissant, bouleversant : Ascanio Celestini et ses camarades frappent fort dans cette nouvelle création !
Du haut de leur estrade, ils giflent le public avec un message scandaleusement vrai sur notre société en crise. Ils donnent la parole aux dominants de ce monde ; une parole dénudée de nuances et de tabous ; une parole engageante et drôlement cynique, laissant au spectateur profondément touché un goût doux-amer de désespoir !

Pour commencer, une scénographie typique de l'auteur, élémentaire et nomade : quelques cageots en bois empilés dans un désordre organisé, déplaçables partout, une ambiance intimiste avec peu d'éclairage, et une mappemonde illuminée.
Soit un décor simple où l'acteur prend toute sa place !

Sa place, l'acteur la prend avant même le début officiel des festivités. En effet, David Murgia (acteur) et Carmelo Prestigiacomo (guitariste), à l'allure décontractée et sérieuse, sont déjà présents sur scène à l'arrivée des premiers spectateurs.
Cette introduction annonce de suite la couleur : le public fait partie intégrante du spectacle ! Les différents personnages ne vont pas l'épargner : ils vont l'impliquer de telle sorte qu'il se sente directement concerné et ne puisse pas s'en tirer indemne.

Effectivement, tout au long, le spectateur est percuté à la fois par des récits de personnes immorales, froides et inhumaines, par des discours politico-économiques d'hommes de pouvoir impitoyables et par des enregistrements sonores qui glacent. Cette alternance confère aux scènes un réel dynamisme et tient l'assemblée en haleine.
La dynamique est renforcée par la vitalité de l'acteur, illustrée notamment par son parfait débit de parole rapide, par sa forte implication dans ses rôles et sa sincérité. En accord avec cette énergie ambiante, Carmélo Prestigiacomo ajoute par le son de sa guitare une atmosphère dramatique.

Le cadre froid, violent, vivant et grave planté, il peut donc accueillir le texte criant de l'auteur : un texte très justement imprégné par le vécu de l'acteur ; un texte puissant par ses messages, ses métaphores, ses répétitions, son humour ; un texte, véritable reflet cynique et pessimiste des aberrations de la société actuelle.
En choisissant cette fois le parti de la classe dominante, Ascanio Celestini avec l'aide de ses collaborateurs, parvient toujours avec beaucoup d'humour et de poésie à ébranler la conscience collective du public, renvoyé à sa pauvre condition de peuple soumis et infantilisé.

Ascanio Celestini, en bon sociologue qu'il est, a donc réussi son pari avec cette jeune création. Par son art, il participe à l'ouverture des consciences politiques : une fois que les lumières tombent, le spectateur est certes désespéré par une telle fatalité mais ne peut que se sentir animé par un désir de changement ! Quand la classe « Celestini » marque le début d'une nouvelle révolution culturelle !

Julie Lambert

L'éveil du printemps : Un véritable éveil des sens

Julie Lambert — 2013-03-08T18:46:14Z

Cette nouvelle adaptation de « L'Eveil du Printemps » respecte avec justesse la griffe de son auteur, Franck Wedekind : provocation, violation des conventions, contestations des tabous sexuels, humour aussi grave soit-il, tout y est ! La metteure en scène, Peggy Thomas, a donc bien réussi son pari ! Elle parvient à faire jouer sur le ton originel, tantôt leste, tantôt burlesque, « la question existentielle, celle du chemin à tracer ».

Pendant deux heures trente, le spectateur est confronté à la terrible tragédie de l'adolescence, dans laquelle il tient, au même titre que les comédiens, plusieurs rôles. Plongé dans cette période de vie, il est le témoin de toutes ses composantes, des plus futiles aux plus dramatiques. Il est le confident de ses métamorphoses, son volcan de doutes, d'angoisses et de désirs. Il est victime, puisqu'impuissant, de sa souffrance et sa violence. Il est le réceptacle de ses sensations les plus étranges et paradoxales.

