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Annette (CHAPITRE 1 : LE GOÛTER)

Catherine Sokolowski — 2023-01-27T14:57:46Z

Après avoir passé de longs moments à écouter les récits autobiographiques d'Annette, 73 ans, Clémentine Colpin, touchée, décide d'en faire un spectacle. Annette est singulière. Son récit était parfois parcellaire, parfois répétitif. En réalité, « Annette » n'est pas vraiment l'histoire d'Annette. Des lacunes ont été comblées, l'imagination s'en est donné à cœur joie. Pourtant, sur scène, Annette (Baussart) est là, elle raconte son histoire. Elle est accompagnée de Pauline Desmarets et Olivia Smets qui proposent quelques extraits de la vie de cette femme particulière, avec bienveillance, humanité et aussi quelques touches d'humour et d'autodérision.

Annette téléphone à son docteur. Elle souhaite prendre rendez-vous. Elle attire la sympathie, cherchant un téléphone alors qu'elle l'utilise pour appeler. Elle parle de ses tresses (« J'ai les cheveux encore plus rebelles que moi »), des Ursulines de Laeken, de son prétendu retard de maturité.

Pas d'émotion particulière, juste un récit, avec quelques pointes d'humour pince-sans-rire. Certains évènements l'ont marquée, comme le fait qu'on ne pouvait pas être nue pour se laver chez les Ursulines, même seule dans sa chambre. Il fallait suivre un rituel, un ordre dans la toilette. "Un, le visage, deux, le cou, trois, l'aisselle droite… huit, la jambe gauche". Annette offre ses commentaires aux spectateurs, neutres ou joyeux, jamais déprimants.

Pauline Desmarets et Olivia Smets prennent ensuite le relais, proposant leur propre restitution d'épisodes de vie de la septuagénaire. Il est question d'accouchement, de rencontres par petites annonces et d'autres évènements de la vie. Duo au top qui communique parfois d'une seule voix. La restitution en mode cinématographique (voix off) est finalement contestée par Annette elle-même ! Rencontre des faits, de l'imagination et de l'humour pour le grand plaisir du public.

« Annette (Chapitre 1 : Le Goûter) » est une version courte (45 minutes) d'un spectacle qui sera présenté en automne 2023. Originale, drôle, un peu nostalgique, la version courte donne très envie d'assister à la représentation en version longue. Le côté « bruxellois » apporte aussi un petit plus. Vivement l'automne !

Catherine Sokolowski

La Cabane d'Alexandra Kollontaï

Catherine Sokolowski — 2023-01-17T15:23:03Z

Alexandra Kollontaï est une femme politique socialiste communiste russe née en 1872. D'origine noble, elle adhère au marxisme en 1898. Toutefois, ce n'est pas de sa carrière politique impressionnante dont il est question ici. Alexandra Kollontaï prônait le polyamour, qualifiant le mariage de « captivité amoureuse » en lui conférant une dimension capitaliste. Christine Delmotte-Weber, metteuse en scène, est également l'auteure de cette pièce qui explore la piste de l'« amour-camaraderie », c'est-à-dire l'amour sans fidélité. Cette autre forme de relation est étudiée à travers la rencontre d'Alex et Julia alors que Julia est en couple avec Samuel, lui-même épris de trois femmes. Beaucoup de finesse et de subtilité dans ce spectacle attachant. A voir.

Trois splendides marionnettes (créées par Anaëlle Impe) participent au spectacle. Elles représentent Alexandra Kollontaï en version mini, en grandeur nature, et Macha, une amie d'Alexandra. Le spectacle s'ouvre sur une discussion entre Macha et Alexandra, concentrée sur l'écriture d'un essai.

Le vol d'un oiseau lie les séquences, poétique et majestueux.

On découvre ensuite Julia (Sarah Messens) et Alex (Sarah Joseph) qui se rencontrent par l'intermédiaire de Lisbeth, connaissance commune. Alors qu'Alex souhaite débuter une relation classique avec Julia, cette dernière a pour objectif d'explorer le polyamour, sur conseil de son compagnon, Samuel. En effet, il lui reproche d'être jalouse de Renata et Saskia, ses autres partenaires.

