Demandez Le Programme

On ne badine pas avec Musset

Charles-Henry Boland — 2014-11-24T17:55:31Z

Nouveau spectacle du metteur en scène Benoît Verhaert, On ne badine avec l'amour propose une approche moderne de la célèbre pièce d'Alfred de Musset. Une scénographie sobre, un duo de comédiens efficace, une langue d'une beauté intemporelle, reste que cette version d'une pièce mêlant comédie et drame pêche par un style frôlant parfois la trivialité.

Deux hommes vêtus de noir ouvrent la pièce. Ces maîtres de cérémonies (Benoit Verhaert et Vincent Raoult ) se chargeront des personnages secondaires, du bruitage des scène et du déplacement des projecteurs. L'un d'eux poussera même la chansonnette. Quelques échanges et l'on comprend dès les premiers instants que ces deux-là vont distiller une dose d'humour dans le spectacle. Puis c'est l'entrée de Perdican (Samuel Seynave) et Camille (Julie Lenain). Dans le fond, l'histoire est bien simple. Perdican doit (et veut) épouser Camille, mais celle-ci se promet un avenir dans un couvent. Il éprouve durement son refus, elle se met à douter. Désirant la rendre jalouse, Perdican use de la pauvre Rosette (Lormelle Merdrignac) et de ses humbles sentiments. Après une ultime scène de ménage pré-maritale, Camille et Perdican s'aiment mais la brave Rosette, trompée dans son amour sincère, se suicide. Ce qui pourrait passer pour une simple intrigue est sublimé par la langue de Musset, dont Benoît Verhaert a gardé la plume intacte lors des scènes des deux amants et de Rosette. En revanche, les interventions des personnages secondaires abandonnent les dialogues originaux pour épouser un style ramassé, franchement moderne et quelquefois grivois. Ces instants de second degré et d'apartés avec le public, s'ils font rire, ne contribuent pas à installer le climat qu'il aurait fallu atteindre pour nous faire sentir l'issue tragique de cette pièce.

Si la légèreté adoptée est éminemment sympathique, elle ne semble pas totalement cohérente ni constante au sein de la proposition. Ce décalage entre humour et passion sert-il vraiment la puissance du texte ? Non qu'il faille respecter les œuvres du grand répertoires comme s'ils fussent gravés dans le marbre , mais comment recevoir une fin aussi tragique et brutale après tant d'épisodes drolatiques ? La pièce ne manque pas d'humour, mais peut-être n'en manque-t-elle pas assez...

Charles-Henry Boland

Nostalgie des cités

Charles-Henry Boland — 2014-10-04T09:21:18Z

Pièce d'ouverture de la saison du Rideau de Bruxelles, La Vraie Vie singe délicatement nos contemporains habités par le démon du retour à la nature. Satyrique et contemplative, jouissant d'une ambiance certaine et de passages réussis, cette œuvre pèche cependant par son manque d'audace. Pour être divertissante, La Vraie Vie ne convainc pas totalement.

Qu'est-ce que la vraie vie ? Que recherchent ces citadins qui abandonnent les agréments et distractions de la civilisation pour embrasser un état de nature le plus rudimentaire ?
L'auteur entend tordre le coup à cette idée bien fragile des voyages salvateurs. Nous souscrivons facilement à l'idée que le dépouillement conduit à se rapprocher d'une vie plus authentique et vertueuse. Sauf que ces départs soudains des rats des villes vers les contrées les plus reculées du globe ne trompent souvent personne : si notre existence est ternie, c'est à l'intérieur de soi qu'il faut œuvrer et non en changeant simplement le décor.

Pour être intéressant, le point de départ est malheureusement sous-exploité. Ni engagé ni humoristique, le texte manque de force, semblant survoler ce qu'il voudrait nous dire. Si les monologues - portés par des comédiens convaincants - sont capables d'installer la complexité des personnages, ces derniers se montrent moins consistants dans leurs interactions. La mise en scène parvient également à créer de vrais moments de tensions, mais les quelques traits d'humour et ruptures du quatrième mur ne contribuent pas à ce que tout ceci soit pris au sérieux, car à l'évidence l'auteur ne cherche pas à traiter son sujet avec trivialité. En somme, nous sommes en quête d'un enjeu, d'une nécessité du propos qui peine à voir le jour.