L'intrigue démarre sur un air de printemps. Le vert dominant et le plateau épuré apportent de la fraîcheur, synonyme de renouveau. Les personnages plantent donc le décor avec délicatesse : quelques confidences et débats sur l'essence même de la vie. Toutefois, ce n'est pas dans un petit jardin tranquille qu'ils vont nous emmener mais vers des pâturages de plus en plus noirs au fil du temps. Nous sommes au cœur du paradoxe si cher à l'adolescence.

Les comédiens se prêtent à une véritable mise à nu, crédibilisant encore plus leur discours. Le ton monte, s'intensifie, devient brutal, inquiétant, rendant palpable l'angoisse immense dans laquelle ces jeunes sont engouffrés. Cette oppression s'amplifie avec les tabous dont la puissance et l'impact sont si bien mis en exergue dans cette pièce. Le spectateur étouffe et peut même être en colère face à ces adultes, certes très mal à l'aise, mais si peu apaisants et reconnaissants.

La richesse de cette pièce tient particulièrement à sa justesse et à son équilibre. Tout d'abord, le jeu des acteurs est si sincère et profond que le spectateur ne peut pas ne pas y croire. Ensuite, l'adolescence est mise en scène dans sa représentation la plus exacte et complète : questionnements, sujets tabous, difficultés socio-affectives, éveil du désir, transformations physiques, adultes démunis, émancipation, angoisses, libertés, autorité, limites, interdits, paradoxes, tout est là, dans ses formes les plus extrêmes certes ! Pour terminer, Peggy Thomas a réussi à insuffler à cette œuvre pourtant si tragique un équilibre doux-amer, en mêlant les scènes dramatiques au chant, à la danse, et aussi à l'humour.

En conclusion, pendant deux heures trente, le spectateur confronté à cette caricature de l'adolescence torturée du XIXème siècle, est enchaîné dans un véritable tourbillon émotionnel : il est parfois triste, en colère, heureux, inquiet, offusqué, attendri, enjoué, angoissé, choqué, ravi aussi. En bref, dans ce jeu de l'identité et de l'existence, le spectateur, lui, trouve facilement sa place !

Julie Lambert

Pour petits enfants…et grands aussi !

Julie Lambert — 2013-01-11T12:54:25Z

« Les Royales Marionnettes, la compagnie qui se la pète » présente un spectacle familial de 45 minutes. Durant ce temps, les deux comédiens, le patron et son employée sous-payée, Babette, vont ranimer les pantins de bois qui sommeillent dans la vieille et imposante garde-robe. Que le spectateur ait 7 ou 77 ans, il va se laisser prendre au jeu ! En effet, ici, il n'y a aucune limite d'âge pour crier, supporter, rire, dénoncer, encourager, applaudir. Chacun trouve sa place dans ce pugilat familial et en ressort ravi !

L'animation débute dans la file d'attente : pas de temps à perdre pour s'amuser ! Elle se poursuit pendant la mise en place des spectateurs : les enfants, par terre, aux premiers rangs, les grands à l'arrière sur un banc, les tout-petits dans les jupons des parents pour mieux se cacher du méchant diable ! Pendant ce temps, Babette nous fait découvrir sa fameuse machine à bruitages ! C'est là qu'elle officiera principalement.

Ca y est : Tous les invités sont arrivés et installés, les présentations et explications sont faites, le décor est planté, le spectacle peut commencer ! Il est temps d'ouvrir la mystérieuse armoire en bois : place aux marionnettes !
Petit Louis, 9 ans, est le premier à rentrer en scène. En quelques minutes, l'intrigue est lancée : exaspéré par sa sœur pleurnicheuse, (Marguerite, 7 ans), Petit Louis émet le souhait qu'elle soit emmenée par le Diable pour ainsi avoir la paix à tout jamais ! Contre toute attente, son vœu est exaucé et le voici pris au piège par un diable, une sorcière, un dragon !