Créatif, le spectacle s'inspire de plusieurs tendances, dont celle du théâtre d'objets. En quelques mouvements, on change de décor et d'univers, puisqu'on passe du début du 20ième au siècle à aujourd'hui, dans une cabane au milieu des bois. C'est celle de Samuel (Maximilien Delmelle), grand défenseur de la vie en polycule (groupe polyamoureux), qui trouve une partie de ce qu'il cherche dans chacune de ses relations. Peu convaincue, Alex se laissera-t-elle séduire ? Quant à Julia, arrivera-t-elle à laisser de côté sa jalousie ? Au-delà de l'étude du polyamour, une réflexion sur la pluriparentalité enrichit les débats.

On ne s'ennuie pas une seconde devant le ballet amoureux des trentenaires. Un texte intéressant interprété par d'excellents acteurs, la magie des marionnettes et de très bons choix musicaux (Neil Young, Amadou & Myriam, Barbara …) confèrent à ce spectacle dynamisme et sensibilité. Une belle réussite de Christine Delmotte-Weber, aussi douée pour l'écriture que pour la mise en scène.

Catherine Sokolowski

Si j'étais moi

Catherine Sokolowski — 2022-12-19T11:15:54Z

Sven Punti Larsen est un homme d'affaire finlandais, « extraordinairement riche et puissant ». Il est le digne héritier de ses ancêtres, industriels et commerciaux. Cependant, tout comme eux, il devient anarchiste, compréhensif et généreux lorsqu'il a bu. « Si j'étais moi » s'inspire du théâtre politique de Bertolt Brecht, qui, dans « Maître Puntila et son valet Matti » (1940), illustre le thème de la lutte des classes. Sven Punti peut être vu comme le petit-fils de Maître Puntila. Avec son chauffeur, il parcourt les rues de Bruxelles dans un road trip déjanté, à la veille d'une importante réunion que l'homme d'affaires doit présider à la Commission Européenne. Une transposition contemporaine qui dénonce les dérives du néolibéralisme.

Une partie des spectateurs est assise autour de deux longues tables rectangulaires, comme celles qu'on peut imaginer meubler les conférences au sommet. Quelques objets illustrent çà et là le propos des comédiens. Sven (Fabrice Schillaci) et Emma (Marie-Hélène Balau qui campe la sœur de l'industriel) prennent également place à table.

Co-président de la commission mixte et extraordinaire pour la relance de l'économie en Europe, Sven Punti Larsen se rend à Bruxelles afin d'y présenter un discours d'inauguration à la Commission Européenne. Désigné comme expert, on lui remettra également le « Golden trophy » du businessman européen de l'année. Il reçoit ces honneurs pour son engagement pour le respect de l'environnement dans l'industrie pétrolière du Grand Nord (!).

Dans un lointain passé, après une soirée arrosée, la sœur jumelle de Sven s'est éclipsée et n'a jamais réapparu. Rebelle de la tribu, elle convainc le chauffeur de son frère (Audric Chapus) de le faire boire afin qu'il présente un discours radicalement différent en haut lieu.

S'en suit un road trip burlesque dans les rues de Bruxelles, avec un Sven survolté, ivre et délirant, un chauffeur qu'il voudrait pour ami, et une Emma très déterminée à transformer l'idéologie élitiste de son frère.

Le rêve ne se dissocie plus de la réalité.

Une mise en scène originale, trois acteurs au mieux de leur forme, un thème important mais quelques longueurs : le discours n'évolue pas vraiment et devient vite récurrent même si la pièce est intéressante, dénonçant la domination de la finance, les inégalités et les abus de pouvoir. Une création de Mathias Simons.

Catherine Sokolowski

Fredo, produit remarquable

Catherine Sokolowski — 2022-11-24T11:00:16Z

« Du blanc au noir » est un seul en scène autobiographique écrit et joué par Frédéric Lubansu, médiateur culturel qui a plus d'une corde à son arc. Après avoir fréquenté Saint-Luc, puis l'INSAS (« une école de fous »), et joué dans trois spectacles d'Armel Roussel, il fait un burnout. Métis, éduqué à la dure par son père, sa vie n'a pas été un long fleuve tranquille. Drôle, charismatique, il communique avec le public qui se prend au jeu. Son ami Laurent Sao, rencontré pendant ses études, le seconde discrètement sur scène. Mimoun (l'un de ses surnoms) à la pêche et son énergie est communicative.