A défaut de nous faire réfléchir, il faut reconnaître que La Vraie Vie réussit le pari de nous faire voyager. Sans être époustouflante, la scénographie possède quelques atouts. Baigné dans une toile de fond d'un bleu turquoise apaisant, un monticule de sable recouvre le centre de la scène. La sonorisation ponctuelle habille l'espace d'une ambiance tropicale, sauvage et profonde. L'on se transporte facilement dans un climat chaud et envoûtant. Mentionnons une nouvelle fois les monologues de nos protagonistes qui, appuyés par une lumière plus concentrée et intime, parviennent à éveiller l'imagination et transporter l'esprit le temps d'une histoire. Dommage que ces instants suggestifs n'imprègnent pas toute l'œuvre, affaiblie qu'elle est par une légèreté de traitement qui, pour être bienveillante, ne contribue pas à la solidité de l'ensemble.

Charles-Henry Boland

Cadre sur fond noir

Charles-Henry Boland — 2014-10-04T08:39:44Z

Dernière création de la chorégraphe Kyung-A Ryu, Criss Cross s'inscrit dans le langage du silence et de la contemplation. Exceptionnellement, je me permettrai de m'exprimer ponctuellement à la première personne pour parler de ce spectacle. Une position objective – déjà difficilement tenable dans le registre ordinaire de la critique - semble impossible quand nous ressentons une distorsion entre la reconnaissance d'un projet et son appréciation. S'il faut reconnaître à Criss Cross une conception non dénuée d'originalité, je ne peux oublier qu'intérieurement, je ne fus pas transporté.

Élément central de cette chorégraphie, un grand cadre de métal entoure la scène. Des élastiques sont tendus sur deux niveaux perpendiculaires, dont le croisement produit pour le regard du spectateur l'illusion d'un vaste quadrillage suspendu à un demi-mètre du sol. Cependant, le spectateur ignore cette "élasticité" dans les premiers instants de la représentation. Évoluant au sol, les danseuses Nora Alberdi et Raffaella Pollastrini évitent soigneusement tout contact avec ce plafond de lignes tendues. Cette attitude craintive donne l'impression que ce grand réseau de câbles nous menace par sa rigidité supposée, tel un filet de métal froid et tranchant. Huit feuilles de papier blanc pendent mollement, comme du linge immaculé. Nos danseuses les tirent, les repoussent, les font glisser. Elles semblent découvrir prudemment ce monde à l'image d'insectes rampants.

Puis elles découvrent (et le public également) que leur prison est poreuse et molle. Ce qui semblait immuable devient soudain un grand tissu, souple et malléable. Les danseuses se relèvent, éprouvent les limites de cet univers en repoussant les mailles à l'aide de leur corps. Elles tirent un point de la trame, produisant ainsi un soulèvement général de toute la structure. Elles créent des montagnes, creusent des vallées. Des formes illusoires semblent émerger des multiples torsions qu'opèrent les danseuses sur les élastiques. Mais toujours le quadrillage revient à son état initial. Malgré l'énergie qu'elles déploient pour s'approprier le monde qui les entoure, elles demeurent impuissantes à le transformer. Les voici plus calmes, résolues à respecter ce grand réseau qui existait avant elles et qui leur survivra. Elles enjambent désormais les élastiques, quoiqu'elles ne courent aucun danger. Tout redevient lent. Si elles se tiennent debout, elles finissent néanmoins par se soumettre à ce monde quadrillé.

Faut-il voir dans ce silencieux ballet une longue allégorie de la condition humaine ? Les interprétations peuvent être foisonnantes face à une proposition aux multiples symboles. Deux jours après la représentation, je me dis que cette chorégraphie ne manquait ni d'intelligence ni de créativité. A l'évidence, il se dégage une profonde réflexion derrière cette proposition scénique. Sans nul doute, je retire un plaisir intellectuel a posteriori dans l'herméneutique de ce spectacle, mais... je dois m'autoriser à dire que durant l'heure où j'étais installé dans mon strapontin, à observer dans le silence et le calme ces deux corps au travers des mailles vibrantes d'un cadre central, je me suis profondément ennuyé. Et ce n'est guère en raison d'une certaine « longueur » ou je-ne-sais-quelle « il ne se passe rien », car il se produit des événements tout au long du spectacle. Mais rien n'y fait, ce n'est ni envoûtant ni révoltant. Les images sont intéressantes mais manquent de puissance évocatrice. Quant à la musique, elle ne flatte jamais l'oreille, se contentant d'installer un climat sonore clairsemé de murmures. Seul le concours de la raison peut aider à raccrocher à cet étrange ballet.