La trame, bien qu'ordinaire, est une formule qui marche, surtout grâce au jeu des comédiens : très vite la foule s'anime, la salle chauffe ! Et ça hurle dans tous les sens, ça dénonce, ça insulte ! Les enfants n'ont aucun scrupule et les adultes non plus d'ailleurs. En un rien de temps, les animateurs parviennent à faire du public un véritable complice du jeu, une partie intégrante du spectacle, ce qui en fait toute sa richesse !

L'action principale autour de Petit Louis et sa sœur est entrecoupée de règlements de compte entre les deux comédiens. Ces altercations ajoutent au spectacle de la diversité et surtout beaucoup d'humour. Malgré le caractère revendicateur de ces farfelus, ils n'en restent pas moins attachants pour le public. L'originalité tient également aux clins d'yeux politiques, très justement placés, clins d'yeux adressés bien entendu spécialement aux plus grands.
Et puisqu'un spectacle de marionnettes ne serait pas un véritable spectacle de marionnettes sans son héros traditionnel, c'est évidemment à Tchantchès que revient l'honneur du « happy end ».

C'est sur une belle morale concernant les rapports fraternels que se clôture cette pièce de théâtre bon enfant. Un peu trop tôt pour les grands mais à temps certainement pour les plus petits.

Julie Lambert

Du grand Filip

Julie Lambert — 2013-01-11T12:45:36Z

Les premières secondes plongent directement le public dans l'atmosphère d'un vieux cabaret parisien : ambiance feutrée, lumières tamisées, fumée dispersée. Un pianiste, un accordéoniste et un contrebassiste battent la mesure. Soudain, surgit dans un grand corps maladroit aux longs bras, la réincarnation de Brel. Le costume, la morphologie, les mimiques, la posture, le timbre de voix, la ressemblance est frappante ! La machine à remonter le temps est en route pour 1h30 de pur Jacques.

Nous écoutons Brel et pourtant c'est bien Filip que nous apercevons. En effet, l'artiste ne se contente pas d'une simple imitation de la Légende mais il y apporte sa griffe : c'est une véritable réinterprétation des textes de Brel, des plus connus aux plus discrets, qu'il nous offre. Le plus époustouflant est l'allure avec laquelle il enchaîne les morceaux : il passe du rire aux larmes en un rien de temps et emporte le public dans cette même cadence !

Filip Jordens nous propose aussi une merveilleuse occasion de découvrir ou redécouvrir la richesse et la profondeur des écrits de Jacques Brel. Il est dommage que la qualité du son abîme parfois la poésie. C'est donc avec exaltation, communiquée par la passion certaine de l'artiste, que les spectateurs revisitent le Plat Pays, Amsterdam, revoient La Fanette, Jacky, Rosa, goûtent aux bonbons et dansent la valse à mille temps.

On voudrait que jamais ça ne s'arrête mais toutes les bonnes choses ont une fin. C'est donc en toute simplicité et intensité que le grand Filip nous dit au revoir, sur une des plus belles chansons de tous les temps : « Quand on n'a que l'amour ! ». Et en effet, après un tel spectacle, c'est plus amoureux que jamais que nous sortons de Jacques Brel chanté par Filip Jordens.

Julie Lambert

Un vendredi soir à la maison !

Julie Lambert — 2012-12-06T14:48:43Z

« Le ventre des écrivains » est un projet qui met à l'honneur un auteur. La soirée s'articule autour de trois axes : des lectures de textes par l'auteur lui-même ou par des comédiens, de la musique et un repas choisi par l'invité. Ce 30 novembre à 20 heures, au Théâtre Le Poème, c'est au tour de Jean Louvet d'être célébré. Au menu du jour : lecture de morceaux extraits du 3ème recueil Théâtre 3, du jazz et un couscous royal !

