Demandez Le Programme

Manettes de jeu selon Morphée

Laura Bejarano Medina — 2016-10-26T13:43:17Z

Compagnie emblématique du théâtre jeune public, la Compagnie des Mutants a posé ses valises aux Riches-Claires, impatiente de nous entraîner dans sa Cyberchute. Née de la plume de Dirk Opstaele et coproduite avec L'Ensemble Leporello, cette création ingénieuse nous emmène au cœur d'un périple onirique, à la fois décalé et engagé.

Attachez vos ceintures pour un décollage aux confins du temps et de l'espace. La compagnie des Mutants vous emmène aux quatre coins de la Belgique et au-delà ; d'une villa bourgeoise à Uccle, à la mer d'Ostende, au détour d'une rue de La Louvière où grondent les colères d'aujourd'hui, en passant par un boulevard parisien qui nous rappelle les révolutions d'hier. Pas besoin de grands artifices pour être transporté. L'imaginaire suffit. Sans décor, la scène prend vie au rythme des péripéties délirantes de quatre personnages attachants. Ils sont à la fois les porte-paroles des Indignés du monde entier et les surréalistes représentants de notre belgitude bien aimée.

Cultivant des ambiances sonores, presque électriques, où se mêlent chant, doublage voix et musique, Cyberchute joue d'effets comiques créatifs. Dans cet univers burlesque, les vêtements se transforment, les personnages de jeux vidéo semblent s'évader de la Playstation, l'obscurité nous éclaire et les cordes vocales n'en font qu'à leur tête. Et pour cause, Cyberchute renvoie au domaine du rêve, celui que l'on subit sans pouvoir y échapper, celui du rêve dans un rêve, qui nous égare et nous déconnecte de la réalité.

Funambule, la Compagnie des Mutants se balance avec humour sur le fil du conscient et de l'inconscient sans perdre de vue son message politique et social. La crise économique, la violence, le réchauffement climatique, les réfugiés, les inégalités sociales ou encore la suprématie des nouvelles technologies sont autant de thèmes abordés en filigrane dans cette création explosive.

Éclatant, truculent, Cyberchute s'adresse tant aux jeunes générations qu'aux amateurs d'aventures loufoques. En brouillant les frontières entre rêve et réalité, virtuel et réel, la Compagnie des Mutants tente d'éveiller notre société en sommeil et nous offre un spectacle surprenant par sa forme et son actualité.

Laura Bejarano Medina

Soif de justice

Laura Bejarano Medina — 2015-10-28T13:03:06Z

Réécriture moderne de l'Antigone de Sophocle, Crever d'amour naît de la plume engagée d'Axel Cornil et du regard habile de Frédéric Dussenne. Réunissant une équipe d'acteurs belgo-africains dans l'espace brut du Rideau de Bruxelles, le metteur en scène revisite la tragédie antique à travers les cris de révolte et de désir d'une jeunesse sacrifiée.

Un autre temps. Un autre endroit. Une même colère qui gronde. Nous ne sommes pas à Thèbes mais dans un pays d'Afrique, au lendemain de la guerre civile. Alors qu'un nouveau régime se met en place, la paix résonne dans les rues en fête. Sur les ruines encore tremblantes du champ de bataille, les jeunes hommes, avides de jouissance, se saoulent du corps des femmes et de plaisirs violents. Sourde à ces éclats de joie, Antigone s'enferme dans le deuil et la colère. Pour offrir une sépulture à son frère, ennemi de la cité, elle s'acharne seule contre les lois, portant sur ses épaules insoumises le poids de l'histoire et du sacré.

Crever d'amour se dévoile dans une forme brute et poignante. Sur une scène nue, dépouillée de tout artifice, les personnages apparaissent, s'éclipsent, se cherchent et se chassent, à mesure que les bruits étranges et les voix éclatent, brisant le profond silence. Désireux de proposer un langage contemporain au mythe antique, Frédéric Dussenne porte à la scène un chœur de jeunes issus de la diaspora africaine. Dirigé par le chorégraphe Serge Aimé Coulibaly, ce chœur moderne prolonge une parole par le mouvement des corps débridés ou brutalisés, qui s'unit en harmonie aux mots déchirants du talentueux Axel Cornil.