Est-ce raté ? Paradoxalement, je ne le crois aucunement. Techniquement, tout est irréprochable, on ne peut aucunement prétendre qu'un élément soit incohérent avec l'ensemble de la proposition. C'est intelligent à bien des égards mais l'absence de vie empêche que l'on s'y plonge totalement. Cela demeure un concept en mouvement, sans chaleur. Le critique trouve cela intéressant, le spectateur s'est endormi.

Charles-Henry Boland

Crimes et chansons

Charles-Henry Boland — 2014-05-12T15:17:37Z

Deux murs en briques. Quatre femmes et un brun ténébreux. Pour son deuxième spectacle, la compagnie du Scopitone nous propose un policier féminin prenant place dans l'ambiance animée d'une cohabitation. Rehaussé de quelques moments musicaux, ce Requiem pour un crime, sorte d'Agatha Christie aux accents de Chat noir, lance de bonnes idées sans les exploiter totalement.

Tout se passait pour le mieux entre ces dames. Sensible et spirituelle, Birgit (Marie-Astrid Legrand) égaie son entourage par sa cuisine raffinée, la tenniswoman Amalia (Céline Chappuis) en pince pour cette dernière, la jeune Géraldine (Maria Abecasis) poursuit son combat inlassable pour la défense des animaux et la gardienne de l'immeuble Monique (Gaëlle Swann) fait en sorte que tout ce beau monde cohabite harmonieusement. Un équilibre que vient briser Michal (Laurent Bonnet), 42 ans, personnage sans foi ni toit. Séduisant et intrigant, l'homme débarque au moment où la propriétaire de l'immeuble décède subitement. Coïncidence ? Certainement pas. L'intrigue est entrecoupée de chansons composées par Julien Van Aerschot qui tient également la partie de piano durant le spectacle.

On appréciera très volontiers le jeu des comédiens. Mentionnons tout spécialement Marie-Astrid Legrand pour son personnage bien construit et Gaëlle Swann, dont le jeu énergique se double d'une voix puissante taillée pour le cabaret. Les musiques sont efficaces, les mélodies savamment tournées et les quelques polyphonies finales agrémentent somptueusement le tout. Les ingrédients sont de qualité, la recette semble alléchante mais la sauce ne prend qu'à moitié.

L'histoire en elle-même peine franchement à décoller. Si l'on appréciera l'humour bon enfant des scènes, la narration se perd quelquefois. Plusieurs trames semblent se dessiner dans les premiers instants mais la plupart restent en suspens pour être totalement oubliées. De même, l'idée singulière de laisser aux spectateurs le choix de l'issue finale a de quoi séduire. Il est cependant regrettable que le procédé n'ait pas été davantage exploité, la décision du public n'influant que très faiblement sur le déroulement de la narration. Comme nous aurions aimé pouvoir intervenir réellement dans la vie de cet immeuble, construire une histoire, un crime... Du coup, la fin semble quelque peu expédiée et l'on reste sur sa faim.

S'il faut saluer les chansons fort bien tournées et un jeu d'acteur efficace, il manque cependant à tout ceci du relief, de la consistance et de l'audace. On rit volontiers des travers de ces drôles de dames et l'on se laisse volontiers prendre par le rythme des chansons. Mais l'absence d'un enjeu véritable et la faiblesse de la trame narrative confèrent un goût, certes plaisant, mais sans grande saveur à l'ensemble. Chouette mais sans plus dira-t-on.

Charles-Henry Boland

Voyage en Congolie...

Charles-Henry Boland — 2013-10-03T11:16:18Z

Nouvelle proposition du metteur en scène Denis Mpunga, Haute Pression résulte d'un appel à projet venant couronner ? ans de réflexion sur les musées ethnographiques européens. Divers en sa forme, le propos est traité avec légèreté, le tout nimbé d'une histoire fantastique. Malgré la sincérité de l'oeuvre et des intentions, l'on reste perplexe devant cette création sympathique, mais quelque peu anecdotique.