Le spectacle commence par une brève vision du « centre culturel mobile » installé sur la scène. Au milieu, un homme en costume. Quel âge a-t-il ? Que nous inspire-t-il ? Est-il marié ? Le dialogue avec le public s'installe. A l'issue de ces échanges, on découvre Frédéric Lubansu, prêt à nous raconter sa vie, enfin presque, puisque « seuls 99% des propos relatés sont véridiques ».

Sous l'injonction paternelle « soyez les meilleurs mais ne soyez pas des produits remarquables », Fredo et son frère se rendent à l'Athénée Royal de Koekelberg. Oui mais qu'est ce que ça veut dire ? Comment peut-on ne pas être un « produit remarquable » quand on fait partie des deux seuls « bronzés » de l'école ?

La majeure partie du spectacle est consacrée au récit des aventures de Fredo alias Mimoun, qui a vécu dans la rue entre 13 et 17 ans et demi, avant de décider de devenir artiste. Talentueux, il finit deuxième de sa promotion à l'INSAS. Alors que sa formation lui permet d'endosser n'importe quel costume (« jouer comme un Blanc »), il se rend compte qu'on (« (e)utopia », Armel Roussel) ne lui propose que des rôles « pieds nus et accroupi », on lui demande de « faire le sauvage, le dangereux … Depuis qu'il est sorti de l'école, on lui demande de jouer le Noir ».

De là, un burnout. Une remise en question. La décision de ne plus dépendre de personne. Il sera le « maître du jeu » et s'attribuera lui-même ses rôles. Suite logique de cette constatation, la dernière partie du seul en scène est consacré à la défense des métis, éternellement déconsidérés.

Sympathique, dynamique, militant, fier de sa famille, Frédéric Lubansu est un artiste protéiforme : comédien, metteur en scène, médiateur culturel, professeur en Droit culturel et co-fondateur d'une association « Afropean project ». Un spectacle drôle et sérieux mené tambour battant par un Fredo en super forme.

Catherine Sokolowski

Une résilience exemplaire

Catherine Sokolowski — 2022-11-23T10:52:04Z

Irina Lucidi n'a plus vu ses filles depuis le dimanche 30 janvier 2011. Leur père avait promis de les emmener à l'école le demain. En réalité, Alessia et Livia ont disparu et Mathias Schepp s'est suicidé le jeudi 3 février. Il a laissé une lettre, dans laquelle il précise qu'"Elles reposent désormais en paix, elles n'ont pas souffert". Les corps des petites n'ont jamais été retrouvés. Malgré la tristesse infinie d'Irina, confrontée à la mort de ses jumelles sans qu'elle puisse en faire le deuil, elle tombe amoureuse de Luis. La pièce, basée sur le livre de Concita De Gregorio qui a interviewé Irina, est avant tout l'histoire d'une résilience. Irina a pu retrouver le bonheur malgré ce drame. Gaia Saitta porte le rôle d'Irina avec énormément d'empathie. Un spectacle touchant sans être larmoyant.

Neuf spectateurs ont accepté d'intégrer la scène. Sporadiquement, Gaia les invite à lire une phrase. Le premier rang est aussi sollicité, comme ce monsieur choisi pour être Luis le temps d'une accolade. L'idée est d'intégrer le public dans le partage d'émotions.

Pas de décor mais une caméra qui permet à l'actrice de filmer ses invités en gros plan. A d'autres moments, les écrans reflètent des images en lien avec Irina et son parcours. Il y a aussi cette caméra située au fond d'un chariot, qui filme les actions de la comédienne à travers quelques centimètres d'eau.

Le drame s'est déroulé quelque part entre la Suisse, la France et l'Italie. Mathias Schepp, ingénieur, avait 43 ans et vivait en Italie. Irina avait bien eu un doute, avant la naissance des jumelles, lorsqu'ils avaient rencontré un jeune garçon mendiant dans la rue et qu'il n'avait montré aucune empathie. A part ça, rien. Jamais elle n'aurait pu anticiper cette issue tragique.