D'une saisissante beauté, le texte du jeune auteur montois fait résonner la rage et la douleur d'Antigone, prête à tout pour étancher sa soif de justice. À travers les thèmes de l'engagement et du sacrifice, Axel Cornil et Frédéric Dussenne nous parlent des jeunes générations d'aujourd'hui. Soutenus avec intensité par des comédiens belges et africains, les personnages sont ici animés du désir ardent d'être aimé, de jouir, d'être libre, de changer, de se souvenir ou d'oublier.

Véritable éloge à la parole, Crever d'amour enivre par les mots et les silences qui transpercent les murs du Rideau de Bruxelles. Malgré quelques longueurs, cette tragédie cruellement actuelle interroge avec brio les valeurs et les croyances de notre civilisation occidentale.

21 grammes

Laura Bejarano Medina — 2015-05-11T09:54:53Z

A sa sortie du Conservatoire de Bruxelles en 2001, Vincent Lécuyer s'essayait pour la première fois à l'écriture d'une courte pièce de théâtre. Comédien de formation, il décide de prendre la plume pour insuffler un cri de révolte qu'il ne trouvait pas dans ses lectures. De retour avec une nouvelle version de Petite âme, il questionne avec humour, fantaisie et cruauté la notion de liberté individuelle dans notre société.

Prisonnière d'une famille étouffante et d'une vie dont elle veut s'échapper, Eunisa décide contre toute attente d'épouser Erik, l'idiot du village qu'elle a d'ailleurs essayé de noyer dans la rivière quand ils étaient enfants. Depuis cette mésaventure, le pauvre garçon a perdu la raison et son père, mort en tentant de le sauver des eaux. Elle ne l'aime pas. Tout la sépare de cette "petite âme" qui a, dit-on, de l'eau de rivière dans les rigoles du cerveau. Et pourtant, en ce grand jour de fête, jour où elle a dit oui comme si elle avait dit non, le spectateur va être pris à témoin de cette union improbable.

Petite âme prend place dans un décor audacieux et décalé où les tuyaux de plomberie communiquent du sol au plafond et où les armoires dévoilent leurs trésors derrière des portes invisibles. Dans cette ambiance rythmée par la danse et la musique, les discours alcoolisés deviennent aussi écœurants que les restes du gâteau de mariage délaissé. Eunisa, jeune fille rêveuse et hautaine, s'éclipse alors de la fête, lassée par l'attitude de sa famille et de son mari.

A travers ce conte sans fée, Vincent Lécuyer donne vie à six personnages qui vont et viennent, se cherchent, se retrouvent et se perdent à nouveau dans un méli-mélo d'éclats de voix et de silences brisés. Alors que la jeune mariée se fige dans ses pensées, mari, oncle, tante, cousine et belle-mère gravitent autour d'elle dans un mouvement perpétuel, révélant à certains moments leurs blessures et baignant à d'autres dans une excentricité comique. Avec un cynisme mordant, le metteur en scène crée l'inattendu au milieu des banalités et entraîne ses personnages dans des situations grotesques, en les affublant de costumes tape-à-l'œil et ridicules qui ne manqueront pas de faire sourire.

Affaibli par un déséquilibre entre le fond et la forme, Petite âme souffre parfois de longueurs, de redondances et de répétitions qui encombrent l'histoire et alourdissent la mise en scène. De temps en temps, un jeu excessif et criard met à mal la crédibilité de certaines émotions et entrave l'écoute du texte, comme sa compréhension. La qualité d'écriture de Vincent Lécuyer et la profondeur de son discours deviennent alors plus difficiles à saisir.