Pour comprendre "Haute Pression", il faut replacer l'objet dans son contexte de création. Suite à une commande provenant du Musée royal de l'Afrique centrale de Tervuren, la pièce "Haute Pression" s'inscrit dans un vaste projet de recherche sur la question ethnographique, plus principalement sur la problématique des musées européens créés pendant la période coloniale et renfermant un patrimoine subtilisé aux peuples d'Afrique. La question de l'objet exposé, de sa "valeur" en occident, du rapport qu'il induit avec les civilisations africaines, tout ceci tisse une toile de fond passionnante pour la création et le débat d'idée.

Le problème est le suivant : la pièce de Denis Mpunga n'aborde pas vraiment cette problématique. Il est difficile de comprendre les liens qui unissent le projet initial et le résultat scénique. Certes, la présence subite de ce masque doté de propriétés surnaturelles, ainsi que le chambardement qu'il provoque en occident exprime le questionnement des objets traditionnels qui peuplent nos musées. Mais le texte ne dénonce rien de précis ni ne traite aucune question en profondeur. L'on décéléra une critique de "l'opinion" (publique, scientifique, politique) qui vacille trop facilement selon le sens du vent. L'on trouvera également une critique des états occidentaux, de l'inadéquation manifeste de leurs actions en matière de gestion post-coloniale. Cependant, rien n'est réellement développé, tout est effleuré sans force.

Cette imprécision se retrouve dans la forme artistique elle-même. Prenons un exemple : Une femme vêtue de rouge intervient ponctuellement, fendant l'air de ses bolas. Comment interpréter cette présence ? Au premier degré, l'on percevra une forme d'agressivité, de violence aveugle. L'image est évocatrice, mais que veut-elle dire ? Est-ce la violence de l'Occident ? De l'Inconnu sur lequel notre rationalité n'a aucune prise ? Rien de tout ceci ? La mise en scène reste volontairement imprécise sur la nature de ce personnage. Ceci n'est qu'un exemple parmi d'autres, mais qui ne fait qu'illustrer le choix du metteur en scène de laisser le spectateur se donner ses propres réponses. A priori, ce n'est pas un mauvais postulat que de laisser le public investir librement la forme qu'on lui offre. Cependant, il faudrait que les éléments transmis à son imagination soient forts et suggestifs, mais aussi que le climat soit propice à un tel envoûtement des sens.

Or, ceci ne peut se produire que difficilement. D'un coté, "Haute pression" est composée d'événements traités dans le souci d'une vraisemblance réaliste (journal parlé, interview de passants). De l'autre, l'on trouve en effet des tableaux chorégraphiés mettant en scène des personnages symboliques (femme aux bolas, danseuse africaine, musicien amérindien), mais ne présentant qu'une faible teneur évocatrice. Les pistes ne sont pas creusées, mais partent au contraire dans trop de directions.

Qu'est-ce qu'on aime finalement ? Le début de la pièce : Un son de tempête puissant emplit la salle du Varia, comme l'augure funeste d'une catastrophe prochaine. Ajoutons à cela une foule de petites choses qui sont agréables à observer : un masque géant bien animé, des instruments exotiques et incongrus, quelques effets scénographiques bien construits. On apprécie surtout le duo Alexandre Trocky/Karim Barras, dont la complicité naturelle crée sans difficulté des dialogues frais, drôles et dynamiques. Pourquoi ne pas s'être concentré sur ces deux personnages ? A la place, nous sommes noyés par l'abondances d'éléments qui contribuent certes à la fiction mais n'apportent rien d'essentiel au propos. Si l'objectif était de discuter les rapports asymétriques nord/sud, les vols éhontés des colons commis sur le patrimoine africain, il y avait nettement plus à dénoncer. La Belgique exerça une telle violence au Congo sous le règne de Léopold II... "Haute pression" est franchement trop gentil, trop complaisant. Et si l'objectif n'était pas d'engager la pièce dans le débat... il reste une pièce un peu confuse.

Soyons prudent : peut-être que votre serviteur n'a simplement pas été sensible au charme de cette création. Peut-être qu'il faut prendre ce que l'on vous offre sans vouloir trop en dire. Mais alors je ne m'explique pas le projet initial ni sa concrétisation.