Nous connaissons tous, surtout à l'approche de l'hiver, ces vendredis soirs qui nous retiennent chez nous, bien au chaud, au coin de la cheminée. Le programme est souvent celui-ci : on enfile un vieux pilou et de gros chaussons, on se prépare un plateau-tv, on lance un dvd vu et revu, pour terminer, sous le plaid, recroquevillé dans le divan. Un vrai moment bonheur, durant lequel on se sent si bien chez soi !
Et bien, c'est cette même sensation que je perçois, ce vendredi soir, au théâtre Le Poème, à la différence près tout de même que je ne porte pas de pyjama !

En effet, tous les ingrédients sont là pour que je me sente comme à la maison : la proximité, la chaleur, la complicité, bref la convivialité règne en maître toute cette soirée. Il faut dire que le décor intime et charmant de la salle s'y prête à merveilles.

« Le ventre des écrivains n°4 » célèbre les 50 ans de publication de Jean Louvet. C'est donc à une soirée d'anniversaire, en petit comité, que je suis conviée. Seuls les plus grands fidèles de l'auteur sont présents, et pourtant, moi, l'étrangère, je me sens des leurs.
Je suis installée à leur table, cette immense table qui nous réunit tous, et je m'apprête à partager avec eux, le temps de quelques heures, un délicieux bouillon de culture.

Musique et interprétation alternent : là où les jazzmen soufflent sur scène un vent de légèreté, les comédiens imposent un véritable ancrage. Ils n'ont encore dit mot que le poids des idées est déjà palpable. C'est dans un silence de plomb que chacun de nous boit ces paroles ; paroles qui parlent de la vie, de l'intériorité des êtres et qui, par conséquent, touchent tout un chacun.

Entre les coups, ça reste toujours un régal : des rires et des échanges autour d'un repas amical et un verre de vin rouge, le tout couronné par la parfaite maîtresse de maison, Dolorès Oscari. L'orchestre clôture le bal, tout en humour, avec une reprise de Boris Vian. Et pour terminer la soirée en douceur, quoi de mieux qu'un dessert ?!

Rassasiée de tant de gourmandises, je quitte mes hôtes. En effet, après un réel moment de bonheur, il est temps de rentrer chez moi, pour enfiler chaussons et pyjama !

Julie Lambert

Un paradoxe de qualité !

Julie Lambert — 2012-11-20T12:31:41Z

Pour le plus grand bonheur du spectateur, Denis Podalydès réussit là où Monsieur Jourdain a échoué : en véritable chef d'orchestre, il parvient à faire danser le sobre et le burlesque, le classique et le contemporain, le ridicule et la tendresse, la simplicité et l'extravagance, pour créer un univers enchanté où rires et folies tiennent les rôles principaux.

Le premier tableau, d'une trompeuse simplicité, annonce très vite la couleur : c'est à une fête flamboyante que le spectateur est convié. D'une part, les arts de tous styles se disputent et s'entremêlent, sous des lumières d'ocre et de cuivre, au rythme d'airs élégants ; d'autre part, les personnages, sérieux et loufoques à la fois, défilent dans des étoffes féériques et somptueuses, le tout ficelé avec beaucoup d'humour.

Et puis il y a ce fameux Monsieur Jourdain, si justement interprété ! Cet homme, investi dans sa mission de culture, est ridicule et tellement drôle qu'il en devient attachant. Il l'est d'autant plus qu'il n'hésite pas à interagir avec le public, faisant de lui, du coup, son allié.

Avec la deuxième partie, le ton monte et la folie aussi. Elle est à son apogée avec l'arrivée désopilante des turques. A partir de là, les artifices explosent dans tous les sens sans que le sens, par contre, ne se perde.

Après une telle œuvre qui ravit tous les cœurs, on ne peut s'empêcher d'avoir une petite pensée pour ce pauvre Monsieur Jourdain : s'il avait eu l'aubaine de naître quelques siècles plus tard, Podalydès gentilhomme aurait très probablement réussi à lui faire entendre la culture !

Julie Lambert