Cependant, à l'approche d'un dénouement puissant et émouvant, les grandes questions refont surface et nous invitent à réfléchir sur notre épanouissement, sur notre manière de vivre libre dans un monde où tout semble nous être imposé. A l'image de ces "grandes" et "petites" âmes, sommes-nous engourdis dans la peur et la bêtise ? Sommes-nous définis par notre famille, notre histoire, notre éducation, nos traditions ? Sommes-nous façonnés par ce que les autres attendent de nous ? Et surtout, pouvons-nous nous dépasser, choisir la liberté et nous envoler ? A méditer...

Laura Bejarano Medina

Quête de sens

Laura Bejarano Medina — 2015-05-07T08:31:11Z

Désireux de revaloriser le répertoire anglo-saxon au sein de la programmation du Rideau de Bruxelles, Michael Delaunoy a choisi de rendre hommage à l'un des plus grands auteurs postdramatique du théâtre anglais. Avec sa création de La Ville, le metteur en scène et directeur de théâtre porte à la scène la langue incisive de Martin Crimp à travers un spectacle mystérieux et détonnant.

S'imprégnant d'une atmosphère feutrée et impersonnelle, à l'image d'une salle de meeting ou d'une chambre d'hôtel, La Ville prend place sur un plateau nu recouvert de moquette. C'est dans cet espace aseptisé, fermé sur un côté par une bâche en plastic translucide, que s'échangent les banalités d'une journée de travail enfin terminée.

Clair et Chris sont pris au piège d'un quotidien standardisé et rythmé par leurs professions respectives. Elle est traductrice, lui travaille dans une grande entreprise. Malgré les apparences d'un bonheur conjugal indissociablement lié à la réussite matérielle, le couple semble battre de l'aile. Alors que Jenny, leur voisine infirmière, arrive inopinément pour se plaindre des enfants qui crient trop fort dans le jardin, les bavardages et le ton des personnages deviennent de plus en plus étranges. Au fur et à mesure que ces brides d'histoires et de vies s'entremêlent et se rejoignent, le metteur en scène plonge le spectateur dans un univers décalé et artificiel, l'incitant à laisser libre cours à son imagination pour esquisser sa propre interprétation.

Spectacle indéfinissable et presque indescriptible, La Ville se construit sur le fil d'un discours énigmatique qui frôle le surréalisme et se nourrit d'un sentiment d'étrangeté. Le manque d'empathie des personnages, l'absurdité des situations et des échanges flous, où les questions demeurent sans véritables réponses, où parfois les mots paraissent prendre un autre sens que celui qu'on leur donne, sont autant d'indices d'un mystère à découvrir, d'un langage à décoder.

Multipliant les moments où le temps semble suspendu, Michael Delaunoy cultive l'art d'intriguer et surprendre. Une nouvelle apparition, un changement de costume, un accessoire au sens encore caché viennent renforcer cette impression d'une réalité déformée et flottante. La quête de sens se poursuit au travers des attitudes des personnages, du jeu des comédiens, tantôt engagés, tantôt en distance. Perdus dans leur vie intérieure, Clair et Chris reflètent avant tout une parole vivante et un besoin viscéral de se débattre pour se sentir exister.

Avec humour et cynisme, La Ville porte une réflexion sur nos idéaux et nos solitudes forgés dans une société à la fois déshumanisante et déshumanisée. Ici, les désordres de l'intime font écho à la violence universelle. Soutenu par un processus narratif subtil et étonnant, le mystère prend fin à l'instant où les pièces du discours de Martin Crimp s'assemblent en un puzzle qui bouscule nos attentes. Et tout devient profondément clair ou presque…

Laura Bejarano Medina

Folie meurtrière

Laura Bejarano Medina — 2015-04-04T07:53:26Z

Fort du succès de son très remarqué Hamlet (saison 2012-2013), Michel Dezoteux réinvente l'espace scénique du Petit Varia pour présenter le deuxième volet de son triptyque sur l'art et la folie. Avec Woyzeck, œuvre fragmentée et inachevée de Georg Büchner, le metteur en scène nous emmène, avec une puissance bouleversante, à travers les méandres d'une pensée torturée, donnant voix et corps aux troubles de notre humanité.