Charles-Henry Boland

Nous sommes tous des "quelqu'un"

Charles-Henry Boland — 2013-09-24T16:52:50Z

Pièce d'ouverture de la saison, "Rêveveillez-moi" nous montre un Jean-Luc Fonck au meilleur de sa forme. Des chansons, des histoires absurdes et des jeux des mots, le tout mâtiné d'une bonne dose de belgitude : pourquoi ne pas se laisser embarquer dans l'aventure ?

Un peu partout, des objets les plus divers. Chacun d'eux est un "quelqu'un", c'est-à-dire l'incarnation de célèbres artistes. Citons pêle-mêle : "Joe Bassin", "Mireille Matjes" ou encore "Mozar(t)ella". Bref, tout ce beau monde tout droit sorti des rayons du Colruyt sera convoqué pour agrémenter les facéties du comédien.

Il n'y a pas vraiment d'histoire, simplement une suite de rêves. dans Notre humoriste plonge successivement dans l'existence d'une dent, d'un œil, d'un homme tout nu, etc. Rien qui ne s'élève bien haut, certes, et l'on aurait peut-être espérer que l'ensemble soit porté par un réel tissu narratif. Cependant, la fluidité et le naturel du comédien créent une atmosphère chaleureuse et complice avec le public. Sans compter les quizz musicaux et les "somptueux" lots à la clef...

Si l'on est client d'un humour bon enfant et chargé de calembours, si Sttellla vous a toujours déridé les zygomatiques, n'hésitez pas un seul instant. Pour les autres, l'abondance des "bons mots" pourra peut-être lasser, voire exaspérer. Face à ce genre de rire, il ne peut souvent y avoir qu'une adhésion complète ou un rejet total. Chaque spectateur sera juge. Il reste que Jean-Luc Fonck est quand même diablement sympathique !

Charles-Henry Boland

C'est la mort qu'on abrège

Charles-Henry Boland — 2013-09-24T15:04:33Z

Nouvelle création de Christophe Sermet sur un texte de Céline Delbecq, Seuls avec l'hiver nous plonge dans le crépuscule du deuil, en cet endroit où les sentiments les plus divers se confrontent et finissent par éclater. Le propos intense de la pièce est malheureusement affaibli par une adjonction d'éléments qui brouillent la perception du drame.

Philippe Jeusette tenant le rôle d'un homme dans le coma ! Voilà qui doit déjà retenir notre attention. Dans un cadre dépouillé - lit d'hôpital, grand écran blanc en guise de fond, quelques ustensiles disposés sur le sol -, nous assistons au drame de la mort. Une femme doit accompagner son mari, éclatée entre l'attention permanente qu'elle doit lui accorder et le deuil inexorable qu'elle devra porter.

La relation complexe et profonde entre la femme et son époux inanimé acquiert une certaine densité, en grande partie grâce au jeu intense et pleinement investi de la comédienne Patricia Litten. On peut ressentir toute l'affection contradictoire d'une épouse qui, enchaînée au sort funeste de l'homme qu'elle a aimé, doit renoncer à sa propre vie dans la haine et dans l'amour. Le dégoût et la révulsion se mêlent confusément dans la répétition des jours. L'on tient là ce qu'il y a de plus marquant dans la pièce et ce qui tient le propos dans son unité.

Quel dommage, oui ! quel dommage que cette intimité n'ait pas la chance d'être appréciée à sa juste valeur. Autour de ce couple, trois femmes - la mère (Nicole Valberg), la sœur (Claire Bodson) et la fille (Marie-Charlotte Siokos) du mourant - rôdent en permanence, dans une espèce de présence étrange, absente mais oppressante à la fois. Elles commentent les événements, tantôt cruellement, tantôt tendrement. Malheureusement, le relief qu'elles pourraient apporter aux scènes se trouve amoindri par l'abondance des dialogues. Nous voudrions nous abandonner dans la contemplation d'un couple funeste, mais l'énergie de chœur féminin, bien trop concrète, interfère et empêche toute relation de proximité.