C'est avant tout l'investissement de Gaia Saitta, actrice italienne diplômée à Rome, qui fait de cette pièce une réussite. Lumineuse, empathique et chaleureuse, elle nous offre un récit très pudique de ce fait divers qui a secoué l'Italie. Pour l'actrice, c'est un « élan d'amour ». Alors qu'elle n'était pas encore mère lors de la conception du spectacle, elle a accouché en octobre. Son enfant est né le même jour et le même mois que les jumelles. Le destin s'en est mêlé. C'est avec énormément d'émotion que Gaia partage cette coïncidence avec le public, comme un cadeau. « La douleur ne tue pas ». La vie doit reprendre le dessus. Un très beau partage d'humanité.

Catherine Sokolowski

Halte à la suprématie financière !

Catherine Sokolowski — 2022-11-16T09:35:56Z

Dans « Europe connexion », Pauline d'Ollone a choisi de disséquer le rôle des lobbyistes au sein de la Commission Européenne. La pièce se base sur un texte de Alexandra Badea qui met en scène un assistant parlementaire ayant pour objectif de devenir lobbyiste. La pièce est éminemment militante. La metteuse en scène est en colère au vu de l'inaction des politiciens face aux catastrophes en devenir. Pas de meilleur moyen pour comprendre les choses que de se mettre dans la peau du personnage. Avec beaucoup de conviction et de dynamisme, Aline Mahaux et Pierange Buondelmonte matérialisent la pensée et la stratégie de ce(tte) lobbyiste dans les méandres des institutions européennes. Une belle réussite.

Les pièces se déroulant dans les couloirs de la Commission ne sont pas légion. Il y a bien eu « Etudes » de Françoise Bloch qui abordait le thème des 20 000 lobbyistes de Bruxelles mais le sujet n'attire pas les foules. Pourtant, il devrait. C'est de l'avenir de la planète dont il s'agit, donc celui de nos enfants et petits-enfants. Ici, le point de vue est volontairement dénonciateur.

Notre assistant parlementaire, devenu lobbyiste du business de l'industrie agro-alimentaire et en particulier des pesticides, est guidé par ses envies de puissance, richesse et succès. Son ambition est donc très autocentrée. Hypermotivé, il est obnubilé par son objectif, arrivant à faire un déni sur les rapports du GIEC, les critiques diverses et même sur l'avis de son grand-père. A chaque obstacle, il trouve une solution utilisant tous les moyens possibles pour les contourner. Son discours est que tout est permis puisque seuls les pesticides peuvent permettre de juguler la faim dans le monde.

Le(la) lobbyiste est interprété(e) tour à tour par les deux acteurs car il (elle) pourrait autant être femme que homme. Il se parle à lui-même, à la seconde personne. Il maîtrise la rhétorique, ce qui lui permet de convaincre. Bien sûr, il ne se présente pas comme lobbyiste. Il est expert ou conseiller. Fin stratège, il arrive à s'imposer alors même qu'il ne fait que défendre les intérêts financiers de l'industrie agro-alimentaire.

En réalité, triste rôle que celui de défendre des intérêts financiers aux dépens de celui des êtres humains. Notre lobbyiste pourra-t-il se nourrir de cette perspective ? Soutenu par sa femme qui lui rappelle qu'il faut payer les factures, dénigré par son papy, pourra-t-il tenir sur le long terme ? Le spectacle monopolise l'attention de bout en bout, seules pauses accordées : deux chorégraphies sur un morceau de CCCP (groupe punk italien), « Lo sto bene ». Le message est vrai même s'il présenté ici de manière subjective. Du théâtre militant, la base, servi par une belle mise en scène et des acteurs au top, n'attendez pas !

Catherine Sokolowski

A contre-courant

Catherine Sokolowski — 2022-10-24T12:45:29Z

Garcimore, bien connu des spectateurs de « Samedi est à vous », émission diffusée dans les années septante, proposait de courtes séquences dans lesquelles il partageait humour et magie. Son rire particulier et son charisme sont restés dans les mémoires. Gaël Santisteva, metteur en scène et acteur, précise dans le spectacle qu'il ne s'agit pas de ressusciter l'illusionniste. L'idée est de dénoncer les travers de la société contemporaine en proposant un spectacle qui ne répond à aucun de ses critères. Oublions le beau et le soigné, ne soyons pas trop exigeant et n'essayons pas trop de comprendre. Ames subtiles s'abstenir.