Dés l'ouverture des portes, alors qu'une atmosphère froide et obscure envahit la pièce, quelques notes d'harmonica résonnent contre les barreaux et les grilles métalliques qui entourent la scène. Ce réseau de cages et de portes grillagées, par lesquelles les personnages de Büchner entrent, sortent, se protègent ou s'échappent, nous renvoie indéniablement à l'image de la prison, symbole de la prison mentale dans laquelle Woyzeck est enfermé.

Franz Woyzeck est un homme simple, un soldat sans histoire. Il vit avec Marie, mère d'un jeune enfant qu'il prend pour sien. Pour subvenir à leurs besoins, il se met au service du capitaine de la garnison et devient le cobaye d'un médecin douteux. Mais se sentant sans cesse rabaissé et coincé dans une vie qui lui échappe, il finit par céder aux voix qui, devenues de plus en plus fortes, se bousculent dans sa tête et brouillent son esprit. Lorsqu'un jour, il soupçonne Marie de le tromper avec le tambour-major, il se laisse emporter par la douleur et bascule dans sa folie naissante.

Composé d'un puzzle de traductions et d'extraits coupés, combinés ou réorganisés, le texte de Woyzeck devient matière à une véritable adaptation où les scènes se suivent sans lien chronologique ou géographique, laissant au spectateur une grande liberté d'interprétation. Pour plus de profondeur, le spectacle est entrecoupé du monologue de l'ascenseur de Heiner Müller (interprété par l'intense Fanny Marcq). Cette insertion d'un récit dans le récit initial enrichit la représentation d'une dynamique de jeu nouvelle, qui multiplie les tableaux et dont les interventions font écho au drame de Büchner.

Baignant dans un univers sonore et visuel affolant, où les lumières et les chansons de Music-Hall, le blues de l'harmonica, les voix déformées et les cris de bébé deviennent autant d'interférences au discours fragmenté du soldat allemand, Woyzeck plonge le spectateur au cœur d'une pensée divergente et contradictoire. Pris à témoin de ce désordre mental, le public ignore si ce qu'il voit ou ce qu'il entend est le fruit des hallucinations de Woyzeck, atteint de schizophrénie, maladie encore inconnue à l'époque. Soutenu par son équipe de comédiens fétiches déjà présents dans le premier volet (Karim Barras, Eric Castex, Fanny Marcq et Denis Mpunga) et de nouveaux visages (Inès Dubuisson et Azeddine Benamara), Michel Dezoteux nous fait voyager à travers l'ironie, l'étrangeté et la tranquillité inquiétante. Au fur et à mesure que ces personnages troublants et énigmatiques défilent, le mal-être de Franz s'intensifie et fait place à une folie grandissante qui donnera naissance à des moments forts et transperçants.

Dans le rôle de Woyzeck, Karim Barras travaille la folie qui l'habite en cultivant deux personnalités. Pour parfaire sa performance d'acteur, il cherche sa justesse de jeu dans la précision d'un détail ou le choix des nuances, que ce soit au moyen de dessins qu'il trace sur un sol faussement enneigé, de phrases dont le sens nous échappe, de pulsions, de mimiques atypiques, ou de réactions inattendues.

Spectacle percutant, Woyzeck bouscule nos attentes et nous emporte avec intensité dans les bas-fonds de la souffrance psychique. A l'image de l'Homme enfermé dans sa cage, de l'Homme enfermé dans son monde, Michel Dezoteux porte à la scène le génie de Büchner pour nous interroger sur la condition humaine, cherchant, le temps d'une histoire racontée, à donner du sens à nos limites et nos fragilités.