L'utilisation de la musique est un bon exemple des choix dispersés de la mise en scène. D'un coté, Christophe Sermet utilise très judicieusement les premières mesures d'Echoes de Pink Floyd. Le son du sonar accompagne et augmente le malaise qui se crée sur scène. Pourquoi ne pas avoir seulement gardé cela ? A l'inverse, la pièce est entrecoupée de moments musicaux chantés et dansés, dont on peine à comprendre la raison d'être. De plus, ces chansons, parce qu'abordées avec une certaine légèreté (pas vraiment dansées, chantées sur du semi-playback), anéantissent le climat qui s'installe. Dommage, dommage...

Le propos est loin d'être inintéressant, la performance de Patricia Litten est convaincante et le personnage de Philippe Jeusette audacieux. Mais les interventions répétées des autres personnages, même si bien interprétés, et les interludes musicaux nuisent à l'appréciation du drame. Le succès de la pièce n'est malheureusement qu'effleuré.

Charles-Henry Boland

Quelque part, dans le champ des utopies

Charles-Henry Boland — 2013-09-16T09:48:51Z

Nouvelle création de la Compagnie Andrés Cifuentes, Utopie ouvre sur l'univers de l'illusion, de l'espoir et du désenchantement. Succession de tableaux articulés sur la variation des ruptures, la pièce mélange les références au répertoire, musique et danse. Pour une première étape de travail, la matière se montre déjà riche. Peut-être trop.

Un grand frontispice où s'inscrit sobrement "Théâtre". A coté, une échelle, un écran de télévision, une balançoire suspendue et le mannequin fier d'une femme inconnue. Quatre comédiens : Andrès Cifuentes, Jérôme Dubois, Marie-Gaëlle Janssens, Manuela Leoneet. Cela commence par une guitare électrique et un chant suave. Tout est déjà en place pour l'utopie : les rêves désabusés sont portés par cette musique. Il y aura de l'humain et du vrai : celui qui crie après sa mère, son amour, sa patrie et son avenir. D'emblée, le jeu des acteurs est puissant, divers en expression et authentique. L'on se prépare à une solide proposition.

Un point fort d'Utopie : le travail effectué sur les différents niveaux de fiction. Les premières scènes de la pièces oscillent ostensiblement entre instants de jeu et installation de ceux-ci. Un metteur en scène ordonne, des acteurs obtempèrent bon gré mal gré, tandis qu'une technicienne modifie les lumières. Sans cesse, les comédiens brouillent les pistes en incarnant successivement personnages et artistes, si bien que l'on ne sait jamais où commence et où s'achève la fiction du théâtre. On admire la fluidité des transitions pleinement maîtrisées. Si l'art est utopie, il l'est peut-être dans sa poursuite permanente à produire du réel à partir de l'imagination.

Mais de quelle(s) utopie(s) parlons-nous ? Pris au sens large, cette notion recouvre bien des domaines. Or, il sera question d'illusion existentielle, du travail fictionnel mais également des systèmes politiques, tout ceci exprimé dans une grande liberté formelle. Les textes qui habitent la pièce sont profonds et sincères, cela est évident. Mais ils sont trop nombreux et insuffisamment unifiés pour que l'on puisse entrer dans la réflexion. Andrés Cifuentes l'a encore répété ce vendredi : il ne veut pas prendre le spectateur pour un imbécile passif, mais veut au contraire solliciter sa capacité à réfléchir sur ce qu'on lui présente. Cela est éminemment louable, mais il n'est pas certain que l'on doive s'attendre à ce que le spectateur produise du sens à la place de la création.

Bref ! Nul doute qu'il y a là matière suffisante à faire une très bonne pièce. La technique des comédiens et la maîtrise du rythme témoignent un sérieux indéniable. Cependant, la forme actuelle est traversée d'ambitions telles que l'on se perd franchement dans l'abondance. Gageons que la poursuite du travail parviendra à concrétiser un objet intelligible, puissant et profond. Au regard des précédentes créations de la compagnie, je n'ai aucune crainte à ce que semblable qualité soit bientôt au rendez-vous.

Charles-Henry Boland

Les concours : remise à zéro des coefficients

Charles-Henry Boland — 2013-09-09T14:34:21Z

C'est la rentrée ! Une foule de concours attend les audacieux spectateurs de Demandez Le Programme. Et qui dit nouvelle saison dit également : remise à zéro des coefficients concours ! Explication.

Depuis quelques années, Demandez Le Programme et ses partenaires permettent aux chanceux de remporter des places pour de nombreux événements. Voyez donc la liste des concours actuellement en ligne !