Les artistes sont déjà présents sur scène lors de l'entrée des spectateurs. A l'instar des mises en scène d'un Zé Celso, gourou du théâtre brésilien, l'esthétique est loufoque, bien loin des standards du conformisme, provoquante. L'invité surprise de la soirée, quatrième performeur sur scène, se dirige vers les fauteuils dans le plus simple appareil lorsque le spectacle commence. Les comédiens, circassiens et magiciens se livrent alors à une longue danse effrénée en guise d'introduction.

Le but du metteur en scène était de faire un spectacle « illisible » et « décroissant ». Avec ces explications, on comprend mieux le sens du spectacle, qui n'a pas les qualités habituelles auxquelles on peut s'attendre. Gaël Santisteva vient du cirque, Ondine Cloez est chorégraphe et performeuse, Jani Nuutinen est un circassien finlandais. La marmite est donc bien remplie : danse, skate, magie, claquettes, cirque, humour et chant trouvent leur place dans ce spectacle un peu fourre-tout qui propose une succession de saynètes délirantes.

Au final, la représentation s'apparente plutôt à une performance, chacun semblant improviser. Si l'idée de dénoncer les caractéristiques du monde actuel est sympathique, difficile d'adhérer au mouvement à contre-courant de Gaël Santisteva, qui part dans tous les sens. Même avec ses explications en guise d'introduction (et qui sont donc nécessaires), le naturel d'exigence revient au galop. Dommage de ne pas mieux exploiter les dons de ces artistes polymorphes, d'autres que nous pourront peut-être mieux apprécier.

Catherine Sokolowski

Qui suis-je ?

Catherine Sokolowski — 2022-10-18T08:19:01Z

Polyphonie de sons entrecoupée de danse, « Répercussion-ID » traite de l'identité au sens large et sous toutes ses formes. La voix chaude de Farida Boujrarf donne le ton : « Mesdames, Mesdemoiselles, Messieurs et vous qui n'êtes ni dames, ni messieurs… ». Trois musiciens et quatre danseurs accompagnent la comédienne qui est aussi chanteuse. Alternance de lecture, danse, témoignages personnels et chant, cette chorégraphie poétique encense l'altérité et propose une heure de réflexion sur notre représentation de l'identité.

Après une entrée en musique très rythmée, Farida s'interroge : le nom est-il « juste un critère pour l'administration » ? Dans ce cas, qui suis-je ? Histoire de démons, d'arbres et autres récits vont tenter de répondre à cette question en essayant d'approcher le cœur de l'ADN des êtres vivants.

Les musiques sont des compositions originales de Michel Debrulle, Stephan Pougin et Louis Frères, trois musiciens du « Rêve d'Éléphant Orchestra ». Les percussions (batterie), accompagnées de la touche électronique de Louis Frères, offrent une belle dynamique au spectacle.

A côté de leurs prestations de hip-hop, les danseurs (Emilie Jacomet, Colas Lucot, Mickaël Florestan, Sara Tan) et les musiciens évoquent aussi leurs histoires personnelles. Mickaël « au sourire communicatif » vient de l'île de la Réunion et raconte son amour de la danse, Sara est-elle chinoise alors qu'elle parle anglais et a vécu la moitié de sa vie dans d'autres contrées ? Quant à Colas, il vient de Franche-Comté et habite en Gaume, près de la nature.

Créé en 2020 par le Collectif du Lion pour l'Espace Magh, le spectacle rassemble les genres et les cultures. Hybride, percutant et poétique, le résultat est une ode à la diversité. Accessible et joyeux, il devrait convaincre un très large public.

Catherine Sokolowski

Excès de table

Catherine Sokolowski — 2022-09-20T07:56:07Z

'Le Mystère du gant' est une parodie de vaudeville, complètement déjantée, jouée par deux acteurs assis devant une table. Treize personnages évoluent au gré des mimiques de Muriel Legrand et Léonard Berthet-Rivière. Quelques moustaches postiches (de couleur différente, bien sûr !) devraient aider le spectateur à s'y retrouver (s'il ne s'agissait pas d'un pastiche !). Raymond Duchaussoy, concurrent de Gérard Berni-Mollin, est aussi l'amant de sa femme, Inès Berni-Mollin. Mais ce n'est pas tout, rappelons qu'à la base, il s'agit d'un vaudeville. Le fils de Raymond veut épouser Sophie, la fille de Gérard, enceinte jusqu'aux yeux, et, bien sûr, il manque encore le personnage de la bonne : Alexandrine, amnésique. Impossible de suivre cette histoire loufoque, d'ailleurs, ce n'est pas le but. Rocambolesque, absurde, la pièce exagère les codes du vaudeville pour lui rendre hommage.