Laura Bejarano Medina

Chassés-croisés amoureux

Laura Bejarano Medina — 2015-04-01T08:57:23Z

Directeur de la Comédie Poitou-Charentes et metteur en scène renommé, Yves Beaunesne s'installe jusqu'au 4 avril dans la grande salle comble du Théâtre Le Public. Après avoir mis en scène On ne badine pas avec l'amour et Lorenzaccio, cet amoureux du théâtre classique continue son exploration de l'œuvre d'Alfred de Musset avec son adaptation délicate et légère de Il ne faut jurer de rien.

Une douce pénombre qui laisse apparaître un joli jeu de jambes et quelques pas d'une danse lancinante. Il ne faut jurer de rien débute dans une atmosphère flottante, où un décor épuré s'habille d'ombres et de faibles lumières propices aux conversations intimes et aux élans romantiques. Sur la scène agrémentée d'une immense structure murale en bois, un hamac cohabite avec quelques sièges d'époque. C'est sur ce plateau dépouillé d'excès et de redondance que les personnages, entrent, sortent, déambulent en costume du 19ème siècle, s'imprégnant de la langue de Musset avec finesse et élégance.

Valentin a 25 ans et mène une vie de débauche sans se soucier du lendemain. Son oncle Van Buck, qui couvre sans cesse ses dettes au jeu, le menace de lui retirer son héritage si Valentin refuse d'épouser Cécile de Mantes, une jeune aristocrate. Coureur du jupons et charmeur invétéré, le jeune homme s'oppose au mariage, connaissant bien le cœur des femmes. Selon lui, se marier signifie prendre le risque d'être trompé. Pour prouver à son oncle l'infidélité féminine, Valentin cache son identité et se rend au château, bien décidé à prouver qu'il séduira la jeune fille en huit jours et pourra alors rejeter une union avec une femme si facilement conquise.

Fidèle à l'état d'esprit de Musset, Yves Beaunesne nous propose une comédie romantique acidulée où amour et tromperie semblent indissociablement conjugués par les faiblesses des femmes. Ecrite à trois reprises, Il ne faut jurer de rien se veut le reflet des déboires amoureux d'Alfred de Musset, désabusé et trahi par son grand amour. Accompagné d'une distribution ambitieuse portée par Olivier Massart en oncle Van Buck généreux, bon vivant et bougon, le metteur en scène insuffle un désordre planant chez des personnages déjà troublés par les tourments de leurs sentiments. Les femmes y sont aériennes, perdues dans leurs rêveries ou leurs pensées, distraites. A l'image d'une baronne hautaine (Florence Crick) à l'esprit flottant ou d'une Cécile mystérieuse (Olivia Smets) absorbée par sa radio, elles sont hors de portée et semblent nous échapper. Les hommes y sont plus terre à terre, parfois déchirés entre la rigueur et l'audace, obstinés, pragmatiques, comme Valentin (Fabian Finkels), à la fois espiègle et nonchalant, ou le prêtre (Alexandre Von Sivers) dont le décalage et la simplicité font sourire.

Baignant dans cette ambiance vaporeuse et fluctuante, instaurée par une distance de jeu et un rythme lent, Il ne faut jurer de rien manque quelque peu de vigueur et d'intensité. Même si le spectacle gagnerait à plus de chaleur, il n'en demeure pas moins un bel hommage, un véritable éloge à la beauté, donnant vie aux mots de Musset à travers des échanges et des tableaux inlassablement gracieux et raffinés.

Laura Bejarano Medina

"What color is your flag when it burns ?"

Laura Bejarano Medina — 2015-01-23T13:58:11Z

Installée pendant deux semaines à l'Atelier 210, la compagnie La Loba revisite la pièce engagée et percutante de l'auteur roumain Matéi Visniec. Avec "Femme comme champ de bataille", Marie Hossenlopp porte une réflexion aiguisée et pénétrante sur les dérives du nationalisme, donnant vie à la parole des femmes, victimes ou témoins de la barbarie des hommes.