Peut-être l'ignorez-vous, mais le hasard seul ne rentre pas en ligne de compte pour remporter lesdits concours. Il existe en effet un système de coefficient qui influe sur la chance des participants : plus le coefficient est élevé, plus vos chances de repartir les places en poche sont grandes. Or ce coefficient augmente en fonction du nombre d'avis postés par chaque spectateur*.

A l'aube de cette nouvelle saison, il est temps de remettre les compteurs à zéro. Le jeudi 12 septembre à 12h00, les coefficients de tous les membres du site seront ramenés à la valeur minimale, ceci afin de redonner une chance égale à tous. Précisons que les concours qui se clôtureront avant cette remise à zéro tiendront encore compte des précédents coefficients.

Pour accéder à votre coefficient concours, connectez-vous au site via la boite de connexion rouge sur la droite (pas encore inscrit ?). Une fois en ligne, vous verrez apparaître, en haut à droite de l'écran, un cadre reprenant vos données. Cliquez sur votre pseudo.

Vous serez redirigé vers la page de votre profil sur Demandez Le Programme. Votre coefficient concours se trouve à droite de votre photo de profil, sur la dernière ligne.

Toute l'équipe de Demandez Le Programme vous souhaite une excellente saison remplie de concours !

Charles-Henry Boland
Gestionnaire de Demandez Le Programme

*Attention : seuls les avis postés en étant connecté au site sont comptabilisés. Veuillez également noter que les avis trop brefs et/ou mal rédigés ne sont pas pris en compte dans l'évolution de votre coefficient.

Etranger, mais à quoi ?

Charles-Henry Boland — 2013-02-09T20:56:08Z

Benoit Verhaert poursuit son aventure camusienne. Après La Chute, le comédien aborde le célèbre roman L'étranger. Simple, engageante et intelligente, cette pièce s'accompagne en outre d'un projet éducatif au sein du milieu scolaire. Sans être aussi exceptionnelle que La Chute, la nouvelle création de Benoit Verhaert vaut certainement le détour.

Une table et trois chaises. Il n'en faut sans doute pas plus pour planter le décor. Mersault, le célèbre étranger, est campé par le jeu subtil de Stéphane Pirard, tandis que Marie Cardona est interprétée par la sensuelle Lormelle Merdrignac. La narration avance souplement, Benoit Verhaert enchainant les autres protagonistes de l'histoire avec une facilité déconcertante. On saluera également le travail sur le texte, dont l'adaptation capte la substance essentielle du roman.

La réussite de cet Etranger tient également à sa "seconde partie", fruit de rencontres effectuées en amont auprès d'élèves du secondaire. Au terme des débats qui se sont engagés en classe, les adolescents sont invités le soir de la représentation à plaider pour ou contre le cas de Mersault. Enfin, le public lui-même est impliqué dans la discussion, si bien que le Petit Varia se transforme en véritable tribunal. De ces échanges naissent quelques réflexions fort à propos, de quoi prolonger habillement la réflexion sous-jacente au roman de Camus. On ne peut que saluer cette initiative, car elle redonne à la littérature sa capacité d'intervenir dans les débats de société.

Certes, la pièce ne présente aucun défaut, au sens où aucun élément ne peut être jugé raté. Justes et précises, les propositions atteignent leurs objectifs. Cependant, on ne peut s'empêcher de comparer l'Etranger avec l'excellent spectacle qu'était La Chute. Ce dernier brillait par l'ambiance qui se dégageait de la scénographie et des chants qui entrecoupaient les monologues. Un vent lourd soufflait sur le cabaret niché en pleine ville portuaire. Or, l'Etranger n'est pas aussi saisissant sur le plan esthétique. L'on aurait aimé que le travail sur le texte soit égalé par une ambiance aussi prenante, ce qui n'est pas toujours le cas.

Il reste que ce spectacle réussit son pari, en alliant réflexion, interprétation et participation. L'initiative, que l'on doit à Benoit Verhaert, de faire entrer la réflexion au sein des écoles ne peut qu'être encouragée. Les débats qui animèrent l'après-spectacle furent d'une grande richesse et donnent une portée supplémentaire au texte de Camus. Oui, on vous le conseille sans hésiter.

Charles-Henry Boland