Comme le dit Muriel Legrand en début de spectacle, « Il est possible que vous ne suiviez pas tout, donc, ne vous accrochez pas ». En effet, aux personnages déjà cités, s'ajoutent notamment : Claude employé émigré qui perd un bras, une armoire à deux pans, Chantal et Bernard Couchard, un docteur habillé en oiseau et un commissaire. Léonard Berthet-Rivière surenchérit : « De nombreux spectateur et spectatrices périront également pendant la représentation ».

Si l'intrigue importe (très) peu, ce sont les acteurs qui portent le spectacle, Muriel Legrand illumine la pièce par son incroyable jeu comique et créatif. Aux bruitages faits à la bouche et aux mouvements des acteurs s'ajoutent quelques accessoires amplifiant le côté rocambolesque : des ballons qui éclatent, un seau d'eau, le bras de Claude, les scripts posés devant les acteurs aux pages tournées en symbiose et un final plutôt spectaculaire.

En plus d'en être l'acteur, Léonard Berthet-Rivière est l'auteur de cette parodie, faussement attribuée à Roger Dupré. Une grande complicité unit les deux comédiens qui prennent visiblement beaucoup de plaisir à jouer ce pastiche, déjanté à souhait mais parfaitement maîtrisé. Baser l'entièreté du spectacle sur le jeu des protagonistes est un pari osé, une intrigue plus facile à suivre aurait été moins déconcertante, mais aussi moins absurde, et donc contraire au thème choisi. Rationnels s'abstenir !

Catherine Sokolowski

Rendez-vous avec le destin

Catherine Sokolowski — 2022-06-10T07:57:39Z

Un joli décor, trois femmes charmantes, une histoire absurde et drôle, autant d'ingrédients qui font de « Coiffeuse d'âmes » un spectacle sympathique et attachant. Sur l'air de « Blue Moon », une cliente pénètre dans un salon de coiffure un 24 décembre. Elle a oublié de poster une lettre importante et décide de sortir pour être débarrassée de cette tâche avant d'être coiffée. La porte d'entrée refuse de s'ouvrir. Ce n'est qu'un début, elle n'est pas au bout de ses surprises. Petra Urbányi, Anouchka Vingtier et Cindy Besson sont au top dans cette pièce courte (1h10) qui s'apparente à un conte, esthétique et originale.

Une devanture art nouveau, un fauteuil vintage, une coiffeuse ringarde, le salon a de quoi surprendre. Comme le dit la gérante, « La modernité n'est pas la priorité ici ». Eléonore pense avoir oublié de prendre rendez-vous mais son nom figure sur la liste. Pour Madame Tellier, une deuxième cliente, la situation s'inverse. Elle est sûre d'être attendue mais elle ne l'est pas.

Peu à peu, Eléonore comprend qu'elle a quitté le monde des vivants. Evidemment, c'est un choc. Heureusement, la mort ne semble pas être la fin. D'autres perspectives s'ouvrent à cette coach de vie qui n'a pas eu l'occasion de régler ses
comptes avec sa mère.

De son côté, la coiffeuse d'âmes est très à cheval sur le protocole. Possible qu'avec une telle fonction, ce soit un must.

Quant à Madame Tellier, troisième protagoniste, elle n'est pas encore passée dans l'autre monde grâce au cœur qu'elle a reçu d'Eléonore, ce qui n'enchante pas cette dernière qui n'était pas au courant.

Cette pièce a été écrite par Valériane De Maerteleire pendant la « période Corona ». Courte, elle peut être jouée deux fois par soirée. L'histoire, loufoque, permet aussi à Eléonore de s'interroger sur son parcours de vie, de parler de ses déboires, de s'épancher. On oscille donc entre plusieurs styles. En conclusion, un agréable divertissement mis en scène par Daphné D'Heur qui n'a d'autre ambition que celle de divertir !

Catherine Sokolowski