C'est dans un décor brut et lourd de sens que prend place le face à face poignant de deux femmes ravagées par la folie humaine. Brisant leur silence, une voix-off inonde la scène habillée de tableaux noirs suspendus, où les dessins à la craie, les plans, les listes de victimes et les textes d'analyse se mêlent au mobilier vétuste et aux vêtements entassés. Cette voix qui résonne est celle de Kate, une psychologue américaine en mission d'identification des charniers dans les Balkans. Anéantie par sa confrontation incessante avec la mort, elle décide de se consacrer au traitement des traumatismes chez les femmes victimes des conflits interethniques et tente de venir en aide à Dorra, une jeune femme enfermée dans son mutisme après avoir été violée pendant la guerre de Bosnie.

Porté par le duo de comédiennes Marie Denys et Sophie Jaskulski, "Femme comme champ de bataille" révèle deux écorchées vives liées dans la souffrance par la même impuissance face à la violence et la monstruosité des hommes. Alors que l'une veut comprendre, l'autre veut oublier. Alors que l'une s'accroche à la vie, l'autre veut se donner la mort et empêcher l'enfant d'un viol de venir au monde. Dans cette lutte aux espérances contraires, une relation s'installe au fur et à mesure que la parole se libère et que Dorra et Kate tentent de mettre des mots sur les atrocités. Animées par cet impétueux besoin d'exprimer leur révolte au cœur de l'intime, les deux femmes font éclater la beauté et la violence du texte de Visniec.

Soutenue par un subtil jeu de lumières et d'obscurité, "Femme comme champ de bataille" se nourrit également d'un univers sonore original, créé en direct sur scène par Florian Jubin, à la fois beat-boxeur et troisième personnage de la mise en scène. Malgré ce fond sonore inédit et inventif, cette interférence masculine dans un rôle effacé du spectacle et inexistant dans l'œuvre de Visniec, semble superflue ou porteuse d'un sens qui nous échappe, car si elle renforce l'ambiance sonore, sa présence au cœur dans la représentation déforce le propos d'une pièce qui n'a besoin ni d'effet ou ni d'artifice pour toucher le spectateur.

A travers le témoignage tantôt cru, cynique ou sensible des dangers du nationalisme et de l'intolérance, Marie Hossenlopp nous raconte la cruauté des guerres interethniques quand le sexe de la femme de l'ennemi devient un champ de bataille, lui-aussi. "Femme comme champ de bataille" nous heurte par un texte fort et émouvant, laissant un mal-être bouleversant se dessiner parmi les phrases écrites à la craie, l'écho de voix murmurées dans un micro, les silences pensants, les cris étouffés et les instants symboliques capturés comme des images que l'on veut oublier. Spectacle intense et déchirant, il nous renvoie au combat des victimes que le temps ne guérira pas, rejetant leur propre pays, sali à jamais par l'horreur et la haine de l'autre.

Laura Bejarano Medina

« Ils attendaient de vivre, ils attendaient l'argent »

Laura Bejarano Medina — 2015-01-13T10:09:42Z

En 1965, Georges Perec écrivait « Les Choses », roman dans lequel il trace le portrait de son époque en racontant la vie d'un couple de psychosociologues à l'heure de l'explosion de la consommation et du capitalisme croissant. 50 ans plus tard, avec « Ils tentèrent de fuir », Soufian El Boubsi et Joachim Olender s'inspirent de l'œuvre à succès de Perec et explorent, à travers une création intelligente, profonde et ludique, les mêmes questions et les mêmes constats qui perdurent dans un monde où tout a un prix.

Tout commence dans un décor dépouillé de tout artifice. Sur la scène nue, Nathalie Mellinger et Pierre Verplancken nous accueillent au Théâtre de la Vie en nous annonçant dans un élan idéaliste leur spectacle rêvé. Alors que l'espace s'habille soudainement de mobilier design pour nous plonger dans l'ambiance chic et cosy d'un appartement au cœur de Paris, les comédiens, devenus protagonistes de Perec, nous racontent le quotidien de Jérôme et Sylvie. Prisonnier d'une cage dorée, ce couple de psychosociologues enchaîne les enquêtes de consommation ingrates pour accumuler l'argent qui satisfera ses besoins matérialistes. Sans cesse en train de rêver à leur prochaine acquisition, leur prochain appartement ou leurs prochaines vacances, les personnages de Perec nous renvoient à nos propres désirs dans une société où la consommation est un langage qui répond au célèbre « J'achète, donc je suis ».

Gardant comme fil conducteur le texte de Georges Perec, « Ils tentèrent de fuir » se construit comme un aller-retour entre différents niveaux de réalité et de narration (le roman de l'auteur et le spectacle qui se crée sous nos yeux) qui s'entremêlent dans un dialogue entre l'hier et l'aujourd'hui si bien que les comédiens et les personnages se confondent progressivement. Au cœur de cette dynamique du théâtre dans le théâtre, Nathalie Mellinger et Pierre Verplancken enrichissent leurs personnages de multiples facettes et nous livrent une performance à la fois légère et intense, recueil de moments drôles, sensibles, de fables revisitées, de discussions animées, d'idées engagées, d'émotions fortes et de rêves brisés.

Avec « Ils tentèrent de fuir », Soufian El Boubsi et Joachim Olender confrontent le spectateur à la machine infernale de notre société de consommation. Ici, le simple objet peut devenir décor ou personnage ; des lunettes de soleil peuvent nous faire voyager, un pupitre nous ramener au théâtre, une paire de chaussures hors de prix nous berner ou un tableau de Rothko devenir symbole de la réussite matérielle absolue. Par l'utilisation d'un écran, les metteurs en scène nous inondent en temps voulu de ces images devenues elles-mêmes un bien que l'on consomme parfois sans réfléchir.

Sans intention moralisatrice, « Ils tentèrent de fuir » ne se veut pas une dénonciation manichéenne de notre consommation, mais nous invite à une réflexion, une remise en question de notre système de valeurs, de notre amour des choses et d'un bonheur qui semble inévitablement lié à la vie matérielle. Véritable écho à nos propres contradictions, ce spectacle interpellant, subtil et percutant, soulève des interrogations résolument modernes. Pouvons-nous vivre libres dans une prison dorée tant idéalisée ? Pouvons-nous sortir des sentiers battus, hors d'une vie toute tracée et de besoins standardisés ? Si oui, comment faire ? Tenter de fuir peut-être…

Laura Bejarano Medina

Retour vers le passé

Laura Bejarano Medina — 2015-01-07T09:35:03Z

Lauréat du Prix de la Critique 2010 et du Prix du Meilleur Auteur belge 2012 décerné par l'Académie française de Belgique, Dominique Bréda revient au Théâtre des Martyrs, après une tournée à succès, avec son spectacle « New York ». Écrite et mise en scène en 2010, cette comédie fantastique nous fait voyager au cœur de l'imaginaire, enrobant les souffrances de l'existence d'un humour noir et cynique.

Sur le quai d'une gare vide et désaffectée, un homme assis sur un banc semble perdu dans ses pensées. Il s'appelle Max, il a trente-cinq ans, l'âge qu'avait son père lorsqu'il s'est suicidé en se jetant sous un train. Max se trouve à l'endroit même où ce drame s'est produit. Enfermé dans un passé douloureux qu'il cherche à comprendre, il revit inlassablement le suicide de son père jusqu'à ce qu'un curieux chef de gare vienne troubler son délire nocturne.

Délicieusement comique, « New York » nous prend à témoin du dialogue surréaliste que Max entretient avec le fantôme de son père et le souvenir d'un chef de gare, tous deux fruits de son hallucination prolongée par l'alcool et les médicaments. Sans cesse ponctué et interrompu par la vision cauchemardesque du père qui se jette encore et encore sur les rails, ce soliloque déguisé donne naissance à des situations décalées et absurdes, qui font rire ou sourire dans une atmosphère pourtant pathétique et pesante. Soutenu par la justesse d'interprétation d'Alexandre Crepet, Emmanuel Dekoninck et Alexis Goslain, « New York » s'enrichit de personnages aux personnalités touchantes ; Max, l'écrivain maudit, paumé, sarcastique et en colère (Alexis Goslain), le chef de gare, attendrissant, niais, bavard et envahissant (Emmanuel Dekoninck) et le père, sensible et bienveillant (Alexandre Crepet).

En quête d'un juste équilibre entre la comédie et le drame, Dominique Bréda utilise le rire pour prendre de la distance par rapport aux événements tragiques et traiter un sujet difficile sans baigner dans les lamentations ou les grands élans sentimentaux. À travers un rythme qu'on voudrait peut-être plus tranchant et plus alerte pour un spectacle qui repose sur le verbal, « New York » nous raconte la perte de repères, la solitude et la rancœur d'une âme prisonnière d'un passé qui a conditionné toute sa vie, tiraillée entre une enfance gâchée et un présent qui n'en peut plus d'attendre.

Spectacle drôle et émouvant, « New York » nous parle de la mort, du deuil et des blessures que le temps n'efface pas. Du délire à la lucidité, de l'ironie à l'émotion, de la rancœur au pardon, Dominique Bréda nous invite à monter dans ce train imaginaire pour New York, laissant le libre choix au spectateur intimidé de rester à quai et au spectateur fasciné d'embarquer vers le surréalisme.

Laura Bejarano Medina

Puzzle d'enfance

Laura Bejarano Medina — 2014-12-12T10:43:46Z

Jeune acteur, metteur en scène et compositeur, Thomas Mustin fait résonner les mots sombres et tortueux de Dennis Kelly dans la petite salle des Riches-Claires. Avec Débris, il nous propose un drame familial déroutant, révélé sur le terrain de jeux d'un frère et d'une sœur aux souvenirs d'enfance et aux espoirs brisés.

Baigné dans un univers sonore étrange et inquiétant, Débris évolue dans une atmosphère glauque où cohabitent de façon improbable WC, saleté et jouet d'enfant. C'est dans ce décor symbolique et épuré que les deux jeunes comédiens (Fanny Dumont et Julien Besure) viennent nous livrer le témoignage cruel d'une enfance déchirée par la mort de la mère et l'abandon du père. Derrière un voile en plastique, devenu tissu de projection d'images et d'ombres, ils apparaissent ou disparaissent, traversent les caricatures et les âges, pour tenter de renouer les liens du passé.

Construit à la manière d'un puzzle de sensations et de souvenirs, Débris donne la parole à un frère et une sœur, animés du désir fascinant de raconter la vie et la mort. A la fois rivaux et complices, ils nous dévoilent leur intimité, leurs peurs profondes et leur part d'ombre. Même si au fur et à mesure que les pièces du puzzle s'assemblent, les fils d'une histoire décousue semblent se révéler, certains liens flous échappent au spectateur, par manque d'évidence ou de clarté, jusqu'à ce que la boucle du récit soit bouclée. Jouant avec les silences et les sons, les corps et les mouvements, les modulations de la voix, les ruptures de tons et les changements de rythmes, le metteur en scène plonge le spectateur dans un état étourdissant d'attention et d'écoute.

Avec fraicheur et sincérité, Fanny Dumont et Julien Besure se prêtent au jeu des contrastes entre candeur et cruauté. Les événements tragiques et les conflits apparaissent à travers des yeux d'enfants, d'une manière intuitive et ludique. Ici, les relations filiales, familiales, les ravages de l'abandon, la perte de repères et les souvenirs d'enfance sont abordés de façon poignante. Au-delà de ce mélange étonnant de froideur et d'intensité, Débris tire sa profondeur de l'intime et de la révélation, s'attache davantage aux formes abstraites qu'aux réalités, cherchant à mieux nous troubler.

Laura Bejarano Medina